Guille Milkyway A.K.A. La Casa Azul es noticia por estos días luego de anunciar un nuevo disco que re-aviva su discografía después de 5 años sin editar un larga-duración. Lo último que le escuchamos fue La Polinesia Meridional del 2011, del cual se desprendía la apoteósica Todas tus amigas, que resuena con igual claridad hasta el día de hoy.
Ayer nos anunciaba disco y hoy nos regala su nuevo single, este Podría Ser Peor que continúa sus ejercicios de composición de pop descarado. "Porque ya no nos amábamos como amábamos entonces" lo escuchamos anunciar en el grueso de esta bomba electropop como vestigios de una relación moribunda.
Al salto pueden escuchar la canción y siguiendo las instrucciones se pueden hacer con el emepetres en la web del sello Elefant. La gran esfera, el nuevo disco de La Casa Azul podría sorprendernos en noviembre de este mismo año.
Después del pelotazo de Fuego, los chilenos de Playa Gótica regresan con un track alienígena hyper-movido y eufórico. Este Extraños Visitantes es el tercer single oficial de la nobel banda que se perfila como un acto a seguir en la floreciente escena del pop chileno.
Con Milton Mahan de Dënver en producción, Extraños Visitantes ratifica el imaginario de filmes de horror que el grupo exploraba en su anterior sencillo. Una fiesta con personajes pre-fabricados que coaccionan el baile de nuestra protagonista, es el escenario para este thriller con ganchos certeros en esos: "Mi estado físico-mental, no te deja bailar, no me deja bailar" que coronan la canción al final como motivo terrenal para escenas de ciencia ficción cyber-pop.
Ruidas es un power trío de la Plata, Argentina, que encuentra adeptos entre los seguidores del rock independiente del cono sur. Su primer EP homónimo fue liberado esta semana y suena muy legal, emociona escuchar como se perpetúa la formación básica de batería, bajo y guitarra en canciones que te enganchan al instante.
Los conocedores, encontrarán muchas referencias o espejos contemporáneos en estos sonidos. A momentos las palabras precisas me llevan a los segmentos más luminosos de proyectos como 107 Faunos, Los Rusos Hijos de Puta, Kill All Hipsters o (los desaparecidos) Los Galgos, toda una avanzada de pop-rock rítmico sobrado en actitud. Para los que no conocen, basta entrarle al ritmo para pegarse.
Vitro Hache, Min H. Felt y Niña Niño (A.K.A Andrea Guzmán de Chico Unicornio) son los alias que conforman Ruidas, un nombre que parece porvenir del género de sus integrantes y de esas ganas de sonar a como de lugar: "no vengas con mierda que yo quiero mar, ya absorbí lo oscuro y lo hice ruido", canta Vitro Hache en la mejor canción del EP, la liberadora y enérgica UUU, con ese momento final que corona la presentación del grupo gracias a una ligera transformación fonética cual mensaje subliminal, ellas absorbieron lo oscuro y se hicieron Ruidas.
El resto del material viene en forma de critica al régimen neo-liberal en Mentiras del libre mercado, producida por Luis "Fara" Dominguez de Quiero Club, en la que se enumeran estrellas de Hollywood como perpetradores de las falacias que nos vende la televisión. La canción de cierre, Explota, es una bonita carta de despedida para su debut. En sus letras finales intuimos una esperanza que surge del reconocimiento de su potencial y que podemos replicar a nuestro antojo como un gancho para subir la auto-estima (¡venga, que a veces hace falta!): "Todo el tiempo maquina a nuestro favor / Y no existe / lo nuestro es lo mejor / Días de alegría llegan nuevos / con nuestra salida".
Como un presagio, un soplo de aire fresco, Ruidas se abre con este EP como una respuesta modesta y esperanzadora a los que se preguntaban por las nuevas luminarias de la escena argentina, como ellas mismas lo predican en su canciones, esto "Se abre y elimina, lo que contamina se va, se quema con lo nuevo, lo bueno nuevo".
El EP debut de la española Gisela Fulla-Silvestre A.K.A. Noia, es la suma de sus inquietudes e idiosincrasias como productora, en él, alterna rangos que van desde lo etéreo a lo rudo y experimental en construcciones que retan la reglas del norm-core, guardando especial cuidado por el ritmo, las atmósferas y las emociones que sus palabras puedan generar en el oyente.
Gisela es graduada de Berklee en Música para Cine y Diseño Sonoro, por lo tanto no es de sorprendernos que Habits esté armado de cuatro canciones robustas que cumplen a cabalidad su función de soundtracks de momentos habituales que se transforman en experiencias únicas con el pasar de los segundos.
Esta experiencia arranca con Carl Sagan vs. Zeus, una pieza oscura y caprichosa que la emparenta con las canciones confesionales de Empress Of o la época Homogenic de Björk. Basta sentir las corrientes eléctricas que se deslizan en la pista para entender este choque de mundos que se condensa en 3 minutos envolventes. La música de Noia resalta por esa característica peculiar, parte de lugares poco comunes pero en algún punto el oyente descifra el acertijo para quedarse con la esencia.
