No es un secreto que este 2020, Carolina Zac se ha convertido en una de las favoritas de este querido blog. Y nuestro cariño hacia ella es todo menos aleatorio: desde que recibimos su EP Posición (2018) quedamos prendados de su inquietud sonora y hemos seguido muy de cerca sus pasos.
En un deslumbramiento tras otro, este año recibimos cuatro singles y un precioso cover a Rosario Bléfari (a quien no paramos de extrañar). Lo que digo es el último de ellos, y se convierte para nosotros en la última mejor canción de la última semana de este año.
Cada uno de sus lanzamientos ha revelado un matiz distinto de lo que será el primer disco de larga duración que ansiosamente esperamos. Lo que digo es desde su orilla, la canción más fresca de Carolina, una invitación a la ligereza.
La dualidad es una constante en las letras de Carolina, sus canciones son la superficie en que realidad y deseo, pensar y sentir, dulzura e indiferencia entran en contacto. Y Lo que digo es un casi, el momento previo a una revelación, "Me entrego a mi intuición y es mejor". ¿Se aproxima una declaración de amor?¿o una despedida? La abstracción en las letras de Carolina nos deja siempre al borde, de ahí que vayamos una y otra vez en la búsqueda de significados.
La belleza en la producción de Lo que digo nos recuerda la sofisticación de Los Prisioneros en su álbum Corazones(1990) mientras empieza a abrirse un espacio para lo genuino, a una sutileza tan propia que a la vez se expresa fuerte y claro, como si Lo que digo fuera un manifiesto, y su centro el "Solo insistiendo llegué a mi verdad".
En 2021 conoceremos pues el álbum de Carolina Zac, que auguramos ya como tesoro en el paisaje indie, y mientras tanto le decimos adiós al año, suavemente, con un atardecer lleno de matices, rosas y naranjas, junto a Lo que digo.
Con la nostalgia de un año que extrañamente se cierra, Alodia presenta un nuevo single, Los gatos, un intento de despedida, o una llamada a los fantasmas de las navidades pasadas.
Hace unos meses, nos decían en entrevista que el disco Bloom (2012) de Beach House seguía brillando como referencia directa en su exploración musical y esta canción cristaliza a todas luces esa fuerza: sintetizadores y guitarras que se elevan en esa nebulosa que aún no sabemos si llamar dreampop o shoegaze.
"Volveremos a tener un día más", mínima esperanza que insiste en recuerdos de fiestas pasadas, navidades y cumpleaños, tiempo y espacio se dilatan y nos separan. Imposible no pensar en la extrañeza de este fin de año, y a la distancia que se nos pide, tan contradictoria a la necesidad abrazarnos, reunirnos.
Los gatos, con su divina indiferencia, son la imagen última del anhelo que Alodia ha conjurado aquí. Ver en los ojos de un animal querido, la mirada de quien extrañamos.
El videoclip de esta bella canción fue grabado como una toma en vivo, en la región de Cajón del Maipo en Santiago de Chile, cubriendo de neones el paisaje nocturno.
¡La nostalgia nos trae de regreso! La vida y sus requiebros nos han alejado más tiempo del que esperábamos de este querido blog. Si bien hemos ido pulido lentamente nuestras listas con lo mejor del año, la nueva canción de El Último Vecino nos ha sacudido lo suficiente para desempolvar esta caja de texto y dedicarle algunas palabras. Junto a él decimos "Pido perdón por haberme ido sin avisar".
El silencio de Gérard Alegre no ha significado una distancia de su propuesta postpunk desenfadada. Como si no se hubiera ido nunca, Nostalgia retoma la frescura y el delicado equilibrio entre dureza y dulzura, exponiendo con fragilidad ese deseo inmenso de revertir una decisión, la contradicción que nos encierra: alejarnos para anhelar un regreso, esperar en silencio e imaginar que alguien nos quiere de vuelta.
Una canción que sin duda se ha filtrado en los tesoros de este extrañísimo 2020, canción sencilla y emocionante que nos arroja a bailar, a abrazar la nostalYia, que en esa pronunciación caprichosa se nos antoja memorable. Y un videoclip de azul profundo, retratando el encierro… cómo no.
No sabemos aún si EÚV conserva su formación inicial pero desde ya auguramos más canciones y ojalá un disco llenas del ímpetu que hace unos buenos años nos robó el corazón.
RE-visitar / RE-scatar / RE-comendar / Hoy nos vamos a remontar a los origines de este medio. Al momento exacto en el que los pop advancers marcaban los estándares de lo que luego juzgaríamos como gustos adquiridos.
En el ocaso de la década de los 2000s apareció en la escena el disco homónimo de la chilena Valentina Fel, con un acercamiento poco ortodoxo a la canción popular. Incluso antes de que el PC music se pusiera de moda, esta chilena ya lo estaba exprimiendo con sus letras crudas e irreverentes, en una especie de hip-trónica urgente y estridente, cual presagio de un mundo distópico.
Lamentablemente las exploraciones de Fel no superaron la edición de este disco, y cómo tantos genios fugaces, supo brillar para unos cuántos en su momento, dejando una estela que al día de hoy sigue iluminando nuestra colección de hits infravalorados.
En una especie de justicia poética, rescatamos cinco canciones del repertorio de la corta pero interesante producción musical de Valentina Fel.
