domingo, 25 de noviembre de 2018

Los Besos - Copia Viva (2018)


Ninguna nota es una nota.

Este texto lo escribí de camino a casa con unos audífonos baratos y la osadía de hacer todo el trayecto mirando la pequeña pantalla de un iPod, seguro de mis pasos y el acompañamiento inigualable de la música para protegerme de todo mal. 

… 

A lo largo de estos años Los Besos han logrado consolidar un cancionero enriquecido por los poemas de Paula Trama, encajando cada frase inolvidable en un pack de canciones concisas y directas que les ha hecho merecedores del título de reyes de la corta duración en nuestro sitio. 

Casi siempre amor a primera escucha, la inmediatez con la que las palabras de Trama se acurrucaron en nuestro imaginario musical los ha mantenido en nuestro top de referencias del cono sur de América, en consonancia con una cúspide creativa que se reafirma con cada nuevo lanzamiento. 

Copia viva llega a cumplir la cita anual a la que Los Besos nos han acostumbrado. Ya instalados en nuestros corazones fuimos enceguecidos a su encuentro, y gratamente sorprendidos por su contenido alcanzamos a descubrir algunas joyas en su tracklist. Pero esta vez no fue la inmediatez la que nos sedujo, hay aquí otro tipo de amor en juego, uno que se construye con los días, con las escuchas, con el acompañamiento diario, con los espacios para descansar y con los reencuentros. 

Recuerdo escuchar las dos primeras canciones y decirme: "esto es estar enamorado", “este es un disco de amor", varios meses después confirmo la aseveración primera. Me he dejado seducir dándole espacio a las canciones, dejándome sorprender con el reencuentro y las nuevas lecturas de este objeto de deseo, una copia conforme al amor por muchas cosas.


El disco arranca con El Dron y con ella la primera dedicatoria, a “lxs amigxs”, de paso una lectura nueva, un amor poco dedicado en canciones pop. Una réplica necesaria se puede leer en la hermosa Amazonas: “A lo lejos veo algo / Amazonas / contra el viento / Y acá están / aerosoles en las manos / sientan bien / este fuego y remolinos”, vivas imágenes de mujeres revolucionarias en pie de lucha, con la poesía como bandera. 

La ironía más grande del disco es la misma que le da título. “Jamás hice una canción de amor y tal vez esta va a ser la primera” anuncia Trama en los primeros segundos de Copia viva, una meta-canción sobre los hits que plagan las emisoras románticas, una seudo canción de amor que lejos del cliché recurre a un entramado de sintetizadores y “tutu tutus” para dejarnos con esa falsa sensación de haber escuchado la más grande declaración de amor de nuestros tiempos, o la más fiel copia de una.


Leer las canciones sin música es otra experiencia. Podemos desgranar este disco en un nuevo set de frases inolvidables y obtener otro producto de Los Besos. En Telón por ejemplo, recurren a la imagen del espejo roto dándole un giro de tuerca a la superstición: “Tenía que romper otro espejo / volver de la muerte / tenía que romper otro espejo para que soñemos más fuerte”. Abiertos todos los sentidos, en la juguetona La Melodía palpamos un estado entre la calma y una suerte de sentimiento comunitario: “Las melodías / que los vecinos silban / son mías / Las vidas / que los vecinos imaginan / son mías”. 

Pasando por conceptos como el “Exotismo fantasmal” (Albañíl), o frases triunfantes como "Voy envuelta en tejidos baratos / Entre cientas de rambos vedettes" (El Dron), Los Besos se han asegurado un nuevo cancionero entrañable, el cual han sabido cerrar con broche de oro con la canción más sonrojante de su repertorio. 

La Cascada de tu pelo enredado, una letra de Francisco Garamona es musicalizada por Trama en una suerte de colaboración que brilla como el astro más resplandeciente de esta constelación. De aquí extraemos imágenes cristalinas y sensaciones reconocibles, el encantamiento inexplicable: “Volteé en la esquina de tu casa / Y viendo en tu ventana luz imaginé / La cascada de tu pelo enredado”, el sentimiento de inferioridad: “Caminé por las calles de tu barrio / De tu barrio infinitamente / Superior al mío”, y la angustia por la pérdida: “Tuve miedo de no encontrarte jamás”.


Entre amores adolescentes, revolucionarios, imposibles y pausados transcurre el disco más extenso de Los Besos. Conjuros de alta producción y detalles encantadores en cada canción, ese llamado "exotismo fantasmal" embruja con efecto duradero, lejos de la inmediatez y con la misma contundencia en la presentación de estas cortas canciones, Copia Viva se erige como un testamento de la belleza de las cosas sencillas, una reproducción indeleble del amor que nos ronda en los lugares habituales, una pausa necesaria para respirar y continuar la marcha convulsa de nuestros tiempos.   

"Es global este fuego que ves".


Descarga: Copia viva vía Bandcamp name your price
💙💚💛🧡💜🖤

miércoles, 21 de noviembre de 2018

Canción: Louta - Todos con el celu


Enchastre, el segundo disco del argentino Louta ya está al aire, y con él vamos descubriendo los nuevos atrevimientos del personaje creado por Jaime James. 

Los sonidos del mundo parecen confluir en los discos confeccionados por James. Con su primer intento logró hacerse a un nombre en la escena alternativa argentina y con Enchastre parece consolidar una figura que podría ser clave para entender a donde van a parar las nuevas corrientes y como la música hecha en nuestro tiempo influencia a los creadores coetáneos. Esperamos extender esta reflexión en una reseña del disco, mientras, lo que nos atañe.

A varios niveles por encima de Puede ser, el sobrio single principal, Todos con el celu se inspira de las bases del funk carioca y lo transforma en una bomba avant garde que versa sobre males contemporáneos reconocibles, una crítica mordaz que se diluye en explosiones rítmicas a la medida de una muchedumbre sudorosa. Celulares al aire, un mar de luces en un recital, fuegos artificiales y un descontrol contenido en dos minutos cincuenta, ¿no es de eso que se trata esta era? 


