viernes, 27 de diciembre de 2013

¡Demasiada Información! - 15 discos recomendados del 2013!!!


¿A veces no se sienten aturdidos con este imparable flujo de información? cuando el bombardeo de datos llega a ser tanto y tan incesante que solo te dan ganas de parar y relajarte mirando lejos. Eso nos llega a pasar muchas veces durante el año, por suerte acá nos tomamos el ratico para revisar cuanta de toda esa gama sonora fue la que nos quedó retumbando más en la cabeza, esta lista comprende 15 discos que queremos volver a recomendar antes que acabe el año y empiece a marcar todo de cero. 

Ahí va! Pero primero, algunos discos que recomendamos fuera del conteo:

Mala Rodriguez – Bruja
Cancioneira – Mar Muerto
Quiero Club – El Techo es el Suelo
Los Rusos Hijos de Puta – Hola
Bflecha – βeta
Füete Billete – Música de Capsulón
Un Día Perfecto Para el Pez Banana - SUBA
El Sueño de la Casa Propia - Doble Ola
Loocila - Coclea
Luciana Tagliapietra - La Luna
Wild Honey – Big Flash
Juan Cirerol – Cachanilla y Flor de Azar
Andrés Gualdrón y Los Animales Blancos - Ciervo de Dos Cabezas
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Escudriñar en los sonidos de este disco no es tarea fácil, mucho menos una labor para cualquier mortal. Partiendo por el impronunciable título, las mezclas inimaginables entre la electrónica, el cyberpunk, el death experimental, el noise pop y el reggaetón, y con la advertencia de que este disco contiene una sola rola promisoria, el estrambótico acercamiento de esta banda al formato largo convierte a ЗОЛОТАЯ / / / / / ГРЯЗЬ en una placa inquietante en la cual podemos encontrar algo nuevo con cada escucha; un pastiche de vanguardia y progresión para valientes. Will Balooni.

Descarga: Astrosuka - ЗОЛОТАЯ / / / / / ГРЯЗЬ


Cuando comenzó la promoción de este disco parte de nuestra redacción se emocionó pensando que Lucrecia Dalt volvería a poner en primer plano su voz y sus letras después del igualmente extraño Commotus de 2012. Lo que sucedió a continuación fue todo lo contrario, dejándonos nuevamente a la espera de un disco pop, Lucrecia se arma de valor para seguir experimentando en terrenos que difícilmente se podrían explorar en Latinoamérica, por algo sus pasos ahora los marca desde Berlin donde grabó Syzygy placa que gira sobre el concepto de la unión de opuestos en la que la música inquietante, como un manto sombrío, amenaza con cubrir cada rincón con sombras. La noche, el ambiente, los lugares poco explorados, la ingravidez y el sosiego se unen al sinnúmero de referencias que ahora otorga Lucrecia a sus canciones generando un disco nocturno que nuevamente reta al oyente y lo pone a jugar con las reglas que Dalt ha creado. Un perfecto acompañante para pesadillas. Will Balooni.



Puede sonar cliché decir que Aves de Chile es un disco luminoso y ambiental, en el cual hacen su aparición de forma contundente los elementos electrónicos; más que de fauna, este es un disco de geografíaEl juego y las progresiones van dando saltos en un disco, en el cual pasamos del tope con canciones como La Fabula, una trepidante canción con potencial de single, y Sigamos los Caminos, hasta un cierre preciosista con En las Trincheras y Rengo. Un sonido solido y bien logrado, o como lo queramos llamar, este debut de Niño Cohete se adjunta al rubro de discos para momentos inolvidables, el soundtrack de películas al aire libre, para días fríos o cálidos, para topografías agrestes recorridas por pies descalzos; mezcla de música orgánica y electrónica en un equilibrio indiscutible en el que las cosas pueden tornarse poéticas con mucha facilidad. Will Balooni.




El indiscutible disco del año para los medios españoles. Triángulo de Amor Bizarro se muestra imparable desde su debut de 2007. En 2013 volvieron con una placa compacta que básicamente no agrega ninguna sorpresa a su sonido que siempre se mueve por los senderos del noise y el shoegaze, seguro si estos fueran otros, nos estaríamos quejando de sus bises, pero con estos chicos terribles, consentidos del indie es casi imposible quejarse. Dejándonos uno de los hits del año a cuestas y otros tantos títulos por re-visitar, Victoria Mística consolida la carrera de este cuarteto gallego y los pone en un lugar de privilegio que han sabido mantener con garra eléctrica. Will Balooni.




El primer disco de María y José giraba en torno a temas religiosos, amores de semana santa y desilusiones llevadas a la pista de baile del oyente que prefiere bailar en su habitación. Con Club Negro las temáticas giran en torno a la violencia, (casi que hay sangre por todos los rincones del disco), acá las desilusiones son más trascendentales y el enfoque esta vez es hacía una pista de baile más amplia, la introspección del productor se deja a un lado para tomar una posición más crítica y a la vez para invitarnos a un antro que no da lugar al desasosiego. Altamente recomendados los tracks Granada, Club Negro y la distorsionada, y candidata a canción del año Ultra. Will Balooni.



