Atípico caso el que se ha dado en
Perú con Santa Madero. Pocas veces
una banda tan joven (¡la media de edad entre sus integrantes es 18 años!) ha
generado tanta expectativa en público y prensa especializada, un hecho especial
dentro de una escena musical que ya se encontraba acostumbrada a los nuevos
rostros debido al recambio generacional que se ha ido dando en los últimos
años. El hecho se vuelve más curioso al notar que el sexteto cuenta con tan
solo una canción disponible en las plataformas de streaming ¿acaso no será este
otro caso de precipitación encubierta como entusiasmo?
La respuesta la puede dar cada
persona que escuche Pero Frágil, una
sensual pero elegante carta de presentación que se extiende entre percusiones de
salsa, RnB de tintes setenteros y dream pop contemporáneo. La canción triunfa
al incitar pero en ningún momento ofrecer de más. La banda cambia los impulsos
propios de su edad por maestría compositiva, optando por una fina y controlada sensualidad
presente en cada verso, coro, quiebre dramático o momento instrumental. De
verse uno forzado a encontrar un símil en la música latina contemporánea lo más
cercano sería la ya icónica Tártaro
de Buscabulla. Ambas canciones, en
sus respectivas distancias, entregan un sonido flirteante, en gran parte debido
al labor de sus vocalistas, como también una notoria vena latinoamericana al
evocar a estrellas de décadas pasadas: mientras los puertorriqueños nos recuerdan
líricamente el legado de Frankie Ruiz
los peruanos algo similar con Rubén
Blades gracias al uso de sampleos.
Luego de escuchar Pero Frágil quien aún posea dudas sobre Santa Madero bien puede pasar como una
persona severamente precavida. Por el momento, viviendo el presente, nos
quedamos con el goce propio de todo aquel buen descubrimiento musical. Es mejor
vivir esta joven promesa pop paso a paso, que nos siga haciendo ilusiones en la
cabeza de a pocos con cada nueva canción.
Este viernes verá la luz de nuestras pantallas el esperado segundo disco de Empress Of, el alias con el que Lorely Rodriguez nos ha descrestado, conmovido y puesto a bailar desde el 2013. Us, como se titula el disco, se anticipa con claros signos de conquistador gracias a un sonido que invita al oyente y lo libera del compromiso de la identificación por la vía del drama.
Ya lo habíamos anunciado con When I'm With Him, lo que Rodriguez representa y viene construyendo es muy relevante para la escena y la música contemporánea, y este nuevo adelanto no hace más que ratificar nuestra fe.
I Don't Even Smoke Weed en palabras de su autora, habla de las cosas que hacemos estando en pareja aunque las odiemos, su lectura es tan cristalina que asusta un poco la sinceridad con la que Lorely acierta al combinar el ritmo con sus declaraciones de amor crudo:
"I fuck up everything
Find myself embarassing
You don't seem to mind
Just as long as I'm
Honest everytime"
Sin apartarnos de la letra confesional, I Don't Even Smoke Weed reluce como una joya armada de sintes arriesgados y remarcables, como esos teclados ochenteros que estallan con el falso coro, en esos combativos "Shock" que se erigen como la consumación de una intención, de un riesgo que paga todos sus frutos.
Un alto arcoíris anuncia el regreso de la banda costarricense Hijos tras su sutil debut, NU9VE (2016), una colección de canciones que aun en su timidez siguen haciendo eco en nosotros.
Las Luces de San José alumbran con más fuerza esta vez, y en una correspondencia de colores y sonidos, disfrutamos su dulce experimento. Ante nuestros ojos desfilan los guapos integrantes de la banda y Pablo Rojas, líder y protagonista del videoclip, comparte miradas con una jovencita que baila bajo las luces siempre cambiantes, figuras y efectos se proyectan sobre los cuerpos en una interesante exploración del formato vertical.
Y la canción (de amor, por supuesto) resuena en nosotros con su ingenuo "Tengo que volverte a ver, tengo que decirte que", bailamos también bajo esa cascada de colores con la esperanza de un reencuentro, de un regreso, como el que hoy hace esta banda querida.
En esta ocasión El Amarillo destaca por primera vez la obra de este
artista independiente que pasea en sus hombros todo un movimiento cultural.