🔥🔥📱🔥🔥

martes, 20 de noviembre de 2018

Vídeo: Christina Rosenvinge - Ana y los pájaros




Un año atrás recibimos Ana y los pájaros como primera gota de rocío en el amanecer de Un hombre rubio, disco perfecto que ha iluminado nuestro año. Y aunque esa temprana canción no pareció fascinarnos, el tiempo y un arduo aprendizaje la han hecho nuestro himno. Hoy por hoy nos reconocemos en ella y su llamado a amar lo que es mortal, atesorarlo y llegado el momento: dejarlo ir.

Ahora en imágenes vuelve a nosotros y en una impecable versión en directo se refresca y nos refresca. En las manos y ojos de CANADA, atestiguamos un concierto de Christina Rosenvinge y su banda ante un auditorio desierto, y entre las tomas de su presentación, misteriosos frames de nuestra musa recorriendo el majestuoso Teatro Carlos III, en escenas que recuerdan a David Lynch y a Ingmar Bergman y nos hablan del humo, la tenue luz, lo que está pronto a desaparecer.

Y con estas palabras de amor, suavemente anunciamos que pronto verá la luz un proyecto de meses en el que, en compañía de grandes y queridos artistas, rendimos homenaje a un disco de Christina Rosenvinge que ha cumplido diez años, Tu labio superior. Pronto nuevas pistas.



Christina Rosenvinge
🐦🐦🐦👩🐦🐦🐦

jueves, 15 de noviembre de 2018

Vídeo: Torreblanca - El candado



En el prólogo a nueva aventura, Juan Manuel Torreblanca y su banda se prueban otros trajes. Vestidos ahora con sensualidad y brillos tropicales, invocan al baile en El candado, una canción poblada de detalles: a su esqueleto de voz y teclado se suman bronces, percusiones en clave africana, ornamentos electrónicos, marimba, flauta y hasta un maullido felino, cada uno ocupando su lugar y su tiempo en esta melodía que crece y coquetea con el dembow (o dreambow, el término que acuñarían nuestros queridos Balún) para estallar en un merengue festivo y liberador, cercano a la promesa de su letra, un himno a la inflexión, al alivio que trae la renuncia, el arrancar los gajos secos de un amor que ha dejado de ser, para dar lugar a nuevos brotes, "para bien o mal, para sobrevivir, para no matar, para qué maldecir, para qué gritar, para irme de aquí, pa' poder llorar".

Y el videoclip, una suerte de terapia de pareja futurista en la que dos apuestos personajes se someten a un abstracto ejercicio de discusión: entre la pelea física, el baile y el ímpetu sexual, con ese aire a Running up that hill de Kate Bush, hombre y mujer se enfrentan, se hieren y se funden, en la ardua, lenta, casi eterna, tarea de decir adiós.


🔗🔗🔗

viernes, 2 de noviembre de 2018

Video: Fanny Leona - Mi chica favorita




"Quiero saber de ti, quiero saber de ti / quiero robar tus fotos, dejarlas todas para mí".

Cada canción hace de ventana, y hoy en Mi chica favorita miramos nuestra propia adolescencia, en su arrebato y su ingenuidad, y acaso la perversidad de que es capaz un enamorado.

Dulces sonidos electrónicos acercan a la chilena Fanny Leona al tontipop de Elefant records que tanto hemos disfrutado, y un poco a la última dirección que tomaron los Dënver. Juguetes, fotos instantáneas, chicas kawaii, tonos pasteles que contrastan con un traje negro y una letra pegajosa como chicle, nos tienen en loop infinito, recordando y anhelando esa locura del amor más edulcorado, entre nubes de algodón de azúcar y cartas escritas a mano.

Seguimos así el camino de esta novel e inquieta artista, quien además de ser la vocalista de Playa Gótica nos había regalado ya una canción solista llamada Disco Funny, que ahora ha desaparecido de sus cuentas oficiales para señalar esta canción como un verdadero nuevo comienzo.


👩👩

sábado, 20 de octubre de 2018

Descarga: Santa Madero – Pero Frágil


Atípico caso el que se ha dado en Perú con Santa Madero. Pocas veces una banda tan joven (¡la media de edad entre sus integrantes es 18 años!) ha generado tanta expectativa en público y prensa especializada, un hecho especial dentro de una escena musical que ya se encontraba acostumbrada a los nuevos rostros debido al recambio generacional que se ha ido dando en los últimos años. El hecho se vuelve más curioso al notar que el sexteto cuenta con tan solo una canción disponible en las plataformas de streaming ¿acaso no será este otro caso de precipitación encubierta como entusiasmo?
 
La respuesta la puede dar cada persona que escuche Pero Frágil, una sensual pero elegante carta de presentación que se extiende entre percusiones de salsa, RnB de tintes setenteros y dream pop contemporáneo. La canción triunfa al incitar pero en ningún momento ofrecer de más. La banda cambia los impulsos propios de su edad por maestría compositiva, optando por una fina y controlada sensualidad presente en cada verso, coro, quiebre dramático o momento instrumental. De verse uno forzado a encontrar un símil en la música latina contemporánea lo más cercano sería la ya icónica Tártaro de Buscabulla. Ambas canciones, en sus respectivas distancias, entregan un sonido flirteante, en gran parte debido al labor de sus vocalistas, como también una notoria vena latinoamericana al evocar a estrellas de décadas pasadas: mientras los puertorriqueños nos recuerdan líricamente el legado de Frankie Ruiz los peruanos algo similar con Rubén Blades gracias al uso de sampleos.

Luego de escuchar Pero Frágil quien aún posea dudas sobre Santa Madero bien puede pasar como una persona severamente precavida. Por el momento, viviendo el presente, nos quedamos con el goce propio de todo aquel buen descubrimiento musical. Es mejor vivir esta joven promesa pop paso a paso, que nos siga haciendo ilusiones en la cabeza de a pocos con cada nueva canción.



Santa Madero
Descarga: Pero Frágil (name your price vía Bandcamp)
🥀🥀🥀

jueves, 18 de octubre de 2018

Canción de la semana: Empress Of - I Don't Even Smoke Weed


Este viernes verá la luz de nuestras pantallas el esperado segundo disco de Empress Of, el alias con el que Lorely Rodriguez nos ha descrestado, conmovido y puesto a bailar desde el 2013. Us, como se titula el disco, se anticipa con claros signos de conquistador gracias a un sonido que invita al oyente y lo libera del compromiso de la identificación por la vía del drama. 