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Sin Control mi diversión:
"Nadie que me escuche dice nada. El vacío se concluye, sin control...". Un presagio, una alarma temprana de los alcances y los riesgos del Internet. El espanglish que reina en la composición tiende a encriptar algunos mensajes, pero la esencia está ahí. Sin control mi diversión es extremadamente divertida, armada bajo la estructura de un hit popular con sintetizadores inolvidables y ganchos ineludibles en cada giro, ese "Maquinamenin tu matrix, tu matrix" mantiene la misma fuerza de la primera escucha, esa sorpresa momentánea, ese gusto temprano, ese hit absoluto.
Acapulco:
El discurso apocalíptico llega a su punto más alto en Acapulco, una pista cortísima y certera que encuentra su leitmotiv en una frase que escuchamos casi al cierre: "El pánico es su ritmo". Sin tiempo para respiros, esta canción recoge la crudeza, el mensaje directo a los oídos del oyente. Sin puntos medios, la mezcla se mantiene siempre arriba obligando nuestra reacción, unos pasos de baile y algunas frases que van calando por su fuerte carga política.
Circo podrido:
Esta canción arranca con una improvisación en balbuceos, como quien maqueta la sólida composición que vendrá. Un coro firme se desvanece en los mismos balbuceos de la introducción, pero no hay que dejarse engañar, los mensajes aquí son más claros y personales, ya no se trata sólo del mundo retorcido que estas canciones retratan con fidelidad, sino también de los efectos nocivos del caos en el ego de la artista.
Lo que me ataca:
El hit definitivo, la canción más upbeat del conjunto y un verdadero himno de resiliencia. Lo que me ataca es el momento más pop y luminoso de las composiciones de Fel. "No dejaré que ese verbo maltrate" brilla como el emblema de esta canción cuyo único objetivo es convertirse en un polo a tierra, entre el caos y la violencia que nos saca del eje. Lo que en principio podría parecer una búsqueda naïve, con las escuchas cobra cada vez más relevancia gracias a una mezcla que se mantiene siempre vívida y que nos invita a despejar la mente improvisando pasos de baile. El momento en el que la letra, la música y el cuerpo se fusionan es cuando todo cobra sentido.
Chicos listos juegan raro:
Esta canción no pertenece al disco de Valentina, sino que
fue su carta de presentación en el proyecto Efectos Espaciales (2008) del
también chileno Pol del Sur. Un disco que contó con las participaciones de
Jorge González, Javiera Mena y Pedropiedra. Aquí evidenciábamos los intereses y
los temas que luego alimentarían el debut de Fel, y su capacidad para llevarnos
de viaje con sus rimas ocurrentes y sus juegos rítmicos. Es un reto escuchar
esta canción sin prendarse de su magnetismo: "Emerger, flotar, ceder"
se ha convertido en nuestra instrucción favorita y en una máxima para los tiempos que corren.
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Si quieren alguna de las canciones en formato emepetres, escríbannos al correo contactoelamarillo@gmail.com /// No tenemos las versiones del disco, solo algunas pistas sueltas que hemos rescatado de la Internet. Si tienen más data sobre el paradero de Valentina, no duden en pasar la voz.
¿Será esta la mejor canción del buen Silva de Alegría hasta la fecha? Aquí decimos SÍ, anticipando en ella una nueva senda, ligera y encendida, para el inquieto artista mexicano. Aunque como señala en este hit rotundo, mejor "dejemos las promesas para mañana".
Y es que la belleza de Infinito radica en que aún fiel al espíritu orgánico y la ternura bien conocidas en su obra, se añade a la fórmula un gancho disco y un puñado de detalles electrónicos, brillos y colores en una impecable producción que parece lanzarnos de un campo abierto y un riachuelo, a una pista de baile.
"Buscando mi cauce natural", un canto a la posibilidad, a la liviandad. La curiosidad de Silva de Alegría nos lleva de la mano y anima nuestras propias búsquedas, recordando una vieja lección: "si existe un destino al que llegar, solo importa el camino y no el final".
El single viene con un remix vestido de solemnidad en manos de otro artista estimado, El sueño de la casa propia. Imperdible también su videoclip, realizado por Itziar Garaluce con animaciones analógicas en un emocionante juego de espejos.
“Hay este desconcierto con forma de espiral, alguien que me despierte, alguien que me lleve al borde, al borde… del máximo borde.”
Una súplica, un canto ambivalente e irónico, Alegría dispersa sigue sonando en loop desde que vio la luz de nuestras pantallas, con ella descubrimos una colaboración inédita entre dos de nuestros proyectos favoritos de la Argentina, el bicho de culto, Diosque y Los Besos, los reyes del formato breve.
Los aires de folklor afro rioplatense recorren la espina dorsal de la canción, dando lugar a una lírica rica y rítmica. Nuevamente Diosque nos deja una colección de frases para enmarcar, tan entrañables que nos vuelve cómplices de su estado emocional: “Alegría dispersa muy dispersa, puse cartas invisibles sobre la mesa, junto a un vaso de agua con tu labial, besos recordados.”
Alegría dispersa responde a la dualidad, a la suavidad y la cadencia de sus percusiones y a la urgencia de sus palabras que distan de ser la canción más alegre del año, pero sí, una de las mejores composiciones de la pandemia.
Un dúo al uso. La voz de Paula Trama se une a la de Diosque en un unísono que domina casi toda la canción, un embrujo al que se van sumando los metales, marca de la casa de Los Besos, y un manto atmosférico entre lo sintético y lo orgánico que crean un aura inigualable y nos deja servida una canción perfecta para los momentos de contemplación.
