Ahora que la casa es el mundo, algunas ideas florecen, la introspección parece iluminarlas, mientras en otros rincones las dudas se acumulan como polvo, flotan en un tiempo suspendido. En el amarillo, un doble pensamiento nos visita.
Primero, las canciones y su vocación en este difícil paréntesis: viajamos en ellas, acentuamos las alegrías del nuevo cotidiano, bailamos, imaginamos, espantamos el miedo, o bien, lo transitamos como quien enciende una lámpara en la oscuridad. Después, pensamos en los artistas tras esas canciones.
El indie, que es el corazón de nuestro blog, asume su desamparo: la incertidumbre sobre el avance de los proyectos musicales, su rentabilidad ahora que no hay —y no sabemos cuándo habrá— conciertos, festivales. Escuchar, comprar y compartir las canciones de artistas indie son buenos comienzos.
Presentamos entonces nuestra Mínima esperanza, el vol. 29 de compilados en el amarillo, reuniendo en él 22 canciones en cuarentena, artistas iberoamericanos que se han atrevido a publicar nuevo material en estas semanas de extrañeza. Celebramos las nuevas canciones porque nos mantienen en movimiento, y porque nos dicen que aunque no existan los paraísos, ni los momentos adecuados, sí existe el futuro.
Curaduría ~ Will Balooni y Camilo Castaño
Ilustración ~ Camilo Castaño
Y Yo también miraba, yo adivinaba todo, pues bien, también me iba bien. Todo lo imaginé. Lido Pimienta ~Te quería
Lo oscuro ahora son estrellas, cuando, sé que te alejas. Ya es tarde para irte a buscar, a las tres te iba a buscar. Alodia~ Esas mañanas
I know love is a drug I know money is a drug I know sex can be a drug But I just wanna be touched.
El nuevo sencillo de los Wálters no podía llegar en un mejor momento. Víctimas del pesimismo causado por el encierro preventivo, o quizá como una premonición a lo que vivimos, los puertorriqueños se hacen acompañar del sacerdote del avant-garde isleño, Alegría Rampante, para entregarnos este nuevo capítulo del soundtrack del fin del mundo (como lo conocemos).
"¿Qué ciudad fantasma por ser habré de escoger?, ¿Cómo habrá de sonar el lamento de tu ciudad?", pregunta Eduardo Alegría como antesala sombría a un estallido de sintetizadores que se convierten en el fuerte de esta composición: "Pues no llorarán igual. Pero llorarán igual. Pero morirán igual." es la respuesta escueta de su contraparte walteriana, que entre la luminosidad y la cadencia de sus sintes nos hace olvidar el trasfondo de la macabra predicción: nuestras ciudades tarde o temprano serán lugares inhabitables.
Ante la desolación y la mínima esperanza nos quedamos con las notas upbeat de esta canción, ante nuestro eterno bailar y llorar, no nos queda más que aprovechar estos destellos de lucidez y enaltecerlos como los himnos de nuestros últimos largos días en nuestras futuras ciudades fantasma.
Una
historia de matices cercanos narrada en seis canciones, así es el más reciente
trabajo de la cantautora colombiana Ana
María Vahos, que desde un formato íntimo de guitarra y voz nos cuenta los
devenires de un Amor Profundo,
caminos trazados por la melancolía y la esperanza, y en el que se devela ese
eterno retorno en que muchos nos vemos reflejados.
Con Amor Profundo –EP que empieza a grabarse
en octubre de 2019– descubrimos la
voz suave y tranquila de Ana María Vahos.
Al instante, en la sincronía con su guitarra, Ana nos invita a revisar el
interior y comprobar cómo la música, una vez más, logra habitarnos.
Amor Profundo describe un ciclo que
termina donde empieza, o empieza donde termina.Sentimientos y canciones van cambiando, de atmósfera, de paisajes.
En Amor Profundo y Canción Enamorada (que cuenta con la
participación de Cristian Sánchez de
Margarita Siempre Viva, acompañando
en la trompeta) se entiende un estado casi de limerencia y esperanza, propios
de esos primeros días de enamoramiento. No
soy de callar se presenta como el intersticio entre las partes de la
historia y empieza la transición hacia las notas más melancólicas. Desengaño y No Tiene Nombre (Acompañando
en la guitarra Simón Ramírez de la Banda del Bisonte) traen una atmósfera
un tanto oscura y de resignación ante la catástrofe del amor, con notas que
recuerdan esas canciones desgarradas de Chavela
Vargas o los primeros álbumes de Bon
Iver.