Omar Banos o Cuco es de padres mexicanos y originario Hawthorne California.
Con sus dos materiales en formato digital en su historial nos ha presentado el
lado más rosa y novelero del pop alternativo. Wannabewithu EP en 2016 y Songs4u EP del año pasado se titulan sus inicios en la industria musical, y los
que le han facultado crecer como músico y poco a poco abarrotar diversos
auditorios en Estados Unidos y Europa.Es
conocido además porque ha interpretado covers de canciones de Los Panchos y de
Kali Uchis, entre otros artistas por los que profesa admiración.
Su sello característico ha atraído los sentidos de la audiencia alternativa
entre otras cosas, por su forma de escribir.Con un fundamento bastante romántico, sin analogías rebuscadas o adornos,
simplemente exponiendo emociones de la forma más visceral, intensa y vulnerable
en donde poco o nada importa sonar cursi. Los colores del amor y el desamor hacen parte
de su trabajo, así como una mezcla espontánea entre el español y el inglés que
atrevidamente pueden cohabitar en la misma pista: “Oye cariño, sólo pienso en tíwhen
I wake up in the morning until I go back to sleep” (Lo Que Siento).
Su más reciente canción no pertenece a su último trabajo Chiquito EP
(2018), sino que es una nueva versión de Amor de Siempre para Red Bull Music. La
misma es un homenaje a sus raíces mexicanas y a la música que sonaba en su casa
desde niño. Si bien ya la habíamos escuchado antes, los nuevos arreglos vienen
acompañados de violines, trompetas, arpas, así como del grupo de mariachi
Lindas Mexicanas que tienen una aparición en el vídeo clip estrenado hace
poco, una representación del amor en sus distintas formas, en las
vidas de personas auténticas.
Amor de Siempre podría
perfectamente encajar en una película de romance en donde el héroe, a pesar de los miles de obstáculos, logra finalmente ganarse el corazón de la chica de sus sueños. El mensaje oculto tanto de esta pieza como del
proyecto de este chicano es directo: en un planeta sobre el cual muchas veces nos
preguntamos si evoluciona para bien o para mal, el machismo debería ser erradicado.
El amor es el sentimiento más universal que existe y los prejuicios de antaño
que hacían ver con desdén y malos ojos a los hombres sensibles ya no tienen
cabida en estos tiempos.
Podríamos decir que Cuco es un abanderado de la latinidad en la escena alternativa
actual. No dejen pasar la oportunidad de escuchar Chiquito EP que además de
una dulce carga de sintetizadores, viene también impregnado de hip hop y líneas
rápidas.
Alex Anwandter, estampa de un pop perfecto y santo de nuestra devoción, diría alguna vez en una entrevista, que participando con sus canciones en algunas protestas juveniles se encontró incoherente al interpretar letras de amor cuando la realidad inmediata parecía exigir su comentario.
Nacieron así las canciones de Amiga (2016), tan bailables como insidiosas, que aún valiéndose de la balada de amor, cuestionan las relaciones otras que orbitan nuestros afectos: el eco de las decisiones políticas, económicas, y el lastre de anticuadas normas sociales.
Ya en esa transición se fraguaba una ambición más honda. Desde su título, Latinoamericana (2018) anuncia grandilocuente ser la expresión no del yo sino de un rostro variopinto y mudable, el rostro latino. La esperanza entonces será vernos reflejados en el espejo de agua que promete ser Alex entre la flora de su portada, aves del paraíso y monsteras, mirándonos de frente. ¿Lo habrá conseguido?
“Niño, eres la peor”, el juego de palabras en su primera canción nos regala una referencia histórica: Malinche, aquella mujer indígena que se hace intérprete y amante de Hernán Cortés en el tiempo de la conquista española al imperio mexica, encarnando así la imagen de la traición, pero también del mestizaje. Alex pronuncia el nombre como agravio y acusa a un hombre contemporáneo de ser “Serpiente, Malinche y seductor / te das vuelta y de repente ya te crees nuestro señor”, mientras en la fría estructura electrónica se filtra algún detalle tropical.