Curiosa cuarentena la que parece estar viviendo Santa Madero. La joven banda peruana conocida por sus canciones tanto misteriosas como hits innegables pasó de ser quinteto a convertirse en trío, revivió canciones del pasado como quien intenta cerrar etapa y optó por la autoproducción en vistas del lanzamiento de su primer EP a finales de año. En medio de este remolino de cambios y nuevas decisiones nace Quemarte a la Mitad, a la fecha el single más frontal y agresivo de la banda, por lo tanto también el más frágil y expuesto.
El espíritu del viejo Santa Madero sigue presente pero es hora de decirle adiós a las capas de misterio logradas en base a trucos de producción y psicodelia. Algunas reseñas hablan de influencias trap para este nuevo single pero es imposible no pensar en artistas como Charli XCX y el revival Y2K cuando se analiza el sonido y letra.
Por primera vez las palabras de Karina Castillo no son un enigma que busca ser descifrado. Desde el arranque el protagonismo del vocoder crea un efecto de lamento ideal para la exposición de emociones que está por venir (“Una mañana cuesta respirar y hace tres noches todo estaba bien / Ahora seis años parecen volar”), esto acompañado de unos teclados que pasan del synth pop denso en los versos a momentos de fragilidad en los coros.
Es obvio que Quemarte a la Mitad es resultado de un desencanto amoroso real. Al hablar de una banda tan joven como Santa Madero, el caos los llevará a una nueva etapa de autodescubrimiento y una nueva realidad. Como se dijo antes, ya no hay espacio para misterios y ensoñaciones. Por otro lado, no olvidemos que hablamos de una banda con un estilo muy único que logró seducir a toda la prensa musical latinoamericana, toca ver si este Santa Madero 2.0 puede conciliar pasado y presente o bien se trata de un nuevo punto de partida que exigirá adaptación a sus oyentes.
"Lo que pasa / cuando le pasa / como le pasa / solo le pasa / al corazón". Con aplausos, brillos de trompetas, un memorable juego de palabras y un bajo decididamente ochentero se abre a nosotros esta nueva canción de los costarricenses Hijos.
Aquí, el encanto de otra época es engañoso pues no asistimos a la clásica historia de amor o desamor, sino a una intrincado idilio contemporáneo. Como un Luis Miguel muy desenfadado, la voz de Pablo Rojas nos sitúa en el presente mientras la melodía es fiel reminiscencia a las canciones románticas con las que crecimos. Como si del argumento de la película Closer se tratara, escuchamos las historias de amantes que, separados, anhelan el reencuentro mientras se abrazan a otros cuerpos, en otras habitaciones. Decisiones apresuradas y nudos cada vez más complejos avanzan en una canción vertiginosa, que a pesar de sus casi cuatro minutos sentimos brevísima.
Con Fatal, Hijos anuncia un regreso tras Sol Naciente (2018) un bello y luminoso disco con el que estamos en deuda al no haberlo reseñado. Prometemos entonces estar atentos a los nuevos pasos de la banda, que a juzgar por este adelanto, parece adentrarse en laderas musicales frescas y emocionantes.
El Flaco de la Mancha es una oda a la locura de la creación artística, en la que Rita Indiana se vale del ingenio del productor Eduardo Cabra para crear un track optimista y aún fiel a la esencia sombría de Mandinga Times.
Basta con embarcarnos en sus primeros segundos, en los que los sampleos del poeta puertorriqueño Francisco Matos Paoli y los aires balcánicos nos dan la bienvenida a este paseo cadencioso que hacia su coro nos muestra la otra cara de la moneda: “Brilla el sol, recortando con sombra el camino al caminador”, desde aquí tenemos otra visión, un merengue aderezado con sintetizadores delirantes que se convierten en el gancho definitivo de la canción.
En el apartado lírico Rita cumple la promesa de su título, que referencia también sus raíces literarias, su idiosincrasia e irreverencia, y su sentido de comunidad: “Nómada siempre yo he sido, también los que andan conmigo. Vamo’ detrás de fortuna, con Yemayá de testigo.”
En estas primeras escuchas del esperadísimo segundo disco de Indiana, El Flaco de la Mancha se ha convertido en un oasis de luz en un álbum profundamente político y apremiante. Un disco que nos exige atención, nos planta en un mundo apocalíptico que no dista en nada de lo que vemos a diario en noticiarios y redes sociales, que nos recuerda nuestras tragedias y nos muestra la crudeza de los tiempos que transitamos, pero entre tanta desesperanza aún tenemos tiempo para la fe, y esta canción nos recuerda que los pasos de baile y la locura también son una vía hacia la libertad.
En 2010, al sur del continente, tres discos independientes llegaron a marcar las pautas de un sonido joven y a señalar un modo otro de hacer las cosas. Más tarde, el diario El País nombraría a Chile como el "nuevo paraíso del pop". Mena de Javiera Mena, Audiovisión de Gepe y Música, gramática, gimnasia de Dënver son los hitos, uno tras otro, que impulsaron el florecimiento de tantas propuestas amadas.
Todos tuvimos un tiempo de adicción al pop chileno. Hoy revisitamos AUDIVISIÓN, mirando a la distancia las propiedades de sus minerales, la perfecta aleación de folclor y electrónica, y celebramos la profunda intuición que llevó a Gepe a construir un álbum tan enérgico, ligero y denso a un mismo tiempo. También vemos a lo lejos nuestros propios recuerdos, tanto de nuestras vidas y de la existencia del blog podría contarse a través de esta obra.
Seguimos amando Audiovisión aunque poco sabemos ya de Gepe. Hoy volvemos a este, el punto de inflexión en que el carácter más introspectivo del autor abrazó la elocuencia del pop, el momento preciso, precioso. Antes del auge (¿o el declive?), estuvo Audiovisión.