La etiqueta de electro-pop se le queda corta al esperado primer disco de Samanta, banda conformada por Ja4, Francisca Villela (ex Prissa) y Daniel Urria, artistas chilenos radicados en Berlín. Esta placa más bien condensa algo que a la postre hemos denominado pop de oficina, una mezcla de sonidos que evocan sensaciones de libertad, entre el dance, el synth-pop y uno que otro toque acústico. El trópico también se desprende de las tonadas de este disco meticuloso y bien cuidado, una experiencia sencilla que se completa con las letras que claramente aluden a los anhelos de vacaciones, esas ganas irrefrenables de dejar las 4 paredes, las grapadoras y teclados para pasear por la playa. Bajo la producción del dúo De Janeiros, Teorema es el acercamiento más inteligente y emocionante del cual tenemos registro sobre el distorsionado mundo burocrático y material. Will Balooni. 

Descarga: Samanta - Teorema




Cícero sorprendió a muchos hace dos años con su debut en solitario Canções de Apartamento, un disco casero con influencias marcadas, que para la época significó un éxito inesperado, incluso para el artista que anteriormente hacía parte de la banda carioca Alice. Más allá del hype y la presión por una continuación, este año el señor regresó con un disco al cual tituló simplemente Sábado, tan sobrio como la portada azul, y que encierra momentos sobrecogedores, repletos de detalles y una ambientación minimalista que sugiere un estado de ánimo donde solo queremos sentarnos en la casa a escuchar y ver el atardecer, dar un beso, tomar una copa de vino o simplemente recostarnos a leer. Pequeñas aventuras domésticas magnificadas por un aura y un acento particular. Will Balooni.

Descarga: Cícero - Sábado



Cinco canciones anuncian el regreso de Violeta Castillo, La Reina del EP. Cinco dignas sucesoras de Uno y Otro, las placas que siendo estrenadas en 2011, suenan aún con la frescura del primer acercamiento. Esta llegada confirma la dualidad impresa en su música: palabras sobre el dolor de crecer, ocultas en la sencillez de una ronda infantil; la brevedad de las letras y las canciones de corta duración son a su vez, una obligación a repetir y reflexionar; la música de Violeta es el encuentro de la fuerza y la vulnerabilidad. Castillo ha vuelto a acertar, demostrando ser una cantautora genuina y vigente. La construcción de álbumes de corta extensión es su decisión estética, y aunque respetable rompe el corazón, pues quien ha caído enamorado, siempre quiere más. Juan Castaño.



A su llegada, el tercer álbum de Dënver nos llenó de desconcierto. Tras el ímpetu de Música, Gramática, Gimnasia, fue decepcionante la suavidad con que se presentó Fuera de Campo, además habíamos sido despistados por una muy bailable Revista de Gimnasia. Pero abandonando las ganas de bailar, entendimos que Fuera de Campo es un conjunto de baladas perfectamente escritas e interpretadas, acompañadas de arreglos electrónicos y orquestales llenos de nostalgia, con fuertes referencias a series de televisión, y a historias de San Felipe, la tierra natal de Mariana y Milton. Con los meses entendimos que Fuera de Campo es un disco complejo, lleno de capas e historias densas, que ofrecen un placer literario, donde canciones como Las fuerzas, Concentración de campos y Mejor más allá, son historias capaces de tocar las fibras sensibles, si tan solo escuchamos con atención. Juan Castaño. 



Inspirada en las melodías de Javiera Mena, o en el reciente vuelco que artistas como La Bien Querida han dado a su música, Julieta Venegas se adentra ahora al espectro electrónico. Algunas letras vienen con lo que podríamos denominar contenido social, sutiles referencias a las situaciones de violencia e inseguridad que atraviesa su país se hacen presentes en canciones como Vuelve o Tuve para dar, mientras que en otras, Julieta entrega temas de amor que se escapan de lo predecible gracias a la reinvención de su sonido; Te vi y Nada importante son canciones amables aun cuando nos hablan del afecto no correspondido. Los Momentos es entonces, el álbum más liviano en la trayectoria de Venegas, austero hasta en su desarrollo gráfico, con una portada a carboncillo que celebra la sencillez, un disco de historias precisas que nos acercan en la naturalidad del lenguaje, en la cotidianidad de cada experiencia. Juan Castaño.



En silencio ha reaparecido una banda de culto en la música independiente. Sebastián Carreras, ahora sin la compañía de Gabriel Lucena y la dulce voz de Isol, persevera en su proyecto. SAGA no es solo una joya dentro de la discografía de Entre Ríos, y uno de los tesoros del año, sino que a su vez plantea un interesante sistema de instalaciones, el álbum se ha presentado en galerías de arte, con una puesta en escena que nos recuerda cómo la banda ha sido desde sus inicios, vanguardia y sofisticación. Loló Gasparini (vocalista de Isla de los Estados), Julieta Brotsky, Rosario Ortega y Agustina Caballero son las voces femeninas invitadas a interpretar las letras de Sebastián, cada una aportando timbres e identidades a este catálogo que sabe impregnar de poesía a la música electrónica, Entre Ríos es el alma de la máquina. Juan Castaño.