Por ultimo tenemos El Viento, y
es realmente interesante ver como la melodía con la que termina la canción es
la misma con la que empieza el disco, como diciendo: “bueno, después de todo
sigo acá y un nuevo comienzo aguarda”, terminando con la frase que podría
resumir esta historia: “El viento que me llevó hasta vos, es el mismo viento
que de vos me alejó, el viento que me trajo hasta aquí, es el mismo viento que
me llevará y me llevará”.
Ana María Vahos presenta
Amor Profundo y nos recuerda lo
esencial, sin más ni menos, la belleza de la sencillez: voz y guitarra grabadas
en el mismo canal, para transmitir directamente los más hondos sentimientos y
abrirse camino en lo que esperamos sea un buen augurio para su música y para la
escena independiente colombiana.
Como un dragón es la encarnación de la Montra, el alias por el que sus fans reconocemos a Rita Indiana. Una descarga eléctrica que anuncia su anhelado retorno al panorama musical, después de unirnos a sus filas con el inmarcesible El Juidero (2010) y de regalarnos el canto anticorrupción,El Castigadoren 2017.
Este nuevo sencillo, con sus guitarras amenazantes y frases certeras, parece dirigido a la industria musical a la que juró no volver: "Pi pi, llegaron los camiones. A recoger la mierda que tú crees que son canciones", anuncia en el primer estribillo. En medio la escuchamos advirtiendo sobre su regreso a la escena, reclamando su corona y acortando la brecha que dejó en estos casi 9 años de inactividad musical.
Por su duración y el enfoque directo de su lírica, Como un dragón es la introducción a una nueva era en la carrera musical de la Montra, de esas canciones que servirá para abrir conciertos con la energía hasta el techo, y una declaración de principios de la que rescatamos una sentencia en particular: "Depué que abra la boca vamo a ve que queda". A la espera quedamos entonces de las nuevos misterios y de los poderes que desplegará Indiana en Mandinga Times.
Cuando la miss Colombia perdió su corona contra miss Filipinas, en aquel desliz de Steve Harvey, salieron a flote otras realidades de nuestro país. Entre esas, el nivel de indignación que el pueblo colombiano puede llegar a expresar en redes sociales, algo inconcebible con flagelos más apremiantes como el asesinato de líderes sociales o la explotación de bosques en el Amazonas. Y a pesar de ser un país etnicamente diverso, también afloró un racismo voraz hacia el presentador, nuevamente la indignación por las cosas banales fue mayor a la suma de todos los problemas de un país tercermundista y subdesarrollado.
Este episodio también sirvió de leitmotiv para el nuevo disco de Lido Pimienta. Algo bueno tenía que salir de todo eso. Como una sátira al sentimiento patriótico y al culto a la belleza, Pimienta firma este disco con el nombre de su país natal dándole un nuevo giro a su propuesta, que de por sí se caracteriza por su visceralidad y la autorefrencia.
Acompañada en la producción del canadiense Prince Nifty, Lido confecciona su mejor set de canciones a la fecha, once composiciones, entre interludios, colaboraciones y sorpresas, que dan luz de su genio creativo y la colocan al frente de la avanzada latinoamericana. Miss Colombia, no sólo es un trabajo luminoso y colorido que recoge sus inquietudes sobre el desamor, sus causas, sus orígenes y el folclore de la costa norte colombiana, sino que condensa armoniosamente las ansias de sus primeras composiciones (Humano, La Rata) con un sonido más pulcro y una mirada más sosegada, además del encuentro con nuevos colaboradores.
El álbum arranca con la primera cara de una composición para coros y metales titulada Para transcribir (SOL), un mantra de sanación que abre con una frase que versa sobre el juego entre la imagen pública y la violencia "Para transcribir pude adivinar, tuve que sentir ojos en tus balas". De ahí saltamos a la arriesgada Eso que tú haces, un reclamo a grito vivo que cabalga sobre percusiones, clarinetes y programaciones, una composición que equilibra la dualidad de Pimienta, los preciosos paisajes sonoros del caribe con la estridencia de sus pesares.