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Amigos vecinos: En algún lugar entre la extrañeza, la nostalgia, la alegría y la celebración, justo ahí nos recibe el Audiovisión con la mini/maximalista Amigos Vecinos. Un oxímoron en toda regla. Una estructura simple y minimalista que sirve de acompañamiento para un mensaje contundente. Una sencilla bienvenida, pero también el principio de una despedida, el adiós a una forma de comunicación. Will
Por la ventana: ¡Cuánta nostalgia al regresar en orden a estas canciones! Por la ventana fue el primer avance de un álbum decisivo, himno a la alegría y a la ligereza. "La vida es como la vida", una conclusión infantil que solo podía enternecernos. Sin dificultad hemos bailado y sonreído cada vez que esta canción nos encuentra, con su alma sencilla y acústica, adornada de samples. Recordarnos enérgicamente, que cada tanto hay algo que botar para continuar la marcha. Camilo
12 Minerales: El primer avistamiento de intenciones rítmicas y de vientos de cambio. 12 minerales nos embarca en el cauce de un río de montaña, absortos en su magnetismo intentamos descifrar sus mensajes encriptados: “Cada uno se vuelve otro, cuando algo te cambia”. La fascinación de Gepe con los números queda grabada en la estructura de esta canción que entre conteos regresivos y enumeraciones marca nuestros tímidos pasos de baile. Will
Alfabeto: "Pop aprendido y folclor adivinado" han sido siempre las palabras con las que en el blog hemos definido nuestra etapa favorita de Gepe. Las leímos en algún sitio aunque nunca pudimos recuperar la fuente. Hoy volvemos a ellas para describir toda la belleza de Alfabeto, que nos sigue pareciendo la mejor canción de Gepe, y quizá una de las mejores en el cancionero latinoamericano de las últimas décadas. Una incesante percusión como esqueleto y el épico desborde de instrumentos folclóricos, conectando a Chile, Perú y Colombia, como ese otro esqueleto que es la cordillera de Los Andes. "Un, dos, tres, te sigo adonde estés / ¿A dónde vas? Contigo quiero andar". Una factura artesanal que conmueve, roba el aliento, cada vez. Camilo
Ayelén es un nombre femenino derivado de la palabra ayelen que en mapudungun (idioma de los mapuches) significa "sonrío", "el sonreír". La definición que nos regala Wikipedia nos da nuevas luces del significado de la quinta canción de Audiovisión. “Que tú has ganado a mí”, la torpeza del lenguaje es un recurso intencional que encaja a la perfección en esta composición que sorprende por su sencillez. Una carta de amor amplio y una oda a la gratitud. Will
Estado de Vista: "Indúceme a poner un poco de orden, cuestión de ver que algo puedo cambiar". Algo parecido a la humildad brilla en las entrañas de esta canción preciosa, y la voz de Fakuta es un eco de dulzura. Gepe hace una invitación a movernos de ideas, a celebrar que otros entran y salen de nuestras vidas, reordenando, rompiendo, señalando otros caminos. Camilo
Diccionario en mano, 10 años después seguimos sin entender las implicaciones de la palabra Lienza, sea como verbo o sustantivo. Y es justo ahí donde reside el valor de las composiciones de Audiovisión, la falta de significado permite la resignificación del oyente. Este nuevo dueto con Javiera Mena se erige como la pieza más misteriosa del conjunto. Un apartado sonoro que los emparenta con los Mecano más sombríos, nos deja nuevamente a la deriva, esta vez, en un inmenso mar repleto de dudas y certezas. “Y el barco se nos aleja. Ese barco que no nos deja. Y es que siempre viaja solo. Como una sola gran idea”. Will
Salón Nacional de Tecnología: Un misterio. Una canción institucional de un Instituto inexistente. Un sueño. Gepe y un coro de amigos cantando a un espacio imaginario donde todo parece posible. Un chiste. Una excusa desenfadada para cruzar elementos electrónicos e instrumentos vivos en un formato canción. Camilo
Un Día Ayer: Si entendemos Audiovisión cómo un álbum de transición, el paso de un lenguaje enigmático a un discurso más entendible, Un día ayer es ese eslabón que necesitábamos para identificar a Gepe como una figura relevante dentro de la etiqueta de pop latino. Una confesión de amor al uso, la primera visita a un lugar común, aún como un extranjero sin pretensiones de quedarse a habitar en el jardín. Will
Victoria Roma: Hablar de Audiovisión nos exige hablar del EP Las Piedras, concebido un año antes del disco que nos convoca. En ese EP aparecía una versión temprana de Victoria Roma, más sencilla y por lo tanto más cercana, más dolorosa. En todas las versiones de la canción y en el videoclip aparece la artista Valeria Jara, quien fue pareja de Gepe en aquel tiempo y a quien intuimos como una figura importante en la estructura de Audiovisión. De aquella historia de amor nos queda esta canción inmensa, "Si te volvieras, vuélvete a mí". Camilo
La Bajada: En las idas y venidas de los significados, las formas de comunicarnos y el lenguaje que compartimos, no deja de sorprendernos lo bien que encajan las palabras del escritor Carlos Arriagada en la cosmogonía de Audiovisión. “Renunciaste a todo por estar aquí conmigo allá”, el sacrificio de su primera frase, junto a sus redobles, los charangos, las zampoñas y las campanas nos dibujan un paseo inigualable, imágenes vividas de una montaña que desnuda sus misterios ante nosotros, dos minutos y medio de cumbres emotivas. Will
Budapest: Una respiración entrecortada y distorsionada es el sonido que abre, o cierra, la canción/despedida a este álbum perfecto. En la atmósfera de Budapest percibimos ese alejarse, como si en un barco fuéramos dejando un puerto, como si la niebla empezara ya a cubrirnos y las luces de la ciudad se difuminaran. Un piano delicado es lo único claro, lo demás es eco, dilación, distancia. Y las palabras últimas de Gepe: "En el fondo / fue solo una isla / chocando con un continente". Camilo
RE-vivir / RE-visitar / RE-comendar / En la revisita del hit definitivo de 107 Faunos en colaboración con las infalibles Las Ligas Menores, nos decantamos por el carácter polifacético de su composición y sus valores narrativos.