Paula Trama lidera a Los Besos en dos EPs simplemente titulados 1 & 2. Lanzado a finales del 2012, y pasando casi desapercibido, este material fue convirtiéndose en uno de nuestros discos más escuchados y atesorados del 2013. Sus mezclas de folk, pop y aunque no lo parezca, punk, fueron un gancho indiscutible para dejarnos cautivar por las composiciones y reinvenciones de Trama, aquellas que incluyen versiones libres de Cosmic Dancer (Bailar) de T Rex, Ring of Fire (Pozo de Fuego) de Johnny Cash y una entrañable despedida en Free will and testament (Libre) de Robert Wyatt. Atrevida o no, la única verdad acá es que las composiciones inéditas de Paula están a la altura de cualquiera de sus musas, y en esa tónica nos regaló un disco en español que se puede tararear de principio a fin, uno que quedará para la posteridad de este servidor como fuente de varios himnos personales. Will Balooni.

Descarga: Paula y Los Besos - 1 & 2



Cuando Alex Anwandter y Daniel Riveros (aka Gepe) anunciaron un disco en conjunto la noticia no nos tomó por sorpresa; aunque Mundo Real no fuese el single que esperábamos, el resto del disco de este dúo es todo un encanto, quizá la placa más seductora del año, y es que esos gemidos en Baby no son gratuitos, y menos las insinuaciones en Japón (“te pone ready pensar en mi”). Pasando por la poderosa balada Mejor que Yo, llegando a ese imponente desenlace tropical en Una Nueva Aventura, el debut homónimo de Alex & Daniel conjura las mejores intenciones de dos de las fuerzas creativas más imparables del pop chileno, un disco perfectamente secuenciado y coherente en el cual cada miembro aporta lo suyo y en el que ambos se muestran más irreverentes que en solitario, siendo este igualmente su momento más pop hasta la fecha. Will Balooni.



En diez canciones, Coiffeur nos hace testigos de su ascensión. La electrónica que apenas acariciaba, le ha permeado completamente en esta nueva fase. Teclado, sintetizador y falsete componen la atmósfera de un universo recreado, donde sus letras narran mitos y leyendas, hablan de constelaciones, astros, fuegos espaciales y desastres naturales, metáforas que cubren mensajes de amor, amistad, traición y en particular, la búsqueda del yo. Sin huir de los referentes más próximos, Coiffeur ha sabido tomar la experimentación sonora de Astro y la balada de Alex Anwandter, para generar un resultado hipnótico que se postula desde ya como ícono del pop suramericano, pues contrario a su título, este álbum puede ser todo menos una conquista en vano. Juan Castaño.



Juana Molina pasa de ser actriz, rebelde, luego aventurera, loca, científica, ermitaña y con WED 21 parece adquirir un nuevo estatus, el de bruja. Moviéndose en los terrenos más rítmicos de su predecesor y agregando nuevos elementos a sus habituales experimentos sonoros, Juana crea en este disco un ambiente adecuado para el baile, la abstracción, el desmadre y la hipnosis. Canciones como La Rata, que aborda un trastorno del comportamiento, o ese sutil encanto de Las Edades, donde su rol de hechicera es más evidente; pasando por la canción que da título al disco, en la cual básicamente no se habla de nada, hasta llegar a los conjuros particulares de la inusual Eras y esa declaración de principios en Sin Guía, no, ratifican este como nuestro disco del año. La invitación siempre queda abierta a adentrarse en estos terrenos encantados por las cualidades únicas de Juana Molina y en últimas a dejarse embrujar por nuestra anfitriona. Will Balooni.

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jueves, 26 de diciembre de 2013

El vídeo: Dani Umpi - Sambayón (2013)

Cada uno de los vídeos que ha hecho Dani Umpi merecen ser reseñados. Desde el lanzamiento de su tercer disco en 2011, este artista uruguayo no ha parado en la promoción del mismo y cada cuanto nos ha entregado un tratamiento visual único para sus canciones más destacadas. El turno ahora es para nuestra gran favorita de Mormazo. Se trata de Sambayón, una canción que suscita muchos recuerdos en mi, pero que en general comprende una letra radiante sobre las separaciones, bañada en un carácter irónico y satírico en el que una mínima frase puede sacarnos de nuestra zona de comfort. Por ejemplo, cuando alude directamente a los blogs como el nuestro "que buenos son los grupos nuevos que bajaste de aquel blog que tanto habías criticado" y pare de contar, este es un must, una eterna favorita. 

El vídeo a cargo Fredo Landaveri muestra el carácter travestí y bizarro de Umpi en una estética pop incandescente, con tomas pulcras y un arte envidiable. Toda la estética kitsch al uso; pasamos de unos extraños momentos de chocolate, cameos de Sofia Oportot, un mecánico sexy, hasta la escena cliché de diva del pop subida en un coche. Un momento único que da lugar también a la transformación, lo etéreo y a la parodia televisiva en el que Dani sigue ratificándose como un icono, un héroe de lo extravagante y la vanguardia.