Sobre Nada, nos estábamos reservando para esta, la mejor canción del disco, y quizá la mejor de su repertorio. En principio la sentimos como una versión actualizada de La Rata, aquel canto enfadado del Color LP que nos mostraba su rabia ante un panorama político adverso. Después del florecimiento del movimiento feminista, Nada surge como un himno para esta colectividad, cual canto de resiliencia que entre sus matices puede ganar sentido para un público aún más amplio. La participación de Li Saumet hilando las frases de Pimienta hace evidente esta hermandad, las imágenes prestadas por su videoclip acentúan esta joya de dolor y resistencia.
Canciones luminosas como Te quería, con su cadenciosa base de cumbia, y la combativa Resisto y ya son la contraparte de registros más íntimos y crudos como Coming thru o la preciosa Quiero que me salves con el mítico Sexteto Tabalá de San Bacilio de Palenque. Y es aquí donde Lido comienza a ataviarse de sus trajes folclóricos. Seis minutos de pregones y respuestas, de un registro en vivo que se erige como un oasis de simpleza entre composiciones más elaboradas. En esta misma línea descubrimos Pelo cucu, un lamento contra la estigmatización del mal llamado "pelo malo", otro acercamiento directo y sin mediaciones electrónicas entre Lido y sus orígenes.
Hasta su cierre con Para trancribir (LUNA), Miss Colombia ya nos ha mostrado varias facetas de la intrépida Lido Pimienta, sin embargo, este no es un cierre cualquiera. Acá Lido crea una atmósfera propia, al mejor estilo de la Björk de Medúlla o una meditabunda Juana Molina, dando vía libre a su voz en estos minutos que nos arrullan, cual nana nos va dejando en paz momentáneamente. Ella ya logró su cometido, montó su propio reinado, se puso el atuendo adecuado, se colgó la corona y por 43 minutos nos hace olvidar las vergüenzas y nos devuelve la ambigua dignidad de ser colombianos.
Tras la destreza y la dulzura que, banjo en mano, supo entregarnos el mexicano Silva de Alegría con sus Fantasmas del año pasado, vuelve a emocionarnos en otro giro de tuerca, o mejor, en otro giro de cuerdas.
Coqueteando ahora con las guitarras eléctricas y una lejana psicodelia, Bilsom electrina es un himno a la incertidumbre. El universo entero se trenza y destrenza en el fluir de incomprensibles sucesos. "La vida, la muerte y el misterio de la felicidad", Silva nos hace testigos de su asombro. Y en un hermoso videoclip que nos recuerda a aquel Jöga de Björk, con imágenes satelitales capturadas de Google por Itziar Garaluce, cuya sensibilidad expone las geometrías de ambientes naturales y construcciones humanas, estadios, cuerpos de agua, cultivos y ciudades, en un refuerzo visual que acrecienta nuestra conmoción.
Y el lado B de este sencillo: la misma canción en formato acústico, como si de la grandilocuencia y el ruido pasáramos a la introspección y el sosiego. Silva sostiene un delicado equilibrio y nos da una nueva canción/razón para disfrutar del aislamiento.
Fin del mundo. El nombre que eligió la banda Alodia para nombrar su primer álbum será recordado por esta sensación de apocalipsis y la pandemia que ha suspendido el flujo normal de los acontecimientos. Hoy, cuando estrenan el precioso single Esas mañanas y estamos todos resguardados en nuestras casas, atentos a Internet y mirando por la ventana (si tenemos suerte de contar con una), entrevistamos vía WhatsApp a René, líder de la banda. Queremos conocer qué significa para Alodia este fin del mundo.
Desde el amarillo agradecemos mucho que nos hayan considerado para este estreno. La canción nos ha parecido increíble, como los singles anteriores, y el video es impecable, conocíamos el trabajo de Luciano Rubio y nos gusta un montón.
Creemos que las letras de Alodia se mueven entre la literalidad y la fuga poética, tienen imágenes precisas y a la vez historias más que abiertas a la interpretación. Quisiéramos empezar por descifrar el dato esencial de esta canción, su móvil.
Esas mañanas fue de las primeras canciones que hicimos en Alodia, creo que cada vez nos ponemos más abstractos. El tópico aquí es la niñez que termina, una película sirvió de base para la letra: “Stand by me”, que termina con esta frase: “Nunca voy a tener los amigos que tuve a los doce años”, o algo así.
Esta etapa pre-adolescente en que te arrojan al mundo, sales de la niñez y el reflejo es aferrarte a tus pares, empiezas a desprenderte de la familia que te sigue viendo como niño mientras muy adentro te transformas en persona. Ahí surgen amistades únicas, las más memorables. Esas mañanas está dirigida a un amigo de mi infancia y sí, podría pensarse que es una letra de amor romántico, que no está mal, pero surgió de otra etapa específica, imágenes de mi niñez en Santiago, viviendo en Estación Central, en la Calle Pajaritos.