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Una buena canción es una hazaña temporal. Pico tres es uno de esos acontecimientos excepcionales que merece ser revisitados y estudiados cada tanto. Acercándose peligrosamente al límite de la canción popular para convertirse en una película o en un cuento, esta canción entiende a la perfección el valor de la narración, el efecto del coro/climax que no debe repetirse y la importancia de la instrumentación en la creación de una historia emocionante.
Dos personajes, el vocalista/o el oyente y nuestra heroína misteriosa. Un set, "La mejor fiesta a la que fue", una incógnita, ¿Qué pasó la noche anterior?, todos los elementos servidos para una narración que nos moviliza en varios frentes: La inevitable nostalgia fotográfica ("Te perdí mientras bailábamos"), el terror inesperado ("Chica loba persigue la luna, uh, y personas por el pueblo") y la inevitable consecuencia catastrófica ("Confundida, sola, asustada, intenta recordar qué pasó").
Los detalles y referencias de la canción están a la orden del día y en lugar de valerse de imágenes recurrentes, se van a lugares poco explorados. Los localismos dan pistas de hacia dónde debemos dirigirnos cuando queremos dar sentido y valor a nuestro imaginario: "Metió un triple y mató a tres, de los populares" resuena como la segunda frase más icónica de esta pequeña-gran composición.
El top sin duda es para el crescendo climático de su coro, que justo arranca en esta última frase que funciona como puente. En dos líneas subimos, aullamos, estallamos y volvemos a bajar suavemente. La forma en que se fusiona la onomatopeya de la chica lobo y el conector "y" es magistral, una liaison orgánica que funciona como pico de esta montaña rusa.
Ya hacía el final, cuando nos quedamos con la frase de conclusión: "Noche de pánico", aún nos queda un minuto entero de narración que esta vez recae sobre la musicalización y unos chirridos que sirven de flashback y nos descubren la incógnita de la protagonista.
Hasta aquí no sabríamos si lo que acabamos de vivir fue en realidad la canción más trepidante y circular de los 107 Faunos, el episodio de halloween de una serie adolescente ambientada en la Argentina contemporánea, o bien un cuento breve y emotivo; sobre todo, una verdadera proeza compositiva a la que volvemos siempre en busca de un poco de inspiración.
Como piedras preciosas de orígenes opuestos, hemos ido reuniendo las canciones de Carolina Zac que integrarán un anhelado primer álbum de larga duración. En una mano la energía fluorescente de "Aparece" y en la otra, el azul profundo de "Inevitable". Se suma ahora la oscuridad de "Paralelo", en una noche que emite destellos.
El hit definitivo: una dura base rítmica poblada de vibraciones abre paso a la voz de Carolina, esta vez más sensual, con una letra que entrecruza abstracción y declaración de amor. "No es cierto / esos miedos tuyos no son míos / es parte de existir / sufrir / sumar olvidos", la canción nos trae imágenes de otras fiestas, encuentros y desencuentros sobre la pista de baile. Con nostalgia nos preguntamos cuándo volveremos a esas noches de movimiento, acecho y promesas de amor.
En "Paralelo", Carolina Zac confirma pertenecer a un linaje de artistas como Kelly Lee Owens o nuestra querida Ela Minus, mujeres poderosas a un tiempo compositoras, intérpretes y productoras. Cada una a su manera y bajo sus reglas concilia la dulzura de la voz femenina con el alma helada de la electrónica minimalista, renovando así el pacto que hace décadas firmaron Donna Summer y Giorgio Moroder en "I feel love", la sensualidad en la máquina, perfecta amalgama. Ellas comparten además, el 2020 como escenario para el lanzamiento de sus discos.
Carolina presenta "Paralelo" con un excitante videoclip realizado por el artista chileno Felipe Rebolledo. Un despliegue de nocturnidad, geometría y sensualidad. Partiendo del blanco y negro y las líneas en conflicto, el rostro de Carolina se arma y desarma. Sofisticado y sutil como la canción, el videoclip abstrae un paisaje oscuro y dispone en las imágenes computarizadas un elemento vivo, palpitante. Imperdible.
Desde los lanzamientos más recientes de este fin de mes, hasta los últimos anticipos de nuestros discos más esperados de la segunda parte del año, esta entrega de breves viene cargada de canciones que no podíamos dejar pasar sin que vieran la luz de nuestras pantallas.
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Ricky Read con Lido Pimienta ~ Catch you
La sorpresa. Lido Pimienta interpreta y compone una canción en inglés para el disco debut del productor Ricky Read. Catch you sigue la línea optimista que caracteriza las colaboraciones de Pimienta. Una canción de amor al uso, una interpretación memorable y un acompañamiento musical a la medida.
Mula ~ En el aire
Acabábamos de ponernos al día con Mula cuando las redes nos revelaron sus nuevos lanzamientos. Por un lado, la imperdible colaboración Somos quienes, y por el otro, esta En el aire, que combina synthpop y champeta en tres minutos de delirio tropical. Una más para nuestra colección de hits de dreambow.