Es el caso de Nostalgia del Futuro y Love Hack, los primeros sencillos del EP que fueron apareciendo en la red, y que nos clavaron por completo con la propuesta de Fulla-Silvestre. La primera se convierte en un motivo por sí sola, una suerte de porcelana electrónica, techno meticuloso que te conecta al instante, sólo con caer en sus frases fatalistas y en sus visiones veraniegas con tintes de antaño: “Se quema la tarde, verano, afuera / Nostalgia del futuro, como único Lugar”.
En Love Hack nos enfrentamos a dos momentos, una introducción sutil e inquietante que desemboca en una emotiva explosión de ritmos que nos muestra destellos de una desesperación violenta pero pacifica en el fondo, como su final que representa ese momento indescriptible en el que amaina la tormenta.
Habits alterna canciones en español e inglés y ambas suenan naturales al oído. El turno de cerrar este EP introductorio se lo ganó Itaca Tropical, la segunda canción en castellano, decididamente más bailable y accesible, pero no por menos arriesgada. Noia la describe como: “(ella) tratando de ser Jai Paul, escribiendo música para anime en una isla del caribe”. El músico peruano Mirko Lupis se le une en el intro de bajo eléctrico generando una vibra de cumbia y afro-beat que nos transporta al instante a los magníficos atardeceres de la Línea del Ecuador.
Aquí la escuchamos entonar una nueva apología a la incertidumbre: “Se aleja la orilla, se acerca el futuro, que si las ansias, que si el humo, no es más que un limbo”, un motivo que se repite para redondear una entrega musical reveladora, mientras nos quedamos con ganas de más y nos regocijamos en nuestras angustias cotidianas con un poco de ritmo y una visión sublime del porvenir.
Chico Unicornio sigue imparable. Después de presentarnos su aporte para Adolescente Perpetuo (Disco tributo a Esquemas Juveniles de Javiera Mena), por estos días nos comparte varios singles y un EP titulado Fin de Semana, producto de su sesión para el Converse Rubber Tracks que grabó el año pasado junto a la inigualable Chica Uninornio, Andrea Guzmán, en la batería.
Un poco en la onda de los White Stripes y con un aire indiscutible al indie argentino (país en el que residió en 2015), Chico se tira una nueva línea descomplicada sobre las noches poco productivas que inundan la existencia de los descubrimientos adolescentes:
"Es una noche planetaria
es una noche narcotizada
es una noche que no volverá
es una noche que recordarás."
Este es un breve ejercicio que nos recuerda la importancia del tiempo perdido en viajes interestelares, mientras pasa como un fugaz suspiro ambientado con guitarras rítmicas y una batería al juego. Si les late esta rolita, no duden prestarle oído al EP completo, que viene siendo, quizá, el trabajo más compacto y rockanrolero del peruano.
Durante su paso por Bogotá, el pasado mes, tuvimos la chance de encontrarnos con Diosque justo antes de su primera presentación en Colombia. Mezclando la certeza de un futbolista y el filo de un connaiseur, nos compartió varios detalles de sus proyectos, sus colaboraciones, y sobre los genios que han marcado su carrera. Vale añadir que la música de fondo durante la entrevista distaba mucho del cancionero habitual del argentino, más bien era una colección de pop-poco-genial con luminarias como Alicia Keys, Black Eyed Peas y Gwen Stefani, todo un playlist que seguramente Diosque desconocía por completo pero que marcaba el ritmo de esta conversación amena.
(Suena Falling de Alicia Keys)
Es tu primera vez en Colombia. ¿Cómo se siente esto de salir de la Argentina para hace una gira de este tipo, en la que visitas tres países de Latinoamérica?
Diosque: Es la primera vez que llegamos acá. Al día siguiente iremos a Ecuador, después por segunda vez en México. Me entusiasma mucho, es muy inspirador viajar y también concentrarme en mi música, en conocer gente y tratar de tallar esta piedra que recién empezamos.
En una de tus canciones te autodenominas como un “Bicho de Culto”, lo cual nos parece muy acertado. ¿Cómo se siente que ya te empiecen a considerar de esta manera?
La verdad todo eso se va dando, no pienso mucho en eso, simplemente deseo sentir respeto, principalmente de colegas y después de la gente. para mí eso es trascender. Yo cuando empecé me preguntaba: ¿Cuándo va a ser el día que no vengan a verme músicos? (risas) no enojado, pero eran todos músicos o amigos, entonces el día que vos ves gente que ya no conocés, cuando ves al público, ahí sentís que das un paso más, y cuando la gente comienza a darle valor a tu música, ahí es cuando la cosa comienza a prenderse.
(Suena Don’t lie de Black Eyed Peas)
Eso se está notando en tus recitales en Argentina…
Sí, en Argentina está pasando eso, tocamos en lugares un poco más grandes, la gente canta las canciones y eso es algo increíble para mí, es un momento mágico. Aunque sean 4 coros o 60 es una locura. Me quebró hasta el llanto la primera vez que me sucedió.
¿Cómo se dio esa transición? pues comenzaste siendo un músico de habitación y luego te fuiste abriendo a lugares más amplios, ese éxito ha venido con la edad...