En el video hay un desenlace muy emotivo con fotografías de la infancia, va directo al corazón. Surge entonces la palabra Nostalgia, que está impregnada hasta en el nombre de la banda, con su alusión a una locutora radial de antaño, ¿es la nostalgia el núcleo de la banda?
Creo que todos en la banda somos nostálgicos, la nostalgia es un punto de partida y las canciones una forma de curarnos, pintar el pasado de una forma más bonita. Hay en Alodia una búsqueda de belleza en la memoria, como esa frase Gabriel García Márquez: “La memoria del corazón elimina los malos recuerdos y magnifica los buenos”, por eso es tan común anhelar el pasado, aunque sepamos que si nos pusieran de nuevo en él, no sería todo perfecto.
¿Cómo se tejió la historia del videoclip, la traducción a estas imágenes que van por otro camino? ¿Cómo llegaron a una locación tan especial, con ese mural atmosférico y el contexto religioso en que se desarrolla?
Luciano Rubio, nuestro director, ha hecho muy buenos videos, mi favorito es Bacán tu casa de Gepe, con ese plano secuencia. Es un tipo muy profesional y gentil, le gustó la canción y quiso embarcarse en el proyecto.
Su trabajo en cuanto a guión fue individual, escuchó mucho la canción y llegó a esta interpretación. En un primer lugar pensamos en hacer una referencia directa a “Stand by me”, con niños, pero se nos hizo una imagen muy vista. Con Luciano llegamos a una idea más oscura, encontramos este lugar olvidado en Santiago, donde antes se hacían peleas de box y fue el espacio ideal para contar una historia de culto y fin de mundo.
¿Qué es el Fin del mundo?
Es el nombre de nuestro disco, y muchas cosas. Suena apocalíptico, más ahora, pero en nosotros representa un cambio: se acaba el mundo para uno cuando conoce a alguien que sacude todas las ideas, o cuando se mueve de lugar, cuando se cuestiona.
Seguro es este el fin del mundo como lo conocemos, pero esperamos que haya otra cosa. Este tiempo extraño de cuarentena, ¿cómo ha afectado a la banda, logística y emocionalmente? ¿Ha truncado el proceso del disco o su lanzamiento? Hemos visto que ya han hecho home sessions en Instagram, a pesar de la incertidumbre ¿creen que es un buen momento para publicar canciones?
Sí lo hemos pensado: todos en sus compus, escuchando música, viendo series, bueno, no todos, sino la gente que puede seguir trabajando y viviendo en esta tensa calma, es posible que se convierta en una oportunidad para captar la atención con lanzamientos.
Nadie sabe qué va a pasar, llevamos semanas, meses, y no hay una fecha precisa para salir al mundo. Estamos todos sorprendidos. Hemos aplazado el lanzamiento del disco pero hemos decidido estrenar singles, queremos muchísimo tocar, pero este tiempo obliga a replantear tantas cosas.
Lo importante ahora no es la música sino la salud: un gran cable a tierra. Cuando algo tan grave llega, suspendes todo, te preocupas de vivir el día a día, y de ser responsable. No tenemos planes muy claros, el disco está terminado pero lo primero será salir de este miedo.
Saltando del nihilismo en que nos tiene la pandemia, queremos saber de la búsqueda del sonido en Alodia. Sabemos que usan la etiqueta Dreampop, ¿así de clara es la apuesta? Nosotros no nos habíamos preocupado por definir el tipo de música que hacen, aunque Of Montreal y Beach House, de naturalezas tan distintas, fueron las primeras asociaciones que hicimos. Y no recordamos si lo pensamos antes o luego de saber que Tomás Preuss está en la producción, pero sí encontramos algo del sonido andino y de ese folk sofisticado de Prehistöricos. Todo se une en una amalgama interesante. Entonces ¿a qué suena Alodia?