Descarga: Sambayón
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martes, 24 de diciembre de 2013

La canción: spf5Ø - D e s a n g r a ブリードアウト (2013)

Pertenecientes al mismo sello de la banda argentina Astrosuka (Aural Sects), uno de nuestros descubrimientos del 2013, spf5Ø (no sabemos como se lee) viene de liberar una nueva rola en colaboración con Tatta, vocalista de Astrosuka. Proveniente de Japón y con un acercamiento muy similar al de la mencionada banda argentina, incluso en los títulos tan particulares y bizarros, este proyecto de chiptune condensa en tres minutos y medio las ondas del cyberpunk y las voces extravagantes de Tatta, logrando una poderosa pista entre el house y un género que ellos mismos denominan sad rave, una mezcla de exceso minimalista y el imaginario desalmado de la noche y la cultura animada japonesa. Hay les queda nuestro regalito de navidad, antes de las esperadas listas de fin de año. Nos leemos estos días!


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domingo, 15 de diciembre de 2013

La canción: Takinami - La Solita (2013)

El concepto de electrocopla lo descubrí hoy en una sentida entrevista de Minúscula.pe a la cantante argentina Luciana Tagliapietra. Al rato ,vengo de escuchar el proyecto de Takinami, una misteriosa vocalista que acaba de subir su primera canción a su cuenta de soundcloud, sin mayores detalles, ni foto de apoyo. Se trata de La Solita, una mezcla de folklore austral que difícilmente podríamos encasillar como boliviano, chileno o argentino (parte del misterio que recubre esta nueva voz).

Similar en intenciones a La Yegros, pero con menos eclecticismo, Takinami presenta una canción que propone la copla como su cauce lírico, narrando una historia de desamor entre la seducción y el abandono y con una musicalización arriesgada que incluye toques de orquesta, piano, synthes a la medida y un ritmo seductor; el resultado es esta pista aventurera y fresca que entre pesares y riesgo nos invita a una fiesta que poco a poco se irá revelando.


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La canción: tlx - Vicky (2013)


Mi nueva obsesión después de una recomendación twittera de Ulises Hadjis, es esta rolota del grupo venezolano tlx. Lanzada hace un par de días y con un vídeo rodado en Bogotá (al parecer en una noche de halloween), Vicky es el primer single en extraerse del segundo LP del grupo el cual llevará por título 46 dpi; previsto para el 2014, perfilado desde ya como un indispensable del año, eso si se ratifica el espíritu presentado en esta canción. 

Vicky ilustra al pie de la letra la descripción oficial de la banda: Pop negativo, poesía de fiesta, grupo futurista sin futuro que mira al pasado. Generando altas dosis de nostalgia y con una rítmica envolvente, creo que es poco lo que puedo agregar a una descripción disponible junto con la descarga gratuita del single, de la cual les comparto un extracto: "Estructurado como el comienzo de un musical entre el country alternativo, la Julieta Venegas del Bueninvento y el esplendor de la América postmoderna, este tema combina el recitado de una dulce melodía con la pulsión del ritmo frenético, una característica fundamental de esta banda. El resultado mezcla la pena y el baile como si no fueran elementos en contraste y siempre saliéramos a bailar heridos de muerte."

Escuche y si le gusta bájela, para dejarse llevar por la nostalgia.


Descarga: Vicky
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martes, 10 de diciembre de 2013

Mundos - Núcleos Activos Imaginarios (2013)

Para mi reseña de Caos de Can Can, uno de los mejores discos del 2011, recuerdo haber diferido en la inclusión de algunas canciones de corte suave, como baladas rock en una placa con mucha garra y producción impecable. Desde entonces, el equipo creativo detrás de Can Can ha multiplicado su labor con sus integrantes trabajando en proyectos alternos en los cuales la colaboración sigue generando lazos indisolubles. por un lado Daniel Pasquel comienza a producir su proyecto solista Marley Muerto en el cual colaboran varios de los fundadores de otro proyecto hermano, Mundos, a cargo del ilustrador y músico Roger Ycaza y Denisse Santos, vocalista de Can Can. Es así como Núcleos Activos Imaginarios se convierte en una alternancia de proyectos en la que Pasquel hace las veces de productor e Ycaza lidera las letras y el rumbo creativo de Mundos, regalándonos mucho de eso que en su momento parecía sobrar en el disco de Can Can, pero que acá resuena con mucha lógica. 

El disco presentado en bonito formato impreso con ilustraciones del mismo Ycaza, conjura la hermosa voz de Denisse y la suya en un campo sonoro en el que el formado de balada rock es preponderante. Tomando como ejemplo la dulce Luciérnagas, clara declaración de amor, y siendo esta una gran excepción lírica, puesto que muchas de las letras de Núcleos fluctúan entre lo abstracto y lo misterioso, dejando las interpretaciones al oyente; Luciérnagas presenta decoraciones de violines a los cuales es imposible resistirse, y así como en esta, a lo largo del disco solo encontraremos canciones armadas con mucho cuidado, guardando los detalles, ratificando la buena producción de Pasquel. 