Como dice Alfio Basile el D.T. argentino:“paso a paso”. En realidad yo todo el tiempo trabajo haciendo temas, grabando, haciendo demos, desde hace años, desde que tengo uso de razón. A los 10 años mi mamá me regaló la guitarra, se estaban separando mis viejos y yo me quedé medio tartamudo (risas), y a través de eso me empecé a expresar, inventando los acordes, solamente mirando por ahí en la tele, o algún tío mío que tiraba algo y a partir de eso empezar a hacer mis primeras composiciones. Hasta que descubrí el sampler y empecé a escuchar un tema que me fascinaba, sampleaba una partecita y de ahí ya le empezaba a poner letra, que eso es un pocoI Can Cion, y desde ahí, a tocar un poco mejor la guitarra, la batería también, un poco de cada cosa, y bueno, ahora buscando tener buenos anteojos negros y seguir escribiendo.
Siguiendo con la idea del paso a paso, nos dimos cuenta que con Constante la rompiste, encontrarte el himno (Broncedado, Una Naranja) queremos saber si en la construcción tú te diste cuenta que “lo habías logrado, hacer una melodía pop, una canción que se pudiera corear. ¿Tú sabías que eso iba a pasar o seguiste con la misma naturalidad?
Yo estaba muy…
Ambicioso…
Ambicioso soy seguramente, pero yo sabía que estaba bueno el disco, no sólo por las canciones sino por con quien lo trabajé, por Jean Deon, por Marcos y por Rodrigo de Quemasucabeza. Gracias a que este último lo editó, lo desarrolló más en Latinoamérica o donde fuere y eso fue un trabajo en conjunto. Pero si me preguntas concretamente, sí, hice Fuego, Soy las seis, La cura también me gusta mucho, son un combo de temas muy buenos para mí, entonces yo me quedé muy tranquilo, y haber tenido esa respuesta del público es hermoso, es lo máximo que te puede pasar como artista.
(Suena Rich Girl de Gwen Stefani)
Ahora que hiciste la colaboración con Julieta y Molly Nilsson, ¿Cómo crees que va a sonar el próximo disco, ya lo estás craneando?
Yo creo que va a ser una especie de paso a partir de Constante, sumando unas baterías acústicas que lo haría un poco más roquero. Influye mucho el hecho que estoy trabajando por primera vez en un estudio de grabación, con una batería y micrófono re-grosos (el disco anterior lo hicimos en un estudio muy bueno, pero acotado), así que aprovechamos que son muy generosos en este estudio (Spector) con los sintetizadores, con el piano, la batería. Creo que va a tener un poco de rock y pop, y de cosas medio raritas, no lo sé, no lo puedo evitar viste, primero quiero hacer todo medio clásico para después romperlo en la computadora.
Sobre eso nos gustaría saber, ¿Cómo surgió ese contacto con Julieta para que dijeran: "vamos a hacer algo"?
¡Fue buenísimo! Ella comenzó a recomendar Constante a través de twitter, yo veo eso y digo -"¿qué?", entonces ¿Qué podía hacer? saludarla, y agradecerle. Así que hablamos un poco, quedamos en contacto y después yo tuve el atrevimiento de mostrarle Toca Mis Huesos que la había compuesto onda a los dos días de que empezáramos a hablar y se le mandé (me daba vergüenza porque no estaba del todo bien hecha), y le gustó mucho y me dijo: "¿Qué quieres que le hagamos?... a las dos semanas vino a Buenos Aires por dos días. Al principio fue difícil coordinarnos, ella estaba muy ocupada y yo en un momento llegué a pensar, tirado en la cama: “como se me ocurre a mí que Julieta Venegas va a grabar una canción mía”. Al final ella se iba un domingo en la tarde y lo hicimos en un rato en la mañana.
(Suena The Sweet Escape de Gwen Stefani)
El mayor logro de la canción es escuchar a Julieta Venegas con una letra de Diosque, es como una canción de amor enrevesada. Y ¿con Molly, cómo fue?
Ella va a Baires a cada rato. El primer año que fue nos conocimos por amigos en común, incluso hicimos una fecha doble en un lugar muy chiquito (que la tuvimos que hacer dos veces).
Porque ella también es un bicho de culto...
Sí, ella lleva mucha gente en Buenos Aires. Después nos vimos en México y seguimos la amistad, y justo cuando pasó lo de Julieta, ella estaba en Buenos Aires y le digo: "Te animás a cantar en español", porque me sorprendió la velocidad con la que aprendió el español (yo todavía no puedo hablar inglés), así que le mandé la canción original porque es un cover de Los Twist, una banda legendaria de los ochentas, ella estuvo de acuerdo y justo coincidió con la época en la que dijimos vamos a sacar un sencillo con las dos chicas y mirá lo que son, son hermosas.
No sabía que era un cover, pero la letra es muy Diosque.
Sí, cuando la escuché por primera vez te juro que me volví loco, no fue hace mucho, y dije este tema me lo meto al bolsillo, por ahí debería esconder que es un cover.
Para nosotros el “genio” es aquel que dice y hace las cosas en el momento adecuado utilizando los recursos de los que dispone para salir con algo realmente propio, en tu caso sentimos qué haces este trabajo de genio, por ser un bicho de culto, quizá. ¿Cuáles han sido los genios que te prendieron la chispa de la música?