Es graciosa nuestra etiqueta inmediata de dreampop, y empezó porque la pusimos en redes. En Instagram no podíamos usar solo @alodia ni @alodiamúsica y no íbamos a usar @alodia_2018, entonces Nicolás, el baterista, le añadió Dreampop y quedamos @alodia_dreampop (risas)
Justamente el Depression cherry de Beach House fue un gran referente en nuestra sonoridad, hizo parte de nuestra hoja de ruta. Aunque, afortunadamente, cuando te apoyas en bandas o estilos específicos, terminas en otra parte. Como dices, está presente otra influencia muy acústica, en el disco habrá acordeones y otros instrumentos como el vibráfono.
Tomás Preuss fue nuestro productor e hizo parte de la búsqueda del sonido de Alodia, nos dio mucha confianza y le tenemos un gran afecto. Para conocerlo empezamos por escuchar su música, así entendimos mejor sus códigos y claro, algo de su propuesta en Prehistöricos se filtró.
En Alodia hay hartos teclados, harta guitarra, instrumentos raros, una línea llamativa en la sonoridad. En un momento pensamos ser más electrónicos pero siempre aterrizábamos en un disco con instrumentos, decidimos no forzarnos a sonar moderno sino atemporal.
Y sobre la voz, ¿cuál es tu exploración? nos gusta su fragilidad.
En las canciones de Alodia hay pena, amor, ilusión y hasta desgarro. He querido traducir lo mejor posible esa emocionalidad y sacar lo bueno que puede tener una voz sencilla como la mía, el adorno es el sentimiento, buscar la conexión y cautivar a quien pueda cautivarse.
Ahora para despedir la entrevista y saludar a Esas mañanas, ¿qué información podrías darnos del disco? ¿Hay una fecha de lanzamiento? ¿Cuántas canciones incluirá? ¿Habrá algún featuring que puedas revelarnos? ¿Su portada será ilustrada como los sencillos?
(Risas) ¡No tenemos fecha! El disco tiene 10 canciones, hay bailables, hay tristes, hay completamente acústicas y otras de puro sampler.
Tendremos un featuring a Gonzalo Yañez, un músico uruguayo avecindado en Chile durante muchos años, ha trabajado con Pedropiedra y Jorge González. Un honor para nosotros, pues además de gran músico es una buena persona y le queremos mucho.
En todas las canciones aparece Christiane Drapela, quien fue mucho tiempo tecladista y corista de Gepe. En todas las canciones canta y en unas toca el acordeón.
Ella misma ha hecho el arte, todas las portadas son pinturas suyas y por supuesto ha hecho la portada del álbum. Es hermoso que así sea porque el disco nació junto a ella, vivimos juntos el proceso y sus imágenes nos representan a todos.
Próximos a lanzar un mixtape de
lados B y rarezas, Planeta No decide
publicar como primer tema promocional un cover de Para No Verte Más, aquella canción de los argentinos La Mosca Tsé-Tsé que se volvió infaltable
para cualquier emisora FM de pop latino durante el último tramo de los años 90.
Si bien los chilenos aseguran haber guardado largo tiempo este cover dentro de
sus experimentos más personales, su exposición actual se puede considerar
precisa e inclusive tragicómica considerando el aislamiento que nos toca vivir
en la rara actualidad.
Obviamente la palabra clave aquí
es “contexto”. Lo que en su momento era un himno de desahogo hacia el mal amor hoy
en día se desfigura en algunos de los momentos claves, tomando casi forma de
predicción de Nostradamus (“Cuando las
alas de tu avión se derritan sin razón / Y el cáncer de la soledad te haya
matado en la ciudad” o aquel “Y si
logras sobrevivir al refusilo de maldad / Preguntarás en dónde estás,
preguntarás qué te pasó”). Quizás sin querer, Planeta No ha abierto varias capas de nostalgia con este cover, lo
cual le otorga un mayor valor.
Hablando de nostalgias, el sonido
en la canción nos trae de vuelta las formas que la banda utilizó en el EP Matucana (2014) o algunos momentos del
disco debut Odio (2015), una mezcla
de synth-pop retro y pop sensible que, de haber continuado
como un movimiento, bien pudo haber sido la respuesta latina y evolución del city pop japonés.
Un doble misterio. En su versión de De cara a la pared la honda voz de Carmen Ruiz se extiende como un manto. En este espléndido tributo a Lhasa de Sela, (una de las figuras que más ha influido en su propia obra) confirmamos en Carmen un talento de otro tiempo, hipnótico y glamuroso, que pugna por habitar la contemporaneidad.
A lo largo de estos meses, Carmen Ruiz ha publicado tres entregas en formato acústico con canciones de su álbum debut, el oscuro y seductor Blanquinegro (2019) y algunos covers como el que aquí nos convoca.