Ya lo habíamos anunciado con When I'm With Him, lo que Rodriguez representa y viene construyendo es muy relevante para la escena y la música contemporánea, y este nuevo adelanto no hace más que ratificar nuestra fe. 

I Don't Even Smoke Weed en palabras de su autora, habla de las cosas que hacemos estando en pareja aunque las odiemos, su lectura es tan cristalina que asusta un poco la sinceridad con la que Lorely acierta al combinar el ritmo con sus declaraciones de amor crudo: 

"I fuck up everything
Find myself embarassing
You don't seem to mind
Just as long as I'm
Honest everytime" 

Sin apartarnos de la letra confesional, I Don't Even Smoke Weed reluce como una joya armada de sintes arriesgados y remarcables, como esos teclados ochenteros que estallan con el falso coro, en esos combativos "Shock" que se erigen como la consumación de una intención, de un riesgo que paga todos sus frutos. 


🖤🖤🖤

Video: Hijos - Luces de San José




Un alto arcoíris anuncia el regreso de la banda costarricense Hijos tras su sutil debut, NU9VE (2016), una colección de canciones que aun en su timidez siguen haciendo eco en nosotros.

Las Luces de San José alumbran con más fuerza esta vez, y en una correspondencia de colores y sonidos, disfrutamos su dulce experimento. Ante nuestros ojos desfilan los guapos integrantes de la banda y Pablo Rojas, líder y protagonista del videoclip, comparte miradas con una jovencita que baila bajo las luces siempre cambiantes, figuras y efectos se proyectan sobre los cuerpos en una interesante exploración del formato vertical.

Y la canción (de amor, por supuesto) resuena en nosotros con su ingenuo "Tengo que volverte a ver, tengo que decirte que", bailamos también bajo esa cascada de colores con la esperanza de un reencuentro, de un regreso, como el que hoy hace esta banda querida.


💫💫💫

miércoles, 17 de octubre de 2018

Canción: Cuco - Amor de Siempre (Mariachi Version)



En esta ocasión El Amarillo destaca por primera vez la obra de este artista independiente que pasea en sus hombros todo un movimiento cultural.

Omar Banos o Cuco es de padres mexicanos y originario Hawthorne California. Con sus dos materiales en formato digital en su historial nos ha presentado el lado más rosa y novelero del pop alternativo. Wannabewithu EP en 2016 y Songs4u EP del año pasado se titulan sus inicios en la industria musical, y los que le han facultado crecer como músico y poco a poco abarrotar diversos auditorios en Estados Unidos y Europa.  Es conocido además porque ha interpretado covers de canciones de Los Panchos y de Kali Uchis, entre otros artistas por los que profesa admiración.  

Su sello característico ha atraído los sentidos de la audiencia alternativa entre otras cosas, por su forma de escribir.  Con un fundamento bastante romántico, sin analogías rebuscadas o adornos, simplemente exponiendo emociones de la forma más visceral, intensa y vulnerable en donde poco o nada importa sonar cursi.  Los colores del amor y el desamor hacen parte de su trabajo, así como una mezcla espontánea entre el español y el inglés que atrevidamente pueden cohabitar en la misma pista: “Oye cariño, sólo pienso en tí when I wake up in the morning until I go back to sleep” (Lo Que Siento).

Su más reciente canción no pertenece a su último trabajo Chiquito EP (2018), sino que es una nueva versión de Amor de Siempre para Red Bull Music. La misma es un homenaje a sus raíces mexicanas y a la música que sonaba en su casa desde niño. Si bien ya la habíamos escuchado antes, los nuevos arreglos vienen acompañados de violines, trompetas, arpas, así como del grupo de mariachi Lindas Mexicanas que tienen una aparición en el vídeo clip estrenado hace poco, una representación del amor en sus distintas formas, en las vidas de personas auténticas.

Amor de Siempre podría perfectamente encajar en una película de romance en donde el héroe, a pesar de los miles de obstáculos, logra finalmente ganarse el corazón de la chica de sus sueños. El mensaje oculto tanto de esta pieza como del proyecto de este chicano es directo: en un planeta sobre el cual muchas veces nos preguntamos si evoluciona para bien o para mal, el machismo debería ser erradicado. El amor es el sentimiento más universal que existe y los prejuicios de antaño que hacían ver con desdén y malos ojos a los hombres sensibles ya no tienen cabida en estos tiempos.

Podríamos decir que Cuco es un abanderado de la latinidad en la escena alternativa actual. No dejen pasar la oportunidad de escuchar Chiquito EP que además de una dulce carga de sintetizadores, viene también impregnado de hip hop y líneas rápidas. 


🎻🎻🎻

lunes, 15 de octubre de 2018

Alex Anwandter - Latinoamericana (2018)




Alex Anwandter, estampa de un pop perfecto y santo de nuestra devoción, diría alguna vez en una entrevista, que participando con sus canciones en algunas protestas juveniles se encontró incoherente al interpretar letras de amor cuando la realidad inmediata parecía exigir su comentario.

Nacieron así las canciones de Amiga (2016), tan bailables como insidiosas, que aún valiéndose de la balada de amor, cuestionan las relaciones otras que orbitan nuestros afectos: el eco de las decisiones políticas, económicas, y el lastre de anticuadas normas sociales.

Ya en esa transición se fraguaba una ambición más honda. Desde su título, Latinoamericana (2018) anuncia grandilocuente ser la expresión no del yo sino de un rostro variopinto y mudable, el rostro latino. La esperanza entonces será vernos reflejados en el espejo de agua que promete ser Alex entre la flora de su portada, aves del paraíso y monsteras, mirándonos de frente. ¿Lo habrá conseguido?

“Niño, eres la peor”, el juego de palabras en su primera canción nos regala una referencia histórica: Malinche, aquella mujer indígena que se hace intérprete y amante de Hernán Cortés en el tiempo de la conquista española al imperio mexica, encarnando así la imagen de la traición, pero también del mestizaje. Alex pronuncia el nombre como agravio y acusa a un hombre contemporáneo de ser “Serpiente, Malinche y seductor / te das vuelta y de repente ya te crees nuestro señor”, mientras en la fría estructura electrónica se filtra algún detalle tropical.