(Suena Umbrella de Rihanna )
¡Gracias! Yo no podría decir eso de mí, pero tengo referentes invaluables como Charly García que es el más grande del rock nacional, de lejos.
¿Y Charly conoce tu música?
No sé, ojalá. Sé que su guitarrista sí. Sería un sueño producir algo con él. Por otro lado, Luis Alberto Espineta, Tanguito o Ramsés VII, un joven que nunca sacó un disco en vida, es del 65 al 67, de la primera camada del rock argentino, que tiene que ver con Los Gatos, Lito Nevia, algo así como los Beatles en castellano. Tanguito estaba allí, pero él murió muy joven, creo que a los 27, era una persona muy poli-tóxica. Después, muchos poetas, el portugués Pessoa (les pido que después le entren) el alemán Friedrich Holderlin, esos son los genios míos referentes, tantos norteamericanos, ingleses, hay muchos, todo el tiempo nacen genios, no es que genios eran los de antes...
No, hay genios contemporáneos…
Yo creo que a Sócrates le hubieran venido bien unos anteojos negros.
RE-visitar / RE-cordar / RE-comendar / con esta sección buscamos revivir canciones perdidas en un mar de lanzamientos musicales, imperativos atemporales para entender nuestro fatídico presente.
Hace menos de un mes estaba al borde de las lágrimas escuchando a Porter en vivo en el Festival Hermoso Ruido, y no lo hacía porque fuese el fan número uno de la banda mexicana, sino por el poderoso mensaje de su último disco, Moctezuma, un álbum conceptual que revive los fantasmas de la colonización española con un aura propio del alt-rock.
Ya antes se me habían puesto los pelos de punta al escuchar Murciélago, canción que abre el disco y que narra la travesía de un aborigen que llega por casualidad a la costa donde divisa a las tres naves españolas. Cansado y adolorido se convierte en el primer testigo de un futuro horroroso: "no vienen en paz / se oyen gritos / hay tres naves / traen a cristo", mientras contempla la vorágine que se avecina recuerda que los sabios habían predicho este acontecimiento y se anima a pedirle ayuda a los dioses para emprender su camino de regreso y alertar a su gente: "Salgan al mar les suplico".
Así que el hecho de estar congregado con seguidores de la banda, haciendo parte de una multitud que coreaba igual que yo, terminó generando la empatía suficiente para imaginarme en la piel de nuestros antepasados que fueron aniquilados por los conquistadores.
Hoy, en pleno siglo XXI, esta fecha no debe ser una excusa para conmemorar el descubrimiento de América, sino para enseñarle a las futuras generaciones que estos territorios ya tenían dueños y que fueron saqueados con violencia y alevosía, y que ya no importa lo que haya pasado, estamos aquí para recordar, reflexionar como herederos de una cultura riquísima y para rendirle tributo a los que desaparecieron durante la Colonia, dejar de perpetuar este flagelo y aprender a ponernos en el lugar del otro para crecer como sociedad.
Con su segundo disco a la vuelta de la esquina, el muy anticipado La Papessa, Lido Pimienta ha tomado sus propias concesiones y riesgos auto-editando el material que parece no encajar en el catálogo de los sellos del mundo.
En estos momentos Lido se encuentra en Chile dando vida a su tercer disco (sí, así como leen) y mientras, nos presenta la versión final de La Capacidad, un adelanto de su nuevo disco que se ha convertido al instante en nuestra obsesión de la semana.
La Capacidad atañe directamente los roles de la mujer en el mundo contemporáneo. Primero como amante frente a su contra-parte eminentemente masculina, hablando de la capacidad de este para conmoverla y atraparla en un sentimiento universal. Pero pronto se va tejiendo el camino hacia un mensaje ulterior: "Tú, tú eres el hombre y yo soy la mujer / pero eso no quiere decir, que mi vida sucede por ti". Ese punto de quiebre en el que Lido nos recuerda que dentro de cada uno de nosotros está la posibilidad de ser felices y realizarnos sin el sesgo de la compañía ideal. Hablando de auto-realización, poniendo fin a la hetero-normatividad y a los roles arcaicos que se le han impuesto a la mujer (la cocinera, la madre), Lido ha configurado una verdadera declaración de principios que la emparenta directamente con su papel de predicadora de un nuevo orden, esa Papessa que tanto anticipa la podemos palpar y adorar en estos 4 minutos de producción encantadora (palmadas, sinthes etéreos, percusiones místicas y las capas de voces de sus acompañantes Las Acevedo y la también colombiana Diana Pereira). Un sí rotundo.
Cinco años desde que el diario español El País bautizara a Chile como el paraíso del pop, en este reino que renueva a sus monarcas, Planeta no es una banda de príncipes malditos. Música pop desde los márgenes, aislada no solo en el sesgo de la música independiente o la cordillera de Los Andes sino en sus himnos a una juventud marginada, que hace de la incesante búsqueda y el no pertenecer, una condición política.
Su presentación en Yavería, el festival de apoyo mutuo celebrado en Bogotá, nos ha permitido conversar con Gonzalo García (voz) y Juan Pablo Garín (batería), y retratarles dentro y fuera del escenario.
¿Planeta no? Estaría bien comenzar descifrando su nombre.