Ela Minus ~ El cielo no es de nadie
Acts of rebellion, el disco debut de la colombiana Ela Minus está a la vuelta de la esquina. El anuncio de su lanzamiento vino acompañado de la bailable y enigmática El cielo no es de nadie, que nutre la narrativa revolucionaria de sus dos singles anteriores. Desde ya vamos preparando nuestros pasos de baile para uno de los discos más audaces de la segunda mitad del 2020.
Luciana Tagliapietra ~ Nueva forma
La tucumana regresa este año con la continuación de su excelente Kawaii (2017). Nueva forma mantiene muchas de las bases de su anterior disco, una clara dirección hacía el synthpop y la preponderancia en el sonido de unas guitarras que aquí se roban el papel protágonico. Una sorpresiva canción de amor que revive los sentimientos de los primeros encuentros, justamente cuando nace el amor.
Pasaje ~ Flores y diamantes
Los chilenos Pasaje mantienen viva la llama del electropop del cono sur. Herederos de un acervo musical que recoge una década de exploraciones, en Flores y diamantes el dúo indaga en las posibilidades de una composición comandada por los sintetizadores, con la energía siempre arriba, tres minutos de descarga electrónica que se vale de una letra escasa pero efectiva.
Ignacio Herbojo ~ Réplica
Recientemente el argentino Ignacio Herbojo estrenó el vídeo de la etérea Réplica, el single de despedida de su segundo disco, el confesional Terremoto. Para la ocasión juntó talentos con el artista Felipe Rebolledo quien da vida a este pieza densa y emotiva, un match definitivo entre música, letra e imágenes, un adiós a una etapa, una emotiva instantánea en continuo movimiento.
Somontano ~ Últimamente
El peruano Somontano siempre ha estado del lado de los compositores que desentraña una confesión con cada nuevo lanzamiento. Últimamente es una pieza íntima que recae sobre musicalización escaza para dar protagonismo a los desahogos de su autor, frases que bien podrían identificarnos en este aislamiento prolongado. Pop de habitación para sobrellevar el encierro.
Rita Indiana ~ Miedo
Mandinga Times, el esperadísimo segundo disco de Rita Indiana llega por fin este 8 de septiembre. Y aunque su tercer sencillo ya lleva varias semanas dando vueltas en las plataformas digitales, nos valemos de su cadencia y su encanto para cerrar esta productiva cita de lanzamientos que nos han tenido atentos el último tiempo. Una confesión de amor/terror guiada por la cadencia de un reggeae aderezado con un variopinto abanico de instrumentos, toda una hazaña musical que cierra los anticipos de uno de los discos más esperados de la última década.
Recientemente Tony Gallardo anunció el lanzamiento del EP Mala Hierba, firmado bajo el seudónimo santo de María y José (ya lo estábamos extrañando), y con él, su primer sencillo, Lágrimas, que de golpe nos llevó de viaje en el tiempo, remontándonos a diez años en el pasado cuando Gallardo era aún considerado "la promesa de la música indie".
Los aires de las siempre jóvenes Mi Chulita y Ola de calor afloran en esta composición que junta los genios de Gallardo y Siete Catorce en una suerte de ruego tribal, una efervescente cadencia friky que se vale de voces distorsionadas, sampleos y de una letra muy cercana a la simplicidad y el drama de la canción folclórica latinoamericana para inducirnos al baile desprejuiciado.
Un salto en el tiempo, un genio que se mantiene intacto, lejos de la promesa de un hit rompepistas, Gallardo nos entrega una excusa más para mantenerlo en nuestro podio de referentes del indie latinoamericano, un afecto que se aviva cada que le damos play a sus irreverentes composiciones, esta es una más para la posteridad.
Está de más hablar del contexto que acompaña a las canciones que han sido creadas durante los últimos meses. Más allá de nuestras diferencias, se podría decir que por primera vez en mucho tiempo, globalmente existe tanto la misma preocupación como anhelos de libertad. El trío dominicano femenino Mula ha capturado de manera precisa esta sensación con el lanzamiento de Agua Que Quema, la promesa de un festivo reencuentro frente al mar.
Si bien Mula nos ha tenido acostumbrados a una serie de singles explosivos, Agua Que Quema se beneficia de mantener las cosas de modo calmado, logrando adaptar su estilo a nuevas formas que terminan dándole un rol más protagónico al contenido lírico. En caso de tener que resumir la canción en géneros musicales estamos ante la poca convencional unión entre synth-pop y bachata, palabras que no vemos juntas tan seguido.
Cerrando idea, Agua Que Quema no es la celebración a la que Mula nos tiene acostumbrados, es la promesa de una recompensa al final de un camino (“Y cuando esto se acabe vamos to’ pa’l malecón”). Es gratificante notar que las dominicanas no han perdido la identidad que nos hizo amarlas y al mismo tiempo muestran nuevas facetas basadas en sus influencias. Una evolución orgánica en sus singles en vez de aquel cambio drástico que muchas bandas buscan para generar factor sorpresa.
"Todas las celebridades siguen muriendo, mientras los hombres crueles continúan ganando". Esta frase que abre Till death de Japanese Breakfast parece ser la mejor síntesis de los tiempos que estamos viviendo. Mientras la ola de represión de los gobiernos de ultraderecha arrasa con la dignidad y la capacidad de sorpresa de todos, unos pocos siguen en pie, inventando fuerzas todos los días para sobrellevar nuestro caótico destino como sociedad.