Siempre que cada canción se mueve por rítmicas bajas y las letras se debaten entre la abstracción y la confesión, es gratificante encontrar sorpresas en la producción, como el solo de guitarra y la voz sentida de Santos cerrando Mantis, los efectos de las voces en Mantarraya, aunado a una percusión y métricas que coquetean con el folklore andino en Nopal y Sombras. Cuervos, otra destacada del conjunto, muestra el impresionante rango vocal de Santos, sorprendiéndonos luego de una introducción suave que desemboca en estallidos emotivos, todo enmarcado en el formato rock melódico del cual este disco es estandarte. 

Los campos apacibles con decoraciones pomposas se dejan a un lado cuando aparecen canciones como Artemia y Gorriones en las cuales la invitación al movimiento es tácita. Ambas nos llevan por un viaje rápido en lugar de sumergirnos en pensamientos y divagaciones, miraremos de lejos paisajes de una tierra extraña pero familiar. Gorriones, la encargada de cerrar el disco, excede todos los límites impuestos previamente. Esta es una canción que invita a despertar la imaginación, en la cual la ejecución musical incluye todos los ingredientes de los que se ha servido la producción de Núcleos: voces, percusión, metales, violines y sintes, generando un aura inolvidable que retumba luego de varias escuchas, que se instaura en tu cabeza cual canción de pop suntuosa y que te invita sutilmente al baile.

Así las cosas, Núcleos Activos Imaginarios condensa las intenciones eléctricas de Roger Ycaza, sumando sus letras poéticas a las voces delicadas de Santos y una producción meticulosa que arma un disco con pocos riesgos pero seguro de lo que puede lograr; con Núcleos las tardes nubladas ganan más significado, la calma y las sorpresas se atesoran por igual en una placa que inunda de a poquitos con un mood sinuoso pero familiar, en el que las despedidas, las reflexiones y los experimentos tienen un papel primordial. 



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lunes, 9 de diciembre de 2013

Andrés Gualdrón y Los Animales Blancos - Ciervo de Dos Cabezas (2013)

Andrés Gualdrón es uno de los músicos llamados a remover las desgastadas estructuras del Rock colombiano. Con su anterior disco, casi que en solitario, logró despertar la curiosidad de muchos críticos y medios, aun basándose en un proyecto personal similar en intenciones al de su compatriota Julián Mayorga (con quien comparte el proyecto Bicicleta). Los caminos elegidos por Gualdrón lo llevan a experimentar con sonoridades más urbanas, difiriendo de la propuesta de Mayorga en la que la introspección es bandera. 

Gualdrón es un músico bogotano que hace música sobre esta ciudad, sobre sus problemas, su clima, su gente y sus desventuras. Clasificarlo bajo la etiqueta del rock local sería muy poco para este músico, y creo que no es la primera vez que hago referencia al estancamiento creativo que padecen muchos músicos de esta ciudad, incluso del país; Gualdrón y su equipo por suerte aprovechan la localidad como musa y son lo suficientemente arriesgados como para regurgitar su inspiración en un formato poco tradicional (El Ortodoncista). 

Ciervo de Dos Cabezas es el trabajo en el que Los Animales Blancos se consolida como la banda de acompañamiento de este músico; las colaboraciones imprimen nuevos sonidos y aventuras a la música de habitación, dándole un carácter ecléctico y en momentos distorsionado. Los ritmos en Ciervos de Dos Cabezas son difíciles de seguir, los fraseos al estilo callejero de Andrés son una particularidad de su propuesta, casi que no canta este hombre sino que deja salir su arsenal poético sin miramientos. La incursión de vientos y un guitarrista alocado refuerza un concepto como pocos en la escena colombiana.

En este disco, hay espacio para lo rítmico y onírico (Saturno), para las incursiones cadenciosas al lado del gran Eblis Álvarez (Meridian Brothers y Las Pirañas) en los interludios Muñekeburro; lo folklórico (Larvas, Dile a Mamá), todo envuelto por un manto de experimentación sonora. El concepto que cubre el arte del disco es premonición de trastornos y estados de ánimo varios; al final la sensación entre tanto experimento e interludio es que nos enfrentamos a un ciervo de más de dos cabezas, ratificando la idea de que la inclusión de nuevos miembros al proyecto de Andrés Gualdrón desencadenó una fuerza creativa que solo se pudo condensar en la forma de placa conceptual. 

Cerramos esta intervención haciendo una disección necesaria a una de las canciones claves del disco, Niño Enemigo, otra muestra de ruidos cadenciosos en función del oyente popular. La letra, haciendo referencia a una canción navideña: “papá, papá ¿dónde está el aguardiente, papá?, papá Pérez no lo trajo, será que ese man se robó la vaca, se gastó la plata o se fue a comer”, pone en primer plano hábitos nocturnos con un acento dicharachero y coloquial muy similar el explorado por Velandia y la Tigra… anunciando el vol. 2 de Los Animales cual emisora de barrio, esta canción pudo con mucha facilidad hacer el camino fácil al grupo con menos distorsión, algo que muchos colegas bogotanos hacen con éxito, instaurándose en el gusto del público con pocos riesgos, este tal vez no sea el caso de Gualdrón y su combo, y es por eso que se atesora el carácter heroico de esta propuesta, tal vez no estemos frente al salvador del ruido colombiano, pero al menos nos alegramos de tener un músico que libera sus ideas sin cálculos de éxito.   