Gonzalo: Es una especie de homenaje a la primera película de James Bond y su villano, el Doctor No, un tipo que vivía en Jamaica y era ucraniano, creo, representando el tercer y el segundo mundo, cualquier cosa menos Estados Unidos, y era malo por ser malo no má’, representaba la otredad. Nosotros nos sentimos como esa otredad, tercermundistas tomando herramientas que nos impuso el primer mundo, el pop, los instrumentos occidentales para hacer música.
Desde aquí, Chile se adivina como una importante fuente de música independiente, palpable en generaciones artistas y discos. Ustedes podrían pertenecer a una nueva alineación cercana a bandas como Marineros o Playa Gótica. ¿Perciben así su escena musical? ¿Hay ya un camino labrado que hace posible vivir de la música?
Gonzalo: Hay cosas fáciles y buenas: un público receptivo que va a las tocatas, con fe en las bandas nuevas gracias al trabajo que han hecho otras antes, Dënver hacia atrás, como para hacer una línea divisoria. Sin embargo sería agrandar o tomarse muy en serio un fenómeno tan reciente y desconocer que nos enfrentamos a problemas más profundos: la sociedad no consume música y no educa artistas. Eso no sanará con una, dos o diez Javieras Menas, sino con un cambio social.
Juan Pablo: No deja de ser interesante que sean países fuera de Chile los que han puesto nombre a cierto movimiento, porque estando cerca del fenómeno no nos consideramos una escena de nuevo pop chileno. Cada vez que viajamos nos refieren en una generación de artistas como Javiera Mena o Gepe que llevan años luz, bueno, diez más que nosotros. Ahora mismo en Chile se está armando una escena musical en la periferia de Santiago, a eso le llamaría algo nuevo, distinto, las tocatas son en otros lugares.
Hablando de su preocupación por un cambio social, en las letras de Planeta No se adivina la angustia por el futuro, la narración del paso a la adultez y también un pozo político, por así decirlo. ¿Hasta qué punto quisieran contener este mensaje?
Juan Pablo: Las letras del disco fueron hechas durante años por Gonzalo, contando vivencias y preguntas que uno tenía a los veinte, y aunque yo ya tenga veinticinco, esas letras aún me representan, me molestan las mismas cosas que cuando tenía quince, quizá aún más, y ahora tengo herramientas para decirlo. No sé si quisiera tomar una posición política en la banda pero si se puede decir algo que no sea solo cantarle al amor, pucha, bienvenido sea.
Gonzalo: La banda ni las canciones tienen una vocación política proselitista, no tienen proyecto, no tienen ideología pero tienen vida y la vida tiene posición política, entonces si hay algo político-social o político-personal en las letras es porque se fue tornando así nuestra vida y aunque no queramos, la banda tendrá otras posiciones, porque la vida cambia y se hace espontáneo.
Dicen que toda canción es política.
Gonzalo: Cualquier producción cultural tiene un resultado político, las mismas escenas de las que renegamos, son manifestaciones sociales que hacen pequeñas victorias políticas, dentro del ámbito del ocio, de lo personal.
El festival Yavería lleva varias ediciones y existe gracias al apoyo mutuo. ¿Cómo se tejió la participación de Planeta No?
Juan Pablo: Nosotros estuvimos presentándonos en el Primavera Sound, España, y teníamos un show aparte en Barcelona y Santiago, el organizador de Yavería, andaba entre el público, se acercó y nos dijo que le gustó la banda. Es como esa historia de película que uno cree que nunca pasa, pero aquí pasó.
El cazatalentos.
Juan Pablo: (Risas) Sí, un productor de un festival que nos habló de venir a Colombia, a un festival distinto, nos dijo que no tenía mucho dinero para traernos, que era de apoyo mutuo, y eso nos convenció.
Gonzalo: Porque decir Planeta no es un sinónimo de apoyo mutuo, nosotros vivimos en esas.
Juan Pablo: Entonces partiendo de esta oportunidad en Colombia, postulamos a un fondo en Chile, nos lo ganamos e hicimos este viaje más ambicioso, pasando por México y Costa Rica.
Qué bueno, porque supimos que su gira en España finalmente no tuvo apoyo gubernamental, ¿Cómo fue la experiencia de valerse por cuenta propia?
Juan Pablo: Fue bacán porque cuando dijimos que no teníamos plata y no podríamos ir, mucha gente nos apoyó, amigos músicos, productores, nos ayudaron a hacer dos conciertos para juntar plata y viajar. Aprendimos de un país muy distinto, del otro que es distinto: el hombre blanco europeo y había cosas buenas y malas según nuestro prisma latinoamericano. Además estar en el Primavera Sound que es gigante, seguro servirá para nuestro currículo, más que nada.
Hace unos meses, Gonzalo manifestó en Facebook su incomodidad frente a la actitud de algunos fans en sus presentaciones, con acercamientos que rozaban el acoso, como robar la flor que usa en la oreja. ¿Qué ha sucedido tras el comentario?
Gonzalo: En Chile han sido más respetuosos, nosotros no vamos con la idolatría en la música, y los que van a nuestras tocatas saben que estamos en las de otros músicos, ahí mismo, así que no tiene mucho sentido acercarse a nosotros con esa idea corporativa tipo Rolling Stones de ver estrellas del rock, eso aquí nunca fue, no tiene relación con nuestra sociedad.