Locura estalla a continuación, oda al sinsentido y el espanto ante un rumbo político que nos arrastra a los valores rancios que tanto hemos querido dejar atrás. Y ante la preocupación, una respuesta estoica: “Nada puedes tú hacer, solo puedes entenderte a ti”. Pronto aceptamos, con asombro dolido, que esta es la única canción de bailable vocación en el álbum, el resto de pistas se han vestido de sobriedad y alcanzan apenas destellos de ese ímpetu.
Dulce en su letra y metálica en su melodía se extiende Latinoamericana con su intención política a media tinta pero que nos enternece con el “Yo soy negro de amor”, y hasta imaginamos una novela histórica de amor homosexual e interracial en tiempos de Conquista, “Perfecto, entero, para mí eres como una flor / el hombre blanco es un diablo y tú eres amor”.
Y en una canción sobre las canciones, Vanidad hace un reclamo a los viejos ídolos musicales que ocultaron secretos (¿Acaso su sexualidad?¿Acaso Miguel Bosé o Camilo Sesto?) y a los que presas de su propia ambición sucumbieron a tratos sucios, o simplemente miraron con indiferencia a un mundo que pedía su compromiso.
Dos canciones en portugués que jurábamos refrescarían el disco, cayeron como agua demasiado helada, Um girassol da cor do seu cabelo y Olha Maria, covers correctamente interpretados que lucen como meros interludios en el avance de Latinoamericana, una oportunidad desaprovechada, creemos, para dotar de épica y riqueza instrumental a este retrato de lo latino.
Axis Mundo, en su gran parecido a la gran Rebeldes (2011), se hace himno desenfadado a la libertad y a la urgencia del amor, aun en tiempos hostiles. Aquí una bella imagen: “Me enamoré, Cristina, de tu voz de hombre”, y en su contagiosa simpleza pronto estamos coreando: “¿Por qué el mundo siempre mira mal / a quien no evita ser distinto?”.
Y la favorita: Canción del muro, un llamado. Sin consideración, sin piedad, grandes y altos muros construyen ante nosotros, y será labor diaria echarlos abajo, pues hay tanto qué hacer allí fuera, “y empezamos a pensar cosas nuevas, en vez de obedecer”. Una dura melodía que crece y arde en el pecho, la canción protesta más sofisticada, ¡Qué acierto! Y otra simple pero afilada sentencia: “La vida se va, hagamos que valga la pena”.
El disco nos precipita a su final y a todas luces no parece habernos conmovido lo suficiente, le disfrutamos sin la fiebre de sus antecesores, y mucho menos hemos recibido el iridiscente mosaico sobre la identidad latinoamericana que imaginamos, apenas si unas piezas irregulares, algunos cristales y piedras. Pero, ¿no sentimos acaso, que lentamente van brotando en nosotros mismos las palabras y las inquietudes? que estas canciones son verdaderos “growers”, semillas aquí plantadas que en el tiempo atesoraremos y hoy lentamente nos invitan a reconocernos desde nuestras orillas, a saber ser, al fin, hijos de nuestro tiempo. “Ya no tengo miedo, vamos a la marcha”.
Un año después de aquel suceso
llamado “Zamba Puta”, una de las
pocas producciones de estudio que explora con gracia los altibajos propios de
una mujer expuesta a una sociedad machista, podemos disfrutar del retorno de La Lá (de nacimiento Giovanna Núñez). Su más reciente
single, Morir Soñando, es el primer
adelanto que antecede a su tercer disco de estudio el cual se espera llegue en
el 2019 y desde su título otorga pistas de su contenido lírico: el lamento de una
otrora mujer libre, atrapada en esa jaula disfrazada de tradición generacional
que a veces termina siendo la labor doméstica.
Como es común en la música de la
compositora peruana, el carácter crítico de la lírica no afecta la delicadeza
de sus composiciones acústicas, siendo el resultado una samba suave con chispazos
de jazz y salsa. Como si se tratara de una exploración académica por los
sonidos de Latinoamérica, La Lá encuentra
goce en los detalles propios del trabajo meticuloso antes que en la euforia
inmediata, brindando algunos inesperados cambios en la personalidad y ritmo del
tema capaces de desencajar al oyente casual.