Locura estalla a continuación, oda al sinsentido y el espanto ante un rumbo político que nos arrastra a los valores rancios que tanto hemos querido dejar atrás. Y ante la preocupación, una respuesta estoica: “Nada puedes tú hacer, solo puedes entenderte a ti”. Pronto aceptamos, con asombro dolido, que esta es la única canción de bailable vocación en el álbum, el resto de pistas se han vestido de sobriedad y alcanzan apenas destellos de ese ímpetu.


Dulce en su letra y metálica en su melodía se extiende Latinoamericana con su intención política a media tinta pero que nos enternece con el “Yo soy negro de amor”, y hasta imaginamos una novela histórica de amor homosexual e interracial en tiempos de Conquista, “Perfecto, entero, para mí eres como una flor / el hombre blanco es un diablo y tú eres amor”.



Y en una canción sobre las canciones, Vanidad hace un reclamo a los viejos ídolos musicales que ocultaron secretos (¿Acaso su sexualidad?¿Acaso Miguel Bosé o Camilo Sesto?) y a los que presas de su propia ambición sucumbieron a tratos sucios, o simplemente miraron con indiferencia a un mundo que pedía su compromiso.

Dos canciones en portugués que jurábamos refrescarían el disco, cayeron como agua demasiado helada, Um girassol da cor do seu cabelo y Olha Maria, covers correctamente interpretados que lucen como meros interludios en el avance de Latinoamericana, una oportunidad desaprovechada, creemos, para dotar de épica y riqueza instrumental a este retrato de lo latino.

Axis Mundo, en su gran parecido a la gran Rebeldes (2011), se hace himno desenfadado a la libertad y a la urgencia del amor, aun en tiempos hostiles. Aquí una bella imagen: “Me enamoré, Cristina, de tu voz de hombre”, y en su contagiosa simpleza pronto estamos coreando: “¿Por qué el mundo siempre mira mal / a quien no evita ser distinto?”.

Y la favorita: Canción del muro, un llamado. Sin consideración, sin piedad, grandes y altos muros construyen ante nosotros, y será labor diaria echarlos abajo, pues hay tanto qué hacer allí fuera, “y empezamos a pensar cosas nuevas, en vez de obedecer”. Una dura melodía que crece y arde en el pecho, la canción protesta más sofisticada, ¡Qué acierto! Y otra simple pero afilada sentencia: “La vida se va, hagamos que valga la pena”.



El disco nos precipita a su final y a todas luces no parece habernos conmovido lo suficiente, le disfrutamos sin la fiebre de sus antecesores, y mucho menos hemos recibido el iridiscente mosaico sobre la identidad latinoamericana que imaginamos, apenas si unas piezas irregulares, algunos cristales y piedras. Pero, ¿no sentimos acaso, que lentamente van brotando en nosotros mismos las palabras y las inquietudes? que estas canciones son verdaderos “growers”, semillas aquí plantadas que en el tiempo atesoraremos y hoy lentamente nos invitan a reconocernos desde nuestras orillas, a saber ser, al fin, hijos de nuestro tiempo. “Ya no tengo miedo, vamos a la marcha”.


🌱🌱🌱

sábado, 13 de octubre de 2018

Canción: La Lá - Morir Soñando


Un año después de aquel suceso llamado “Zamba Puta”, una de las pocas producciones de estudio que explora con gracia los altibajos propios de una mujer expuesta a una sociedad machista, podemos disfrutar del retorno de La Lá (de nacimiento Giovanna Núñez). Su más reciente single, Morir Soñando, es el primer adelanto que antecede a su tercer disco de estudio el cual se espera llegue en el 2019 y desde su título otorga pistas de su contenido lírico: el lamento de una otrora mujer libre, atrapada en esa jaula disfrazada de tradición generacional que a veces termina siendo la labor doméstica.

Como es común en la música de la compositora peruana, el carácter crítico de la lírica no afecta la delicadeza de sus composiciones acústicas, siendo el resultado una samba suave con chispazos de jazz y salsa. Como si se tratara de una exploración académica por los sonidos de Latinoamérica, La Lá encuentra goce en los detalles propios del trabajo meticuloso antes que en la euforia inmediata, brindando algunos inesperados cambios en la personalidad y ritmo del tema capaces de desencajar al oyente casual.  

En el apartado lírico, uno de los puntos favoritos de los seguidores de La Lá, hallamos una colección de frases dignas de enmarcar. En el centro de la canción una duda existencial se camufla entre inocencia y poesía  (“¿Por qué me siento vacía en mi nido? / ¿Por qué me siento vagabunda en mi cocina / haciendo guiso de mi propio sabor a hembra?”), aquella misma duda presente en toda aquella relación donde la desilusión muta en violencia y desigualdad de género.

En la suma de partes, Morir Soñando es antes una confirmación de estilo que un single continuista. Para aquellos que conocieron a la compositora tras “Zamba Puta” bien les servirá como una ratificación de las curiosidades musicales y causas a las que La Lá se mantiene fiel.


🐦🐦🐦

miércoles, 10 de octubre de 2018

Canción: Salt Cathedral - Rude Boy




Ya nos estábamos preguntando que había sido del esperado álbum debut del dúo colombiano Salt Cathedral. Nos bastó una rápida búsqueda para encontrarnos con un nuevo adelanto del mismo, al parecer este sí, el definitivo.

El afrobeat parece ser el recurso estrella de la nueva etapa de Juliana Ronderos y Nicolás Losada, quienes siguen cocinando canciones infecciosas con los recursos de moda. Dándole un giro hacía el dreampop que los acompaña desde el principio, recordemos sus ensoñaciones musicales cuando aún eran Il Abanico o sus primeros sencillos como Salt Cathedral, esa apabullante y emotiva Holy Soul, más cercana al R&B, y en consecuencia, una pista del espíritu inquieto de la banda. 

Rude Boy tiene como objetivo levantarte el ánimo. Aquí los beats y los sintes están a la orden del día para que el mensaje de Ronderos fluya a lo largo de estos cuatro minutos en los que te dejas infectar por la cadencia tropical y el golpe de la percusión. Un producto sofisticado del Feel good inc. que atesoramos por su acercamiento directo al oyente y su compromiso imperativo con el baile. 