La acompaña en este registro un grupo de mujeres tocando cada instrumento, Amalinalli Pichardo al arpa (la columna vertebral de esta versión) y destacamos la presencia de Mabe Fratti al chelo, otra artista muy especial que en 2019 estrenaría también su álbum debut, Pies sobre la tierra.
Recomendamos pues, sumergirse en las canciones de Carmen Ruiz, reconocer en ella dos vertientes: una acústica y otra electrónica, deslumbrarse para luego preguntar, como nosotros, ¿cuál será su próximo paso? (Caprichosamente pediríamos la exploración de esa inquietud electrónica).
Tiempo atrás, cuando reseñábamos tardíamente el EP Posición (2018) de la argentina Carolina Zac, dijimos que en sus canciones casi podíamos percibir la presencia de Francisca Villela (a.k.a. PANXI), una de nuestras indóciles figuras favoritas en el indie chileno.
¡Y quién lo diría! aquella reseña fue el combustible para que entre ambas artistas floreciera la idea de hacer una canción. Así nos lo contó la misma Carolina.
Aparece es pues una promesa cumplida. Conservando la dulzura que supo enamorarnos en su EP, Carolina abraza ahora un pop más luminoso y de su mano nos aproximamos a la pista de baile.
Esta vez, el espíritu lo-fi se ha vestido de gala. En una cuidadosa producción, el metal pulido entrega todo su brillo y coloca a Carolina Zac en la vanguardia del electropop manufacturado al sur de nuestro continente.
Su letra traduce también esta metamorfosis, "si algo ya no es más lo que pensaba, puede en un segundo ser, o no", cambiamos de posición, dejamos un lugar, para que otra imagen aparezca, se nos revele.
Aparece es nuestra canción de la semana (y desde ya una estrella del 2020) porque reúne nostalgia y futuro. Habita en ella el encanto de proyectos fugaces como Prissa o Samanta (ambos liderados por la gran Francisca) pero nos ofrece también una mirada moderna, en su sofisticación confirmamos la inextinguible fuerza creadora de la hoy PANXI y reconocemos en Carolina Zac, la frescura y el ímpetu de una figura pop en ascenso. Esperamos ansiosos un primer larga duración este año, y pronosticamos en él una lluvia de hits. Acertaremos.
Pop adolescente y postapocalítico desde Santiago de Chile.
Con el ímpetu y la insolencia de la juventud, que ya hemos conocido en bandas chilenas como Planeta No o Playa Gótica (y que de una u otra forma se han desvanecido tan pronto), Poder fantasma, el proyecto liderado por Francisco Heredia, ofrece un hit ansioso que bebe en la misma medida del pop japonés y de Los Prisioneros.
Inspirada en el Chile de los últimos meses, en su conmoción y el grito joven, Obedecer se extiende a las semanas recientes, donde otra amenaza ha frenado en seco planes y eventos. Canciones como esta son el antídoto al aburrimiento, pequeñas desobediencias como apagar televisores o noticieros, para leer un libro o bien, volver a bailar en la cama mientras espantamos las moscas de la incertidumbre.
¿Qué vendrá? Poder Fantasma ha decretado la revolución interior y aunque parezcan disfrutar la idea de un fin de mundo, para su espíritu creativo más vale que haya futuro.
La tercera instalación del dúo mexicano Sundarbans es el despegue cósmico que esperábamos después de cautivarnos con sus anteriores sencillos.
Esta vez quien comanda el viaje sonoro es Sergio Silva (Silva de alegría) quien a fuerza de distorsiones vocales se escucha como la grabación de un astronauta a su amad@, un vocoder que nos recuerda los buenos tiempos de La Casa azul, o a los siempre geniales Hidrogenesse.
Así las cosas, se ha hecho visible el hilo conductor de las composiciones de este dúo. Como constructores de melodías evocadoras, sus canciones nos embarcan en viajes temporales y espaciales, llegando a este tercer encuentro donde la melodía decididamente uptempo nos lleva en un paseo rítmico estable y futurista.
Es inevitable hacernos imágenes cristalinas oyendo esta composición de sintetizadores, ahora los músicos son capitanes de una nave espacial presionando los botones adecuados para mantener la trayectoria. Un conjuro musical que da lugar a una melancolía jovial, una bella carta de amor que resulta ser también un viaje espacial inigualable y una melodía para la posteridad, todo en uno.
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