En esta marejada de desconcierto la colombiana Ela Minus nos deja un mensaje contundente con su nuevo single, un nuevo himno de resiliencia que apela a nuestra capacidad de hacer frente a las adversidades, sin dar un paso atrás: “You won’t make us stop”, una frase que funciona como coro adictivo, o como advertencia para los poderosos, es la clave de este Megapunk que se ha convertido en la canción más upbeat y osada de la artista.
En Megapunk, Minus crea una pieza que agrega nuevos matices a la esencia punk, trayendo su mensaje contestatario al panorama contemporáneo con una clara dirección hacia la pista de baile. Así, bailando hacia nuestras revoluciones cotidianas nos descubrimos adictos a esta canción que nos reaviva el ánimo combativo y nos enlista en las filas de su ejército.
Existen muchos discos sobre desamor y desahogo. Con el pasar de los años la lista se abulta tanto que a momentos su fórmula se torna repetitiva y gastada. Bueninvento encajaría perfectamente en esta categoría, pero incluso hoy, a 20 años de su edición sigue siendo un álbum imprescindible para corazones rotos. Lo irónico es que, a pesar de mantener su chispa intacta, este podría ser el disco menos explorado por los fans de la mexicana, y a la vez el más atesorado por un puñado de fieles creyentes.
Después de un primer disco plagado de mensajes políticos, Bueninvento parecía el paso seguro hacia la consolidación de Julieta Venegas en el panorama alternativo de principios de siglo. Sombrío, reflexivo, agresivo y profundamente personal, al parecer poco accesible para las masas. la historia, sin embargo, terminaría poniendo todas las piezas en su lugar y dándole a esta exploración musical de Venegas, el carácter que en su momento parecía difuminado por la tibia recepción del público.
Con estas credenciales no es extraño que, para muchos, en los que nos incluimos, este sea el mejor disco de Julieta. Y es que el salto entre Bueninvento (2000) y Sí (2003) es abismal. Donde el primero sorprende por su eclecticismo, el segundo se simplifica y entrega un paquete más digerible. Entonces, ¿Qué es lo que hace de Bueninvento la obra maestra de Venegas?
Empezando por el apartado lírico, este disco ofrece las canciones más cripticas y ricas de su repertorio. Fe introduce este cancionero de despecho, cual tutorial para superar un rompimiento. Casa abandonada es una oda a la obsesión y la idealización romántica. En esta misma línea canciones como Enero y abril, y Salvavidas presentan una cara obtusa del amor. En esta última encontramos el aura que envuelve el disco, una especie de optimismo-pesimismo, que a momentos llega a ser perturbador: "Regálame obsesión, entrégame tu devoción. Para estar felices debo saberte mi posesión".
La titular Bueninvento y Seria feliz son la cara más expuesta del disco. En ambas se aprecia un ansia post-adolescente, nuestra eterna búsqueda de una idealizada felicidad. Ansiedades liberadas, estas dos canciones son el testimonio más fehaciente de la humanidad de la artista.
En el plano musical este disco no deja de sorprender por la cantidad de recursos empleados en su armado. Con la producción de Joe Chicarelli y Meme del Real, Bueninvento viene a ser el Re (Café Tacvba, 1994) de Venegas, un disco que refleja a la perfección las búsquedas de la música alternativa de finales de los noventas; aquí los híbridos entre rock, pop y trip hop son aderezados con detalles que enriquecen las composiciones de la mexicana.
Entre la dureza de las letras y su contraparte musical, destacamos tres piezas que a la fecha se han convertido en las canciones más aguerridas del cancionero de Venegas. Voluntad, Siempre en mi mente, el imperdible tributo a Juan Gabriel y la enérgica Instantánea. Cada una explora a su manera el inseparable vínculo entre el amor y la pérdida, desde el desgano y el desprecio hasta la añoranza y la urgencia de la memoria.
Dicen que el valor de un disco se lo otorga la forma como envejece. Buenivento entonces es une jovencite atrevide que se mantiene vital y vigente a 20 años de su edición, funcionando cómo testimonio de un corazón roto, ansioso y furioso, que a la vez imprime una inusitada esperanza en el oyente. Revisitar este disco confirma que podemos superar nuestros demonios amorosos, avanzar y mirar atrás sin miedo de volver a caer.
Siguiendo la estela de su último disco (el destacado I'm your empress of ), Empress Of vuelve a hacer equipo con el productor Jim-E Stack, con quien también colaborara en la canción U give it up.
Pulsante y adictiva, Note to self es una delicia de principio a fin. Su duración cumple la promesa del título, convirtiéndose en una rápida nota para uno mimo, como esa voz de la consciencia que te avisa que todo va a estar bien aunque estés sumido en la desesperanza. Su escasa letra ilustra a la perfección este enunciado: "Solo deja que te derribe. No luches, deja que te traiga de vuelta".
El coro es sin duda la parte más pegajosa de la canción, resuena como un eslogan motivacional a la inversa, y termina siendo la excusa para que Stack cree un apartado sonoro que lleva el flow de las palabras de Lorely Rodriguez, una producción ingeniosa, recursiva y cadenciosa que nos exige repetirla varias veces, sólo para seguir improvisando nuestros pasos de baile y salir de a poco del despeñadero.
Una casa que se derrumba es una casa por rescatar. Con esta consigna Pamela Rodriguez nos presenta Voltaje, un nuevo sencillo que se suma a la intimaKintsugien esta nueva etapa en la que la artista y sus colaboradores exploran las posibilidades de la canción popular sin la urgencia de entregar un álbum que las agrupe como concepto.