💛🧡💛🧡

martes, 9 de octubre de 2018

Canción: Entre Ríos - Temprana


No hay texto alternativo automático disponible. 
Luminosa y cristalina, la canción Temprana de Entre Ríos es agua para la sed, llega cumpliendo esa cita anual a la que Sebastián Carreras ha venido acostumbrándonos. Es el anuncio de un nuevo disco/intervención llamado Material.

Como un río que cambia de nombre según la tierra que atraviesa, pero siempre es agua, los nombres y arreglos musicales lucen diferentes. Tenemos la voz de Sol Fernandez, dulce como el canto de sirena que imagina, o la canción de cuna que siempre persigue Carreras. Su construcción musical se aleja esta vez de la electrónica y el pop matemático, para abrazar instrumentos más académicos.

En un dulce desasosiego, su letra visita la antigua metáfora que compara el avance del día y las caras del amor: “En la tarde cambias de forma / y la noche hace cicatrices / la mañana predestinada a verte tal como sos”. Y en su invitación a atravesar ese paisaje incierto y abrazar con ansia lo que sabemos ha de irse pronto, recordamos las palabras de otro sabio poeta: “Todos los días del mundo, algo hermoso termina”.


ER

lunes, 8 de octubre de 2018

Canción: Luciana Tagliapietra - Perro


Sin la inmediatez de sus sencillos previos pero con la misma seguridad, Luciana Tagliapietra nos sorprende gratamente con su giro electrónico en Perro, una canción que ahonda en las inquietudes trazadas por el super pop Kawaii, uno de nuestros discos favoritos del 2017

La densidad digital se apodera de las notas que acompañan los relatos de Tagliapietra, esta vez más cercana a los sonidos de Faithless o de los colombianos Mr Bleat, que a la música orgánica o los sintes de su último disco. 

Siguiendo su línea narrativa, Luciana vuelve a transformarse en un animal que desaparece por la reacción a su amor no correspondido (vale destacar El Bicho de Diagrama de Ben, 2011, o Mariposa al lado de Las Chicas Nieve ), en consecuencia, el espíritu del amor deambula por la estación, consolidando el imaginario fantasmagórico de esta pista plagada de sintetizadores que cumplen a cabalidad la tarea de crear el ambiente propicio para darle más peso a la historia.

"Te busqué en los vagones de ese tren abandonado 
Como un perro enamorado te mordía por equivocación 
Y un bocado envenenado me mató."


🐶🐶🐶

sábado, 6 de octubre de 2018

Gepe - Folclor imaginario (2018)


La imagen puede contener: 1 persona, sonriendo, texto
No creímos volver a escribir sobre Gepe, en los últimos años su imagen se ha hecho tan distante a nuestros afectos y sus discos más queridos parecían quedarse huérfanos ante la nueva figura de galán y el pop tan radial como edulcorado que ha fabricado en los últimos años. Alegremente, hoy volvemos a ser conmovidos con su cancionero, al menos la mitad de él.

Folclor imaginario viene a nombrar un bello ejercicio de aproximación a la obra de Margot Loyola, gran folclorista chilena, que como Violeta Parra, encontró una voz propia en la recuperación de los cantos populares. En una fácil comparación a los últimos discos de Natalia Lafourcade (uno en que versionó a Agustín Lara y otro, más ambicioso, tributo a sus musas) parte de nuestra redacción veía con sospecha esta nueva intención de Gepe, acusando una falta de inspiración.

Y sí, el álbum parece representar un alto en el camino, un llamado al conocimiento de la raíz más profunda para florecer después vestido de colores propios. En su traje de ingenuo folclorista, Gepe ha sabido elaborar preciosas canciones que trenzan la dulzura de lo orgánico y la imponencia del pop. Sabemos que llegó a tientas y sin academia a la elaboración de sus canciones tempranas, inocencia que iría transformándose, y que hoy en el cumplimiento de esta tarea pendiente, nos confirma que su búsqueda personal en esta década, puede desembocar en las mismas aguas y elevar su nombre al de Margot y Violeta.

Pronto entendemos que este Folclor imaginario no es una colección de covers sino un alegre experimento de descomposición, sampleo y superposición en torno a la obra de Loyola. Gepe se atreve a zurcir sus propias letras y su experiencia a una bella colcha de retazos. 

Así, ¿Qué sacarán con quererme? es hábil respuesta al clásico canto ¿Qué he sacado con quererte?, dulce introducción que en su simpleza rústica sorprende con un arpa que nos acompañará a lo largo del disco, y sin tregua nos ofrece oraciones como “Hoy nace la fortuna / Mi vida, y mañana muere / Así se va olvidando / Mi vida, lo que se quiere”.

Cacharpaya ruge por ser la nueva adoración en el repertorio de Gepe, erigida en una delicadeza instrumental que remite al norte chileno, nos habla de felicidad e infelicidad a un mismo tiempo, y las aceptamos, abrazamos este paisaje en el que conviven montañas y llanuras, rocas y hierbas.



De La vertiente en cambio, mana el dolor sin contención, cada línea compone un bellísimo poema, o una fábula, que desde el inicio sentencia “Alguien ha herido al monte con un puñal”. Conmovidos nos entregamos a tanta elegancia, casi olemos la tierra húmeda, casi nos baña un helado manantial.



Esperanzados recibimos un Canto de amanecida, y tenemos ahora pensamientos de consolación y de cura, vendas blancas, ungüentos de milagro, almohadas tibias. Una canción que en su dulzura crece y crece, se adorna de un coro inmenso que nos eleva y repara. Caprichosamente pensamos en la canción que hace años realizaría Gepe para el programa Tikitiklip, esa tierna Colibrí y la lluvia.


En un pop más directo, Gepe nos regala la bella Joane, inspirada y dedicada a Joane Florvil, inmigrante haitiana que murió en Chile, crudísima historia de la que Gepe extrae este luminoso himno, aquí pasa de la poesía y en prosa nos exige reflexionar sobre la xenofobia y la indiferencia, un gesto que sacude y remata un disco conmovedor.


Hay en el disco otro grupo de canciones que emocionan menos, y preferimos esta vez no mencionarlas, en un afán de conservar únicamente los pasajes que nos han hecho sentir estas cosas tan graves y tan dulces, y nos reconcilian con la imagen de un prolífico artista, a quien ya anhelamos ver de nuevo en vivo, y de quien ahora desempolvamos vinilos y cds para volver alegremente a revivir parte de nuestra historia.