Juan Pablo: Al final, uno tiene que educar a su público de alguna manera.
Gonzalo: Es una relación, con una persona que escucha tu música se establece un lazo que hay que cuidar para que no se transforme en una reproducción de sistemas antiguos, casas discográficas y dioses capitalistas.
Juan Pablo: Yo soy el que más manejo las redes, intentamos bajar todo a la realidad de una banda, que sí, tocamos en el Lollapalooza, pero en el día a día no tenemos plata, buscamos trabajo.
Gonzalo: Por suerte no tenemos que fingir humildad porque no es que tengamos mucho más allá de tocar.
Una pregunta un tanto caprichosa: nuestra canción favorita es Maricón Zara, ¿existe una anécdota alrededor de su nombre? ¿Por qué el intro anime?
Gonzalo: Es un fragmento del primer capitulo de Ranma 1/2 , ya desde la canción Señorita quise poner anime, algo de Sailor Moon, pero no resultó. Esta vez sí, quizá porque fue la única canción del disco en que nos sentimos libres, la producción no corría por cuenta nuestra sino de Lego Mustache, de Astro, y yo pude hacer cosas más creativas porque otro loco se estaba encargando de ellas.
Se llama así por un amigo homosexual que decía a cada rato “Uy, maricón Zara”, eso me causaba mucha risa y lo ocupé para retratar a mi manera una historia que me pegó, como a todo el mundo en Chile, el crimen de Daniel Zamudio, la canción es un intento, y un atrevimiento, de hablar de él en primera persona.
Y una pregunta un tanto obvia: ¿Qué disco que ha influenciado a cada uno, no solo en la obra de Planeta no sino en la decisión de hacer música?
Juan Pablo: El disco que a los tres nos ha influido mucho y al que recurrimos para copiar ciertas cosas es el segundo álbum de Dënver, Música, Gramática, Gimnasia.
Gonzalo: ¡Yo iba a decir el mismo!
¡También es uno de los más adorados en el amarillo!
Juan Pablo: (risas) Ha sido un disco esencial, llegamos a él cuando ni siquiera hacíamos la transición de banda de garaje a este paso pop, medio bailable, conociendo los sintetizadores. Un disco muy querido y una banda muy cercana.
Hace unas semanas nos encontramos con Celine Reymond, la mente maestra detrás de Kali Mutsa, y con Imaabs, su compañero de ruta, en la Plaza del Parque de los Periodistas, cerca a los cerros del centro de Bogotá. Nos esperaba una charla amena y una sesión de fotos descubriendo los alrededores del Museo del Oro y las ventas callejeras de la Séptima. Con mango en mano, Kali comenzó su relato incluso antes de que lanzáramos la primera pregunta explicándonos como se dio la vinculación de Imaabs al proyecto y como acopla sus nuevas canciones con el repertorio que le conocemos desde el 2011. El resto, hace parte de la magia de descubrir a un personaje elocuente y lleno de referencias que te atrapa con cada relato y cada ocurrencia.
Kali: Quería hacer algo más propio, que tuviera más atmósferas. Él hizo una cohesión del show para que tuviera todo un sentido y fuera más dinámico, con sampleos, beats y sonidos distintos.
A canciones como Tunupa, Canción de amor Colla, les hemos hecho arreglos para que tengan que ver con las nuevas. Yo sigo en mi búsqueda no sé si algún día voy a encontrar mi sonido o si me interesa encontrar un sonido en particular, pero sí me interesa explorar po’, igual que a Cristóbal que también sigue en esa búsqueda como Imaabs.
Recién hicimos un EP de 4 temas, aún sin editar. Es algo muy distinto a Kali Mutsa que se parece más a un reggaetón oscuro, con coros polifónicos y mucha atmósfera. Va a estar muy bonito.
¿Cómo surgió entonces este nuevo disco?
El cine es una referencia muy grande para hacer música. En Mesmer me basé mucho en el cine de los años 50 de Busby Berkeley, Carmen Miranda y las grandes orquestas que tenían un imaginario de lo que era lo exótico. Además, yo quería que el disco tuviera una cosa medio trance, porque se trataba de Mesmer, el padre del mesmerismo, del hipnotismo, de las primeras investigaciones sobre el papel del alma en las enfermedades físicas.
Además, recién en este disco pude hacer canciones de amor, eso nunca me había resultado. El Ojo Interno la hice con la María Magdalena, y esa es una canción de amor, y a mí nunca me había salido una canción de amor, porque siempre me resultaba más hablar de otra gente, o de divinidades, de situaciones o de historia.
¿Cómo nació el personaje de Kali Mutsa?