Descarga: Larvas
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El vídeo: Triángulo de Amor Bizarro - Estrellas Místicas (2013)

"No seas tan maleducado como para morder la mano que te alimenta, guarda el veneno y sonríe, ostia, sonríe,ostia" vaya momento de la canción en la que dices: ¡TAB lo volvió a hacer! El noise pop, shoegaze de esta banda española, imparables desde su debut, ve una réplica certera en el single de su disco de 2013 Victoria MísticaEstrellas Místicas, en el que sin tapujos habla del estado actual de la música independiente. Con esas últimas líneas de la canción: "Engánchate a los bises de las nuevas estrellas... nuevas estrellas místicas del pop en español” nos queda más que claro de que va este rollo, metrallazo, hitazo indiscutible.

El clip nuevamente a cargo de Luis Cerveró abre con los últimos segundos del track que da inicio al disco (Robo tu tiempo)  y luego muestra en play back estrambótico introducido por una guitarra usada como arma de fuego, entrañables momentos de violencia sonora que amenazan con reventarte los oídos. Ultra recomendado. 


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Wild Honey - Big Flash (2013)

Guillermo Farré encuentra inspiración en lugares habituales como recuerdos, fotografías, la música, el cine y la literatura; sin embargo sus referencias no son del todo de dominio popular. Un ejemplo de esto es la reciente publicación de un 7" en el que rinde homenaje a la fotógrafa y retratista conceptual Cindy Sherman, una serie basada en autorretratos de la artista, arte revisitado, transmedia y colaboración. 

Además de sus proyectos alternos y su prolifera carrera musical, quizá el mayor acierto de Farré este año fue la publicación de su segundo disco bajo el nombre de Wild Honey. Big Flash, como se titula la placa, ha estado rondando nuestros oídos desde su lanzamiento a mediados de año, aunque debemos admitir que nos tomó mucho tiempo familiarizarnos con las nuevas canciones del proyecto bandera de este músico español. La razón yace en el cariño que nos despertó su anterior placa y posteriores singles, dejando la barra tan alta, era difícil superarla. Producido por Tim Gane de Stereloab, Big Flash ha logrado con constancia hacerse su espacio entre los discos mejor guardados del año. 

Una de las razones para mantener el silencio sobre este disco en particular era la falta de coros pegajosos y frases épicas como esas que siguen retumbando en su primera placa. Acá la musicalización se siente más sintética y rica en arreglos, con ritmos que se entrelazan creando una estructura mucho más densa que las exploradas con el folk-pop de su predecesor. Las canciones sin embargo siguen una marcada tendencia a las estructuras de la música popular: estribillo, coro, estribillo; cual semillas que van germinando en la cabeza, las letras se descubren saliendo con facilidad de tu boca luego de varias escuchas. 

Big Flash es un disco repleto de amalgamas entre lo orgánico y lo sintético en equilibrio singular. Una gran introducción a cargo de An Army of Fat Synths revela las nuevas estructuras de Wild Honey, órganos y batería revisten una canción con claros coqueteos a lo sintético. Canciones como My Memory May Also Be A Wish, que vuelve a mostrarnos un Wild Honey influenciado por el sutil vaivén de la bossa nova, y Gothic Fiction, son esos imperdibles primeros pasos para adentrarnos en un disco que nos sorprende con cada nueva visita.

Rogério Duprat Looks Out The Window y It’s All in the Film vienen a reforzar la idea que planteamos al principio sobre las fuentes de inspiración de Farré, esas referencias a lo cotidiano mezcladas con algo de intelectualidad airosa; ambas canciones marcadas por un ritmo trepidante y arriesgado sugieren un enamoramiento paulatino, que de un momento a otro llega a sorprender al oyente más despistado, categoría en la que me incluyo. Así a veces son mejores los amores, esos que no se dan de forma salvaje y de golpe sino los que con coherencia se van adentrando al punto de volverse naturales y fructíferos.

Despejadas las dudas sobre la contundencia de la luminosidad en las composiciones de Farré, de su capacidad de reinventarse y superar su anterior disco, Big Flash es la prueba fehaciente de que los golpes de suerte no existen y de que algunos discos es mejor dejarlos madurar, como vinos que revelaran sus cualidades con el tiempo, aunque acá la analogía no aplique en su totalidad pues fuimos saboreando estas canciones a lo largo de los meses.


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miércoles, 4 de diciembre de 2013

La canción: Linda Mirada - Ruido de Naves Que Parten (2013)

Una misteriosa portada hizo su aparición estos días en el facebook de Linda Mirada, con poca información, más que un título que podría ser bien un single o la portada de su nuevo disco. Por desgracia por un lado, no es ninguno de los dos, pero por otro ha significado la entrega de una canción inédita del proyecto liderado por Ana Naranjo.