:) :) :) 

lunes, 27 de agosto de 2018

Canción de la semana: Empress Of - When I'm With Him




Lo que Lorely Rodriguez está consiguiendo con su alias de Empress Of es realmente relevante para el pop contemporáneo. Su debut, el aclamado Me, la consolidó como productora y compositora, valiéndole más de una mención en listas de medios especializados y una base de fans, de la cual felizmente hacemos parte. 

Me fue una declaración de amor propio, un espejo que no contento con el reflejo buscaba ahondar en los miedos y los defectos de la autora, logrando canciones triunfantes como Standard, Icon, o el banger deifinitivo How do you do

Su nuevo disco, lleva el consecuente nombre de Us, una declaración en toda regla que promete abrir la burbuja: "I'm on the outside looking in, when i'm with him" canta Rodriguez en las líneas confesionales de este nuevo sencillo. En esta pista que tiene toda la factura de una producción de Blood Orange, Lorely desnuda sus inseguridades amorosas con crudeza: "I don't know how to love now, I pretend", líneas como estas abundan en estos tres minutos y medio de R&B contagioso. 

A riesgo de identificarnos cada vez más con el personaje de Empress Of, y de ser así, el logro será aún mayor, Rodriguez comienza a pasar del "yo" a un universal "nosotros" que nos vuelve testigos de sus confesiones, que también pueden ser las nuestras.

El clip que acompaña el lanzamiento fue producido por el equipo de  The Fader y es descrito como una carta de amor de Lorely al Este de los Ángeles.

Us estará disponible a partir del 19 de octubre e incluye el sencillo Trust me baby, previamente reseñado por acá. 


🌸💮🏵💮🌸

domingo, 26 de agosto de 2018

Canción: Planeta No - Peligro


Bien parece que la evolución de Planeta No es similar a la que tiene cualquier persona joven. Recordemos el memorable debut Odio, obra que temáticamente guarda similitudes a las vivencias de aquel adolescente que está entrando a la sociedad y los desencantos que inevitablemente vivirá, desde dilemas amorosos hasta el rechazo social, teniendo la misma carga emocional que un diario personal. Ahora, con el lanzamiento de Peligro, los chilenos parecen explorar el mundo de los jóvenes adultos: no hay necesidad de seguir escondiendo nuestras derrotas en una habitación, es hora de darle paso a la vida nocturna y desahogarse en la pista de baile.

Peligro, con su temática referente a las relaciones tóxicas (y ese “quiero que no me toques” que tanto recuerda a los casos de acoso callejero), es un acto de valentía y cambio notorio en la postura lírica. Gonzalo, el vocalista, deja la fragilidad propia de quien se hunde en lamentos y odios para ponerse firme en el escenario. Con esto los oyentes dejamos el rol de confidentes empáticos y nos convertimos en seguidores, algo que toda banda con visión de crecimiento debe conseguir.

El cambio más importante está en el sonido, siendo Peligro quizás la canción merengue más inesperada de los últimos años, teniendo además prestado algunos trucos del synth-pop y disco. Es digno de goce que las jóvenes bandas latinoamericanas encuentren su identidad en la música popular de nuestros países antes que en las predominantes tendencias de países angloparlantes: lo hace sentir real, se vuelve mucho más nuestro. Con estos ajustes de personalidad y ritmos (aparte de las versiones a Juan Gabriel que hacen en vivo) Planeta No parecen querer dar el salto de fenómeno indie a promesa pop y, por ahora, el esfuerzo está rindiendo frutos.



Planeta No
☢☢☢☢☢

lunes, 20 de agosto de 2018

Canción: Jaloo con MC Tha - Céu Azul


Luego de ese extraño experimento bilingüe que fue Say Goodbye, nuestro friki brasileño favorito se sube al vagón de la suavidad de la mano de la cantante MC Tha

La dupla confecciona una colaboración impecable que da igual protagonismo a las partes. Jaloo desde su histrionismo y una letra llena de pasajes simbólicos que versan sobre las despedidas imperativas, con un cuidado exquisito de la rima y las métricas: "Agora que sabe, tem medo de mim / Mas no seu lugar eu também teria".

Mientras que MC Tha nos roba el aliento con su interpretación, su voz fantasmagórica que gana todos los elogios que su compañero le merece: luz y paz, esperanza y elegancia. Asistimos no solo al descubrimiento de la semana, sino a una de las canciones más cautivadoras de la temporada, una que se vale de la cadencia rebajada de la zamba y de la electrónica para presentarnos la química explosiva de Jaloo y MC Tha.

El clip que acompaña el lanzamiento fue dirigido por Theremin y Jaloo, una exquisita secuencia de imágenes que combina ejercicios poéticos y declaraciones de amor artístico sobre un fondo de programa televisivo ochentero. La fruta servida y el decorado instalado, denle play a nuestra canción-obsesión de la semana.

"Adeus céu azul".


🌻🍌🍍🥝🌼

jueves, 16 de agosto de 2018

Canción: Hello Seahorse! - Son


Resultado de imagen para son hello seahorse 2018

Hubo un tiempo en que toda nuestra atención se fijaba en México, hace unos diez años, cuando nos deslumbraba la lista de artistas independientes que florecía en álbumes y canciones entrañables, un fenómeno que después nos llevaría a Chile y que aún reluce en Argentina.

Hello Seahorse! fue una de las bandas que atesoramos y creímos haber perdido, como se desdibujaron ante nuestros ojos Natalia Lafourcade, Zoé o Porter. Ahora que por casualidad nos hemos topado con un nuevo sencillo, sonreímos a nuestros viejos amigos y nos emocionamos una vez más con la belleza de Son.

"La madurez", ese incómodo término para hablar de un modo de crecer como banda, le ha ido llegando a Hello Seahorse! desde hace un tiempo, ya en Arunima (2012) se había depurado lo infantil de su propuesta y empezaba la búsqueda de sofisticación.

Hemos vuelto la mirada, y los oídos, sobre aquel disco y las escasas canciones que han lanzado desde entonces, y encontramos en Son el diamante más pulido. "Ya no quiero mentir", repite la querida voz de Denise, en esta canción que es una ofrenda, la reconciliación que nosotros mismos estamos sintiendo. Lleva el nombre de otra canción hermosa: Son de Entre Ríos, y comparte además, la nostalgia electrónica, que parece acercarnos más a un bolero que a un himno pop.