Mi abuelo es palestino. Yo bailé seis años la danza del vientre, mi nombre de bailarina era Kali Sara, porque me identificaba más con ese lado de la danza. Sin embargo, yo quería tener un nombre más agitanado, más que puramente egipcio o árabe, y de ahí salieron las ganas. Como amaba tanto la música gitana y la música árabe, surgió la idea de crear mi propia versión de este tipo de música, entonces inventé a Kali Mutsa. Quería crear un personaje que fuera cinematográfico, como si hubiese sido una diva que hizo películas en los años 40 y 50 en Chile, en lo que fue el boom del cine Nortino, que nunca existió, me imaginaba que hubiera sido muy bonito que con el auge de las salitreras hubiese existido un productor que hiciera unos estudios, una especie de Hollywood en el desierto, y que hubiera tomado temas sobre las leyendas Aymara para hacer películas, y de eso se trataba.
Y tú lo hiciste canción…
Exacto.
Fuera de Chile, digamos en Colombia, México, tenemos un imaginario de lo qué "es el pop chileno". Artistas como Gepe, Javiera Mena, Fakuta… pero el personaje de Kali Mutsa está en una especie de periferia ¿Cómo te encuentras tú dentro de este movimiento?
¡No estoy!
¿Y cómo convives con eso?
¿Así como con respecto al ego? Lo que pasa es que hacemos música muy distinta. El pop chileno es muy característico de Chile, como le escuché decir a Alex Anwandter que es más introspectivo, más invernal, estamos cerca del polo, ¿cachai?
Son otros beats, son otros ritmos, otras historias, no me hallo mucho ahí. Mis shows siempre son muy elaborados, por todo lo de la performance, porque soy actriz. En eso me siento muy cercana a la Lido porque ella tiene el arte visual y musical unido; y aparte tengo lo del espectáculo, ser un personaje, entonces mis shows buscan ser una experiencia más atmosférica, como cuando uno iba a un cabaret antiguo (el Chile antiguo me interesa explorarlo porque lo encuentro más interesante que el Chile de hoy ¿cachai?). Y en eso creo que nos diferenciamos con los otros chiquillos, porque yo soy como una vieja, del pasado, loca y no hablo mucho de mí, de lo que me pasa, de mis sentimientos, me gusta más hablar de historias o de personajes.
En este disco, por ejemplo, en el fondo son puros personajes cantando. Hablamos de la religión, de la banalidad de la maldad en las señoras de los dictadores, hablamos de la supremacía del inglés en Chile, que los artistas y la gente cool habla en spanglish y eso a mí me parece ridículo. Quizá por eso, porque no son tan cercanas las canciones las personas no las pescan tanto. A la gente que le gusta el show, el espectáculo, los colores y todo eso, yo le gusto, pero la gente que le gusta la música pop no va a enganchar tanto, me imagino. Pero desde que estoy en la escena soy algo distinto dentro de la música chilena.
¿No sé si se podría catalogar como música chilena o como música, música no más?
Yo apelo a la imaginación, al surrealismo, siento que estoy un poco desfasa’, ese es mi rollo, no me hace llorar ni nada, porque me dan ganas de seguir investigando y experimentando en eso, porque hay muchas aristas ¿cachai?, está la dirección de arte, el arte visual, todo lo que complementa esto, yo no lo veo así como: “sí, quiero llegar a las radios”, porque mi música no está hecha pa’ las radios, mi voz es rara, no es una voz pop, no es una voz súper afinada, es una voz nasal rara y hay gente que le carga, que la oye y dice qué es ese cordero berreando, partiendo de eso es un placer mío, hacer música por el placer de hacerlo. Trabajar con Imaabs es un desafío porque él es seco y yo soy una troglodita en la cuestión, y él me ha enseñado mucho y es rico investigar en los sonidos, más que en los géneros, como ir metiéndose en los sonidos y ahí está toda la música.
Las mujeres que presentas en tus canciones siempre han sido mujeres poderosas, madres, emperatrices, ¿Cómo ha surgido ese discurso femenino, y cómo ves el discurso femenino en la música popular?
Nosotros venimos de un país en donde a las mujeres nos matan. Hay una alta tasa de femicidios. Hace poquito a una mujer, su marido le quebró la mandíbula, le sacó los dos ojos, y la dejó en el suelo, en la calle, desnuda, y ahora ella quiere volver con él. ¿Cómo no voy a cantar sobre emperatrices y mujeres maravillosas si eso es lo que me encanta de mi género? Todos tenemos divinidad dentro, esa magia que tiene la naturaleza y el universo también la tenemos nosotros, y como mujer, encuentro que somos satánicas en el mejor sentido de la palabra, a nosotras desde tiempos inmemoriales nos queman porque nos tienen miedo ¿cachai?
La Casa es Negra, por ejemplo, está inspirada en un documental que hizo Forough Farokhzad, una poetisa iraní, sobre una casa de leprosos en Teherán en los años sesenta, lo hizo 4 años antes de morir. Pero la historia de la canción se trata de la reina Zenobia que era la reina de Palmira en Siria, quien supuestamente vuelve a la vida para proteger su ciudad. Y pasó que el año pasado un antropólogo llamado Haleb Al Assad, que era el guardián del sitio histórico de Palmira, un sitio gigante, se enfrentó al estado islámico que vino a destruir este lugar que era lo más herético posible, ósea, gobernado por una mujer y lleno de ídolos, politeísta. Y este hombre que era un viejito con anteojos grandes llenó su auto con tesoros antiguos y le dijo a su hijo: “puta, ándate en el auto, porque yo igual no me quiero morir de viejo”, y esperó al estado islámico y le cortaron la cabeza; y justo yo había hecho esta canción sobre la reina Zenobia, y él fue el guardián de la reina de Palmira en el fondo, porque no pudieron destruir la ciudad, después que le cortaron la cabeza llegó el ejército sirio y fue la primera batalla por territorio del estado islámico. Iban a dejar la cagá como siempre la dejan pero no pudieron lograrlo y ahí hay algo mágico, ahí está el espíritu de Zenobia diciendo: “que no me vayan a destruir mi ciudad pequeño hombre”.