Los primeros segundos de Ruido de Naves Que Parten (homenaje a la canción Orbitando de Daniel Melero) nos recuerdan los acordes pegadizos de Secundario, el primer single de su segundo disco; casada con los sonidos ochenteros y sintéticos, esta nueva entrega sitúa a Linda Mirada en lugares muy familiares a su imaginario sonoro, un claro ambientador que funciona como banda sonora para la película 3 Bodas de Más del director Javier Ruiz Caldera.


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jueves, 28 de noviembre de 2013

La canción: Javiera Mena - Espada (2013)

Cuando Javiera Mena se refería a su último álbum, revelaba en él una lectura más allá de la evidente historia de amor y el enfoque a la música bailable. Describía a Mena (2010) como el viaje de un héroe en busca de su verdad, con caídas y triunfos traducidos a nueve canciones que fluctuaban entre la introspección y el éxtasis. Tres años después, Espada es su carta de regreso, un sencillo que hace más clara la metáfora del guerrero y perpetúa su ingreso a la pista de baile.

No es el retorno soñado ni muestra gran evolución después de tanta ausencia, y sin embargo cautiva. La canción es un eco a Luz de piedra de Luna, repite la intensa historia de amor que tiene lugar en una fiesta. Posee una letra que sin ser la más inteligente, se lleva toda la atención gracias al coro que reza "Quiero que tu espada me atraviese solamente a mí", una referencia fálica tan perturbadora como divertida. Espada es un ejercicio pop, del más plástico y luminoso.

Enmarcada en una portada de estética un poco kitsch, la canción mantiene la influencia de la electrónica hecha hace décadas, y vincula esta vez elementos del j-pop, bien podría figurar como pista de introducción en una serie anime. A los más nostálgicos, Espada recordará aquella cuenta en Myspace donde Javiera publicaba canciones acompañadas por imágenes de Sailor Moon o Los Caballeros del Zodiaco. Así, este capítulo del guerrero parece encajar en un imaginario, hace tributo a la fantasía y por qué no, al misterioso hecho de que sus dos álbumes hayan llegado a distribuirse en Japón.

Indiscutiblemente, la canción también responde a una demanda comercial, tras su popularidad en España, Javiera no planea abandonar la fórmula del éxito y en su misión sigue acompañada por Cristián Heyne y Unión del Sur, el sello que han fundado juntos. De este país ya ha recibido elogios, pronto estará allí en gira promocional y tendrá la oportunidad de hacerle a Espada un videoclip bajo la dirección del siempre bueno Luis Cerveró y la firma CANADA.

“Me entrego a la ley de existir”, en Espada no hay mucho por reflexionar. Tras dos álbumes cargados de afecto, Javiera parece enfrentarse al vacío y como su guerrero, se retira de la batalla, ya no busca el amor, ni se precipita, solo se rinde al placer y ese, sin querer, es un mensaje poderoso. 

miércoles, 27 de noviembre de 2013

Entre Ríos - Saga Catálogo Intervenciones (2013)

Sebastián Carreras retomó el barco de Entre Ríos en 2012, o tal vez nunca lo abandonó luego de la disolución del grupo con el sobrio Era de 2011. El regreso lo hace con un proyecto que le inyecta nuevos bríos a esta banda fundacional, de la cual él es el único sobreviviente de la formación inicial. Su objetivo con SAGA es simplemente “evitar la contaminación del cliché del rock o la teatralidad escénica”. Pensado como una suerte de intervenciones para galerías en las cuales el músico interactúa con el público y los colaboradores exploran y de-construyen sus nuevas canciones.

A principios de año la página oficial del proyecto revive con anuncios de nueva música, acompañada de vídeos, fotografías y 4 instalaciones, una por cada canción promocional. La emoción afloraba con estas nuevas canciones que por lo mucho formarían parte de un nuevo EP de la banda. Cuando el anuncio de un disco completo como catálogo de las instalaciones hizo su arribo, ya estábamos nuevamente navegando los mares sonoros de Entre Ríos con mucha soltura. El producto final guarda el formato de disco tradicional, 10 canciones que dan fe de la evolución de Entre Ríos. SAGA es la revalidación del músculo creativo de Carreras y su capacidad de compartir, muestra fehaciente de la historia del proyecto combinando elementos de cada una de sus eras, desde el acercamiento a la electrónica minimalista y ambiental, hasta el formato más guitarrero y próximo al estatus de rock, siempre guardando las métricas, la coherencia y las elecciones estéticas que ha caracterizado al proyecto desde sus inicios. 

Hay en este catálogo mareas de emociones danzando en líricas compactas y entrañables, revestidas de trajes a la medida, mezcla de elementos electrónicos y acuáticos que encajan con las voces que vienen a reforzar este frente musical. Julieta Brotsky dirige la mayoría de las voces en SAGA, canciones como la emblemática Me Quedo Acá, guiada por un instinto de movimiento, y la electromagnética Extraño Fue, ven sus líneas decoradas con su voz airosa. Agustina Caballero hace su aparición en Mírame, un poema de pocas palabras a la cual se unen elementos del ambiente como fuerzas de la naturaleza que desembocan en una experiencia avasalladora. 