Que sea esta la oportunidad de recuperar lo que creíamos ido, y de acompañar a Hello Seahorse! en la apertura de otra puerta.




🔘🔘🔘

miércoles, 15 de agosto de 2018

Vídeo: A.CHAL con A$AP Nast - Cuánto


2017 pasará como uno de los años destacados para la carrera de A.CHAL. Tras el lanzamiento de ON GAZ, su segunda producción de estudio y hogar de alguna de sus mejores canciones a la fecha, su popularidad ha seguido ascendiendo, llevándolo a conseguir un contrato discográfico  y colaboraciones con nombres tan variados como 2 Chainz, C.Tangana y Nicky Jam. Con estos grandes pasos que dan camino al éxito bien podría decirse que el peruano anda viviendo su propia versión del “sueño americano”, una versión no tan brillante como vaporosa y agresiva, pues recordemos que a fin de cuentas A.CHAL sigue siendo un hombre joven tratando de mantenerse estable en el competitivo mundo del hip-hop y RnB norteamericano.

Como si se tratara de cerrar una etapa (que justo acaba de iniciar una nueva), esto nos lleva a revisitar Cuánto, uno de los mencionados puntos altos de ON GAZ, gracias a lo notable de su vídeo promocional, poniendo por delante un problema que quizás tu gobierno local busca invisibilizar: la delincuencia juvenil. Dirigido por Dexter Navy, mente tras trabajos de gran impacto visual como L$D de A$AP Rocky, seguimos a un grupo de niños en medio de las acciones que conforman su turbia cotidianidad. Si a primera instancia la premisa suena a una romantización de la vida criminal es al final donde nos golpea el problema de fondo: la búsqueda de un escape lleva a nuestros protagonistas a un proceso cíclico de decadencia. Como dato curioso, el vídeo fue grabado en México pero las referencias al origen peruano de A.CHAL se dan gracias al uso simbólico de la piraña, animal asociado a los delincuentes menores de edad en la jerga de este país.


¿Y en cuanto a la canción? No tiene pierde, Cuánto puede considerarse una de las canciones más logradas de A.CHAL, sintetiza a la perfección la lírica y sonido narcótico que caracterizan su mundo personal, aquel lugar que él denomina GAZI, hacia donde nos arrastra lentamente con cada nueva lanzamiento.  


A.CHAL
🐟🐟🐟

martes, 14 de agosto de 2018

Vídeo: Diosque - Nudos




A estas alturas, toparnos con un controvertido vídeo por cuenta de Diosque no es novedad. Durante su carrera, el prolífico artífice pop ha extendido alianzas junto a otros artesanos visuales que han retratado desde la excentricidad, hasta la vulnerabilidad de la música del argentino Juan Roman Diosque. Cabe mencionar Una Naranja o el más reciente -y también comentado por acá- Lluvia, como algunos de esos audaces vídeos que avivan la carrera musical de nuestro bicho de culto preferido.

Diosque, quien continúa con la promoción de su exquisito álbum Llanero (2017), hace mancuerna junto a su compatriota y directora Michelle Gualda para mostrarnos el relato detrás de Nudos. Valiéndose del ritmo abrasivo de la pieza, Gualda también responsable del vídeo Helados Verdes de Los Besos, presenta ahora una historia muy inhibida que bien podría catalogarse como un sci-fi lésbico de la nueva era.

El audiovisual se vale de algunas referencias culturales, donde las estatuas que muestran refinadas formas son convertidas en una metáfora de unión entre las dos chicas que danzan. Además de un coqueteo venial que pone a la manzana como excusa perfecta para “caer” en lo desconocido y lo lujurioso, las orquídeas aluden constantemente a la feminidad enfrentada y exaltada (muy à la Nobuyoshi Araki).

Dentro del corte visual el enfrentamiento corporal refleja la destrucción de todo silencio. El caos antes de la liberación. El sabor de lo extraño. La pulcritud de la utopía. A esto nos saben los Nudos de los que Diosque canta y que Michelle Gualda retrata.

"Ay inmensa pena..." 


🌱🌱🌱

lunes, 13 de agosto de 2018

Canción de la semana: Alex Anwandter - Locura



La imagen puede contener: texto
Meses atrás Alex Anwandter parecía entregarle la tan segura antorcha de la balada romántica a su protegido Francisco Victoria, supimos entonces que sus inquietudes cruzaban ya otros horizontas y que más bien retomaría la zigzagueante línea de experimentación que trazó en su proyecto OdiseA.

Locura es pues la continuación de una historia abandonada hace algunos años, su luminosa estructura disco se descompone a cada rato para hermanarse con los sonidos de canciones como Casa Latina, Juventud, o Batalla de Santiago de aquel álbum Odisea (2011). En ellas como en la pista que ahora nos convoca, la ansiedad gobierna música y letra.

Como un poema de versos inconexos, apenas podemos adivinar de qué se trata esta Locura. "El mundo se va a la mierda y no he hecho nada", "Ahora esfuérzate por ser feliz", una intención política que por abstracta peca de inofensiva, nos sugiere un descontento con los nuevos dirigentes, que de Piñera a Trump (pasando por nuestro Duque) son íconos del retroceso, los valores rancios que quisiéramos dejar atrás.

Pero quizá estamos hablando de más y no debamos sobreanalizar una canción tan vaporosa, nos dedicaremos a bailarla y la elegimos canción de la semana por su efectivísima melodía, tan inevitable, pero sabiendo que el compromiso político aún necesita fuerza, será que Alex, como su propia canción dice: "tiene ritmo en el corazón, pero le falta lo demás".


💅💣💥

sábado, 11 de agosto de 2018

Balún - Prisma Tropical (2018)


Resultado de imagen para balun prisma tropical

“Perreo & Cocteau Twins y “Brooklyn vía San Juan”, son enunciados que la banda Balún ha elegido para resumir su biografía, y no podrían ser más acertados. Por un lado, con humor definen la aleación que durante años han perfeccionado como esmerados alquimistas: un sonido capaz de hermanar el pop ensoñador con el eco de la ya-no-tan-nueva-ola de música latina, esa que a todos, aunque fuese a regañadientes, nos ha hecho bailar hasta abajo.