Nos comentabas que en este último EP te arriesgaste a hacer canciones de amor, ¿Cómo llegaste a plasmar el amor en canciones como Erotomaniac y El Ojo Interno?
Todo comenzó con dos loops que yo hice, se los mostré a Erasmo y empezamos a trabajar. Yo cuando chica era erotomaníaca, venía de un colegio católico y es fácil serlo cuando provienes de ahí, uno se llena de amores platónicos que uno piensa que le hablan con códigos cifrados que nadie más puede entender, y mi primer amor fue la primera gran tragedia de mi vida. Yo cambié completamente cuando tuve mi primer novio. Yo pensaba que me iba a casar con él y tenía todo listo y él estaba en secundaria porque había repetido, era un boludo, imposible que llegara a ser el papá de mis hijos o que fuera a trabajar, yo me acostaba en la cama a dormir y cuando me acordaba de él, me latía el corazón tan fuerte que la cama temblaba, y Chile es un país de temblores, yo pensaba que estaba temblando y era mi corazón ¿cachai? Así que Erotomaniac es una canción súper personal.
Según mi psiquiatra mis emociones son demasiado fuertes, la emocionalidad la tengo demasiado disparada, amo con toda, odio con toda, si me angustio me puedo tirar de ese cerro, no soy bipolar (aclara) soy intensa emocionalmente. Erotomaniac se trata de eso, de alguien que ama ciegamente a otra, y que le dice que las tormentas van a respetar el camino que su amado le deja, y que nos cuida la luna, puro amor y toda la poesía que uno se imagina, y la otra persona no tiene ni idea. Pero uno puede vivir con eso porque si uno es idealista, la ilusión es mucho más fuerte casi que el amor cuando se concreta, yo puedo vivir de un amor ilusorio y ser muy feliz, es extraño.
Mi novio siempre me dice: “pucha ya, de nuevo otro amor platónico” y se preocupa - “no, ¡que él no sea tu amor platónico! ¡por favor!" porque me ve así en Internet buscando y me dice: “que estái haciendo?" -“No nada”, “¡pucha! otro amor platónico, por la chucha, ¿yo no puedo ser tu amor platónico?” - "Pero es que tú eres real, tú existes."
Gisela Fulla-Silvestre A.K.A. Noia lo ha vuelto a hacer. Primero nos obsesionó una semana entera con su canción debut, la emblemática Nostalgia del Futuro, con la cual anunciaba el inminente lanzamiento de su primer EP Habits, a editarse por el sello Cascine el 14 de octubre del año en curso.
La fecha se acerca y a medida que pasan los días vamos descubriendo más detalles de esta placa que pinta como una experiencia bilingüe de altos vuelos en producción. Hoy precisamente descubrimos Itaca Tropical la pieza más exótica que hayamos escuchado en la voz de la española. Un nuevo acierto con aires latinos, entre la cumbia y el affro-beat, que cumple la promesa de reflejar las muchas idiosincrasias de la artista.
Pero el daño ya estaba hecho. Días antes nos comenzamos a obsesionar con el segundo single del disco, la enigmática e hipnótica Love Hack. Una porcelana electrónica en toda ley en la que conviven beats descarados comandados por el tempo y las armonías vocales de Noia, sinthes oníricos que rebajan las intenciones bailables del deep house con el que coquetea la producción al nivel de una joya de pop contemporáneo.
La reina del EP vuelve anunciando el lanzamiento inminente de su primer LP, y qué mejor manera de transitar entre formatos que con un sonido fresco que proyecte su música hacía nuevos horizontes.
Esta Envuelta es precisamente eso, una jugada arriesgada, pop que se desarma y se vuelve a armar en nuestros oídos como una incontenible embestida de sinthes que comanda Violeta con su voz diáfana y sus frases exactas. "A veces estoy tan segura / y casi siempre envuelta en ambigüedad", una sentencia existencial que se le escapa casi al final dejándonos ver la verdadera intención de esta canción que se escondía en una frase con más forma de coro y a todas luces más recordable: "Alguien que le pregunte si sabe quien soy / porque quizás no".
Los pasos de este nuevo hijo de la Castillo parecen dejarnos más preguntas que respuestas, el nuevo mathpop existencial de la argentina ha creado un diálogo en el que las figuras literarias serán las piezas que usaremos para armar este rompecabezas de mujer. Un reto que estamos dispuestos a tomar cuando libere Errorws de Tipeo, a editarse por Geiser Discos muy pronto.
* Les recordamos que Violeta también hace parte de Adolescente Perpetuo, el disco tributo a Esquemas Juveniles de Javiera Mena, el cual también editaremos muy pronto por este mismo canal.
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