Esta entrega nos sorprende por la combinación de vals peruano con visos de trip hop, una porcelana que amenaza con quebrase cuando irrumpen los beats y los ecos de truenos. Voltaje juega con elementos orgánicos y electrónicos para construir una pieza musical que vive por sí misma.
En el apartado lírico Rodriguez sigue exorcizando demonios cotidianos, creando una letra de urgencia que aboga por la reconciliación y el perdón como herramientas de sanación, funcionando igual como un mantra personal y como una lección colectiva.
Los créditos de este lanzamiento incluyen a Bruno Bellatin (Kanaku y El Tigre) en la producción, y al artista Carlos Martinat en el arte de tapa.
Podríamos hablarles por horas de cómo Superaquello nos iluminó la cara en más de una ocasión con sus ocurrentes juegos de palabras y sus composiciones conceptuales. Podríamos extendernos horas en halagos por las líricas reivindicativas de Lá la, de sus ingeniosas referencias a la comida, o de cómo los primeros discos de Javiera Mena y Gepe nos dibujaban un nuevo horizonte en la canción latinoamericana.
Edson Velandia con su humor ácido y derrochador, Rita Indiana y sus imperiosas letras que reflejan el intrincado acervo cultural del caribe, sus penas y sus dichas. Podríamos escribir un libro sobre las formas en las que Dani Umpi se ha apropiado de la canción melodramática para dotarla de un brillo particular que irradia el furor de la comunidad LGBTI+. Podríamos hacer varios homenajes a la obra de la recién fallecida Rosario Bléfari, cuya fidelidad eterna a la canción popular introspectiva influyó en tantos artistas desconocidos, cómo las raíces de un gran árbol que crece en el matorral, de sus hijes musicales, Violeta Castillo, Paula Trama,Luciana Tagliapietra, Flavio Lira, Carolina Zac, y un largo etcétera que nos resulta imposible de abarcar.
¿Podría Diosque colarse en este altar de compositores de cualquier año? Su gusto por la experimentación y la poesía es realmente notable, aún así su canción más popular no sobrepasa las 400.000 reproducciones en Spotify. Juana Molina dice más en Un día que cualquier canción popular de radio fórmula, y aún así parece decir tan poco. Él mató a un policía motorizado puede lograr que te derritas de ternura y que se te ponga la piel de gallina con las palabras más sencillas del repertorio lexical de nuestro idioma.
Las cátedras literarias en las canciones de Christina Rosenvinge son igual de inagotables a su extensa discografía. En nuestra memoria emotiva aún retumban las composiciones entre folklore y rock n' roll de Aterciopelados y Café Tacvba. Asimismo compartimos el entusiasmo de genios de la canción popular aún más desconocidos como Algora,Joe Crepúsculo, Cristóbal Briseño, Emilio José o Tony Gallardo, todos aportando desde la sombra de los grandes medios y las fórmulas radiales al enriquecimiento de un cancionero independiente que sólo espera por oídos curiosos para ser descubierto.
¿Qué tienen todos estos artistas en común? Además de ser en su mayoría desconocidos por el oyente promedio, podríamos decir que casi nada. Todos provienen de puntos geográficos diferentes, de influencias y visiones diferentes, pero todos obedecen al mandato ineludible de la canción popular: tener algo que decir, y conectar con el oyente.
Con esta premisa en mente, no desdeñamos de los logros obtenidos por otros cantautores y compositores en cuya obra somos poco aptos para sumergirnos, sea cual sea el género. Porque seguramente esos artistas también cumplen con las reglas que hemos anunciado previamente: tener su origen en cualquier punto del globo, contar algo en sus canciones y tener oídos que reciban su mensaje. Antes de juzgar el valor de las composiciones de un artista, comparándolas con las de nuestros eternos favoritos, preferimos aceptarlos por lo que sus palabras o mensajes tienen para contarnos de un mundo que parece desconocido para nosotros, un mundo y una cultura en continúa gestación.
Antes de comparar, criticar y anunciar el fin de "los buenos compositores", preferimos aferrarnos a lo que para nosotros es bueno. Es un dicho muy popular, pero para los gustos los colores, por lo que medir con el mismo rasero las composiciones de nuestros dioses de la canción popular y de nuestra generación con los ídolos de las nuevas generaciones, es un oficio odioso e inútil .
No es verdad que los buenos compositores estén en decadencia, no es verdad que debamos aceptar la imposición del mercado sobre lo que para el negocio es un buen compositor (así en realidad lo sea), no está bueno gastar nuestra energía replicando esquemas de odios y rivalidades, en todo caso es mucho más fácil y sano seguir haciendo el ejercicio de apartarnos de la masa y encontrar nuestros propios compositores del año, y eso sólo lo hacemos compartiendo lo que realmente nos gusta y no lo que no nos gusta ni estamos dispuestos a entender como fenómeno cultural y económico.
El infame premio al compositor del año que ha incendiado las redes es entregado por la industria musical (del entretenimiento) a los artistas o músicos que están afiliados a la entidad que recoge las regalías por sus composiciones, por ende, estos premios siempre serán entregados a los artistas de su nicho, es decir cantantes de reggaeton y géneros afines o ultra populares, es endogamia pura.
Pretender que nuestros artistas favoritos de rock, pop, Alek Sinteks, Arjornas o Bunburys ganen este premio es por demás inocente e ignora por completo los tejemanejes de la industria. ¿Saben quién ganó este premio el año pasado? Maluma, baby!
¿Qué hacemos ahora?, ¿Nos seguimos quejando del premio o pasamos de pagina? Al final, el único reconocimiento que merecen los artistas que nos gustan es que compartamos su música y que prediquemos sus palabras.
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