Así resumen también su condición geográfica: cuatro músicos puertorriqueños se encontraron en Nueva York para combinar sus talentos y compartir una ambición musical que tras años de búsqueda ha decantado en un álbum perfecto, su Prisma Tropical (2018). Gracias a Balún hemos entendido el significado de la palabra diáspora. Las vidas que han llevado lejos de sus raíces y cercanos a tantos otros estímulos, habitantes ahora de la capital del mundo, han sido las condiciones perfectas para que floreciera en ellos un nuevo sonido. Tuvieron la oportunidad de revisar los ritmos tropicales que animaron sus infancias, las melodías folclóricas que anudaron sus lazos de familia y una búsqueda adulta en la música sofisticada, electrónica, esa sed que colmarían en otro paisaje.

Y el prisma: un cuerpo geométrico de cristal, usado para reflejar o descomponer la luz. Otra lección aprendida al visitar no el diccionario, sino esta colección de canciones que quiebra y enfrenta sonidos aparentemente antagónicos, experimentamos todo el tiempo las dualidades entre la música electrónica y la orgánica, instrumentos folclóricos que se distorsionan (habría que ver a la mismísima Angélica Negrón convirtiendo el sonido de un acordeón en impulsos eléctricos), la selva y la ciudad, la máquina y el alma.

Un puñado de himnos bailables y otros delicados interludios suman las dieciséis canciones del álbum. Vaivén nos saluda en su paisaje, un lejano canto de aves y dulces cuerdas entre las que empieza a filtrarse una tormenta. Muy pronto nos topamos con canciones conocidas: La nueva ciudad, que fue para nosotros una de las mejores canciones del 2016 y hoy continúa estremeciéndonos, su melodía aterciopelada que se enrevesa para hacernos bailar reggaetón.



Por supuesto, Años atrás también aparece en el disco. Es esta la canción que probablemente señaló el nuevo camino a Balún, data de 2014 y fue la primera en abrazar con fuerza el ritmo tropical. “Trozos de un avión / que se desintegró años atrás / en otro lugar / Fuerte resplandor / playas de papel / la saturación / del prisma tropical”, su nueva versión nos ofrece aún más ornamentos pero conserva esa melodía distorsionadísima que cuatro años atrás supo volarnos la mente, a partir del minuto 2:00 nos enfrentamos a un caleidoscopio, somos felizmente aturdidos por lo que parece el sonido deteriorado de un videojuego, el esqueleto de una champeta, las cuerdas de un bolero y una canción pop violentamente remixada. Todo al mismo tiempo.



Sin dejar la nostalgia al rememorar Memoria textil (2010), un disco de los viejos Balún, Entretela es una nuevísima y fresca canción que en efecto se extiende como un fino tapiz en el que el sonido electrónico registra sus patrones geométricos mientras la voz y los detalles más orgánicos cosen las curvas en delicada artesanía. Y como en los tejidos, y las canciones, de Violeta Parra, en este bordado adivinamos también una conciencia política: “Los desaparecidos hacen falta hoy y no ayer / Sus manos hacen falta en la fábrica para coser”.


Más juguetona, Ultravioleta tiene los visos de un acordeón y una contundente percusión que contrasta con la letra ingenua, como de ronda infantil, “Eres una criatura extraña / sueles nadar / y transformar lo que está”, en ella colabora el músico puertorriqueño Henry Cole. A la fiesta que es Prisma Tropical se une también la sección instrumental de Antibalas, una importante banda de afrobeat que aporta el brillo de los bronces en Pulsos, futurista y sudoroso pasaje instrumental.

El Espanto nos sirve de divertido ritual: aquí bailamos para sacudirnos la mala suerte, como un baño en plantas aromáticas, ruda y canela, para espantar al mal de ojo, un guiño a tantas creencias latinoamericanas. Y en Teletransporte nos visitan los insectos, un enjambre de ellos, que en su zumbido electrónico nos recuerdan a la Björk de Homogenic.


Cercanos al final, nuestro prisma halla un requiebro más, La casi partida nos sabe a un R&B que poco a poco se oscurece hasta el último haz de luz: Reflejo, una melodía sosegada en la que Balún nos da la despedida. En este sueño nos vemos distintos, reconocemos el comienzo de algo bello, su Prisma Tropical hará eco en la música venidera y como los mismos Cocteau Twins, que este año fueron nombrados número uno del dream pop para Pitchfork, nuestros Balún llegarán a ocupar importantes puestos en los altares musicales, para nosotros al menos, son ya imprescindibles.

La imagen puede contener: una o varias personas y barba



🔹🌴✈🌊

viernes, 10 de agosto de 2018

Canción: Crik Faluzi – Gritaste luego



Marcar distancia de todo aquello que previamente hemos cimentado siempre será un movimiento arriesgado. En el pequeño mundo aparte que viene a ser el arte, en todas sus formas derivadas, resulta hasta peligroso si ha existido un respaldo por parte de la crítica especializada referida a tu especialidad. Es por ello que una de las sorpresas más recientes dentro de la escena independiente peruana ha sido el cambio de rumbo del cuarteto Crik Faluzi, quienes han dejado de lado la psicodelia y sonido de garaje propio de sus dos primeras producciones para abrirle los brazos al pop y funk.

Si bien en ocasiones anteriores la agrupación ha intentado acercarse a ritmos destinados a la pista de baile, aún con la tibiedad propia de quien experimenta, es en Gritaste Luego donde parecen sentirse realmente convencidos con estos cambios. La invitación a la pista de baile es explicita desde el momento en que se le da play a la canción, no perdiendo efectividad hasta el segundo final gracias a una melodía en iguales medidas animosa como seductora.

Cada vez que ocurren estos giros inesperados en cualquier banda la mayor interrogante siempre será el futuro. Con la salida de nuevos singles, o quizás una producción de estudio, tocará ver si Crik Faluzi logra consolidarse en esta nueva postura de sonidos y colores más vivaces, o por lo menos saber cuáles son los límites en la experimentación con sus nuevas influencias. Comienza una nueva etapa y con ella varias preguntas, pero si en el medio hay diversión, pues todo bien.



Crik Faluzi
↠↠↞↞