En el apartado lírico, uno de los
puntos favoritos de los seguidores de La
Lá, hallamos una colección de frases dignas de enmarcar. En el centro de la
canción una duda existencial se camufla entre inocencia y poesía(“¿Por
qué me siento vacía en mi nido? / ¿Por qué me siento vagabunda en mi cocina /
haciendo guiso de mi propio sabor a hembra?”), aquella misma duda presente
en toda aquella relación donde la desilusión muta en violencia y desigualdad de
género.
En la suma de partes, Morir
Soñando es antes una confirmación de estilo que un single continuista. Para
aquellos que conocieron a la compositora tras “Zamba Puta” bien les servirá como una ratificación de las curiosidades
musicales y causas a las que La Lá
se mantiene fiel.
Ya nos estábamos preguntando que había sido del esperado álbum debut del dúo colombiano Salt Cathedral. Nos bastó una rápida búsqueda para encontrarnos con un nuevo adelanto del mismo, al parecer este sí, el definitivo.
El afrobeat parece ser el recurso estrella de la nueva etapa de Juliana Ronderos y Nicolás Losada, quienes siguen cocinando canciones infecciosas con los recursos de moda. Dándole un giro hacía el dreampop que los acompaña desde el principio, recordemos sus ensoñaciones musicales cuando aún eran Il Abanico o sus primeros sencillos como Salt Cathedral, esa apabullante y emotiva Holy Soul, más cercana al R&B, y en consecuencia, una pista del espíritu inquieto de la banda.
Rude Boy tiene como objetivo levantarte el ánimo. Aquí los beats y los sintes están a la orden del día para que el mensaje de Ronderos fluya a lo largo de estos cuatro minutos en los que te dejas infectar por la cadencia tropical y el golpe de la percusión. Un producto sofisticado del Feel good inc. que atesoramos por su acercamiento directo al oyente y su compromiso imperativo con el baile.
Luminosa y cristalina, la canción Temprana de Entre Ríos es agua para la sed, llega cumpliendo esa cita anual a la que Sebastián Carreras ha venido acostumbrándonos. Es el anuncio de un nuevo disco/intervención llamado Material.
Como un río que cambia de nombre según la tierra que atraviesa, pero siempre es agua, los nombres y arreglos musicales lucen diferentes. Tenemos la voz de Sol Fernandez, dulce como el canto de sirena que imagina, o la canción de cuna que siempre persigue Carreras. Su construcción musical se aleja esta vez de la electrónica y el pop matemático, para abrazar instrumentos más académicos.
En un dulce desasosiego, su letra visita la antigua metáfora que compara el avance del día y las caras del amor: “En la tarde cambias de forma / y la noche hace cicatrices / la mañana predestinada a verte tal como sos”. Y en su invitación a atravesar ese paisaje incierto y abrazar con ansia lo que sabemos ha de irse pronto, recordamos las palabras de otro sabio poeta: “Todos los días del mundo, algo hermoso termina”.
Sin la inmediatez de sus sencillos previos pero con la misma seguridad, Luciana Tagliapietra nos sorprende gratamente con su giro electrónico en Perro, una canción que ahonda en las inquietudes trazadas por el super pop Kawaii, uno de nuestros discos favoritos del 2017.
La densidad digital se apodera de las notas que acompañan los relatos de Tagliapietra, esta vez más cercana a los sonidos de Faithless o de los colombianos Mr Bleat, que a la música orgánica o los sintes de su último disco.
Siguiendo su línea narrativa, Luciana vuelve a transformarse en un animal que desaparece por la reacción a su amor no correspondido (vale destacar El Bichode Diagrama de Ben, 2011, oMariposaal lado de Las Chicas Nieve), en consecuencia, el espíritu del amor deambula por la estación, consolidando el imaginario fantasmagórico de esta pista plagada de sintetizadores que cumplen a cabalidad la tarea de crear el ambiente propicio para darle más peso a la historia.
"Te busqué en los vagones de ese tren abandonado
Como un perro enamorado te mordía por equivocación
No creímos volver a escribir sobre Gepe, en los últimos años su imagen se ha hecho tan distante a nuestros afectos y sus discos más queridos parecían quedarse huérfanos ante la nueva figura de galán y el pop tan radial como edulcorado que ha fabricado en los últimos años. Alegremente, hoy volvemos a ser conmovidos con su cancionero, al menos la mitad de él.
Folclor imaginario viene a nombrar un bello ejercicio de aproximación a la obra de Margot Loyola, gran folclorista chilena, que como Violeta Parra, encontró una voz propia en la recuperación de los cantos populares. En una fácil comparación a los últimos discos de Natalia Lafourcade (uno en que versionó a Agustín Lara y otro, más ambicioso, tributo a sus musas) parte de nuestra redacción veía con sospecha esta nueva intención de Gepe, acusando una falta de inspiración.
Y sí, el álbum parece representar un alto en el camino, un llamado al conocimiento de la raíz más profunda para florecer después vestido de colores propios. En su traje de ingenuo folclorista, Gepe ha sabido elaborar preciosas canciones que trenzan la dulzura de lo orgánico y la imponencia del pop. Sabemos que llegó a tientas y sin academia a la elaboración de sus canciones tempranas, inocencia que iría transformándose, y que hoy en el cumplimiento de esta tarea pendiente, nos confirma que su búsqueda personal en esta década, puede desembocar en las mismas aguas y elevar su nombre al de Margot y Violeta.
Pronto entendemos que este Folclor imaginario no es una colección de covers sino un alegre experimento de descomposición, sampleo y superposición en torno a la obra de Loyola. Gepe se atreve a zurcir sus propias letras y su experiencia a una bella colcha de retazos.
Así, ¿Qué sacarán con quererme? es hábil respuesta al clásico canto ¿Qué he sacado con quererte?, dulce introducción que en su simpleza rústica sorprende con un arpa que nos acompañará a lo largo del disco, y sin tregua nos ofrece oraciones como “Hoy nace la fortuna / Mi vida, y mañana muere / Así se va olvidando / Mi vida, lo que se quiere”.
Cacharpaya ruge por ser la nueva adoración en el repertorio de Gepe, erigida en una delicadeza instrumental que remite al norte chileno, nos habla de felicidad e infelicidad a un mismo tiempo, y las aceptamos, abrazamos este paisaje en el que conviven montañas y llanuras, rocas y hierbas.
De La vertiente en cambio, mana el dolor sin contención, cada línea compone un bellísimo poema, o una fábula, que desde el inicio sentencia “Alguien ha herido al monte con un puñal”. Conmovidos nos entregamos a tanta elegancia, casi olemos la tierra húmeda, casi nos baña un helado manantial.
Esperanzados recibimos un Canto de amanecida, y tenemos ahora pensamientos de consolación y de cura, vendas blancas, ungüentos de milagro, almohadas tibias. Una canción que en su dulzura crece y crece, se adorna de un coro inmenso que nos eleva y repara. Caprichosamente pensamos en la canción que hace años realizaría Gepe para el programa Tikitiklip, esa tierna Colibrí y la lluvia.
En un pop más directo, Gepe nos regala la bella Joane, inspirada y dedicada a Joane Florvil, inmigrante haitiana que murió en Chile, crudísima historia de la que Gepe extrae este luminoso himno, aquí pasa de la poesía y en prosa nos exige reflexionar sobre la xenofobia y la indiferencia, un gesto que sacude y remata un disco conmovedor.
Hay en el disco otro grupo de canciones que emocionan menos, y preferimos esta vez no mencionarlas, en un afán de conservar únicamente los pasajes que nos han hecho sentir estas cosas tan graves y tan dulces, y nos reconcilian con la imagen de un prolífico artista, a quien ya anhelamos ver de nuevo en vivo, y de quien ahora desempolvamos vinilos y cds para volver alegremente a revivir parte de nuestra historia.
Este blog está dedicado a la difusión gratuita de artistas iberoamericanos independientes o comerciales.
AVISO: Estamos de acuerdo con la libre distribución de la música y el flujo de los contenidos sonoros en la red. Estamos para compartir y esperamos que nuestros lectores hagan buen uso del material que posteamos, que se vuelvan seguidores de los artistas que les gusten, asistan a sus presentaciones y adquieran su material por las vías que ellos decidan.
En el siguiente correo nos pueden dejar material sonoro y audiovisual:contactoelamarillo@gmail.com