Por su parte la hermosa voz de Rosario Ortega hace lo suyo en una de las canciones más exquisitas del conjunto, Otra Vez, compuesta por una letra franca con la cual es fácil identificarse: “Una vez tuve una historia, yo después tuve una herida. Otra vez tuve un deseo así que yo también sufrí derrotas” y continúa “vamos sobre mí, hacia las sombras tuyas, vamos sobre vos hacia las dudas mías”. 

Lideradas por Loló Gasparini (Isla de los Estados), Uno de los Dos y Tú Siempre son otras grandes destacadas del disco. Con su voz andrógina, Loló imprime un toque único a estas piezas que resaltan al instante; evocadoras de los mejores momentos de Entre Ríos, esta dupla de canciones nos tiene entre la espada y la pared sobre reflexiones amorosas y el baile contenido que tanto nos gusta. 

Para el cierre del disco el equipo decide versionar una canción del mítico Daniel Melero, la elección es para Líneas, en la voz de Rosario Ortega. El tema, dotado de arreglos que viran entre la electrónica minimalista y la acústica melódica, es la forma perfecta de cerrar esta nueva entrega, mientras la música deja furtivamente la composición, la voz en fade out va despidiendo una canción que habla de separaciones y de cómo los “romances se llevan algo de uno cuando terminan”

Con esta nueva ruta trazada por Entre Ríos sólo nos queda dejarnos llevar por su encanto innato y a la par, cuestionarnos sobre el efecto que esta nueva forma de distribución tenga en una generación de oyentes atiborrados de contenido estéril, si en nosotros se desdibujará el efecto “rock fans”, o si cada uno hace lo suyo con la producción musical de Entre Ríos, dejarla en las manos del oyente y que esta germine y se multiplique o que simplemente se pierda en esta marejada digital de la cual todos nos alimentamos.

martes, 26 de noviembre de 2013

Juana Molina en vivo - Mix Box Live (2013)

Ayer por la tarde por casualidad sintonicé los últimos momentos del concierto de Juana Molina y Las Hermanas Caronni en París emitido vía streaming por Mondomix en su programa Mix Box Live, y fue realmente emocionante, siendo esta la primera vez que veo a Juana tan diáfana interpretando sus canciones en un formato de banda, acompañada de un pianista y un baterista. Esta presentación hace parte de la gira de Juana por territorio europeo y en ella interpreta canciones de su nuevo disco WED 21, aun pendiente de reseña. Son cincuenta minutos de concierto que valen la pena ser revisitados, no todos los días tenemos la oportunidad de ver a esta genio retomando uno de los papeles de su programa cómico de los noventa, o parando la última canción del toque porque el baterista había perdido el ritmo y hacer de esto un momento para la distensión en lugar de un problema, y cuando todo fluye naturalmente, incluso olvidar la letra y terminar perdida parece normal para Juana.

Mira el streaming a continuación a partir del 01:15!            

lunes, 25 de noviembre de 2013

Violeta Castillo - Hasta Abajo (2013)

Cinco canciones anuncian el regreso de Violeta Castillo, La Reina del EP. Cinco dignas sucesoras de Uno y Otro, las placas que siendo estrenadas en 2011, suenan aún con la frescura del primer acercamiento. Esta llegada confirma la dualidad impresa en su música: palabras sobre el dolor de crecer, ocultas en la sencillez de una ronda infantil; la brevedad de las letras y las canciones de corta duración son a su vez, una obligación a repetir y reflexionar; la música de Violeta es el encuentro de la fuerza y la vulnerabilidad.

La novedad de Hasta Abajo es su clara invitación al baile, no gratuitamente es el nombre escogido para presentar el EP. Si las primeras melodías de Castillo insinúan unos tímidos pasos de baile, la energía de su regreso da la completa libertad para ensayar espontáneas coreografías.

Ola del mar es la introducción, analogía marítima para el vaivén de las emociones humanas, desde ya una de las favoritas. En seguida sorprende Hasta abajo, el corazón del EP, que de nuevo hace visible la dualidad porque su nombre engañoso denomina la pieza más melancólica, el dolor del amante que anhela y espera. Pero antes de refugiarse en la tristeza, el sonido devuelve energía con Las cremas, el divertido sencillo estrenado hace unas semanas. ‘A los que me piden que imponga un mensaje, ¿qué puedo decirles?’ carta abierta de Violeta Castillo a quienes puedan juzgar su música de escasa profundidad, porque para los que saben cómo menos puede ser más, la adorable línea inicial ‘Dame unos minutos para actuar, y hacer efecto, como las cremas’ es poesía pura.

Las señales, en contraste, es la pieza de mayor duración dentro de este EP y sus antecesores. Rica en arreglos y  reveladora con el paso de las escuchas, una historia de malos entendidos y peticiones al cielo. Finalmente, El control es la canción de despedida, un agradable coqueteo al rock que hace agitar la cabeza mientras se llena de melancolía, por su letra y por saber que Hasta Abajo ha concluido, aunque se intuye desde ahora, que el acto a seguir es oprimir el botón de repetición, si ya no se ha agotado en la marcha.

Violeta Castillo ha vuelto a acertar, demuestra ser una cantautora genuina y vigente. La construcción de álbumes de corta extensión es su decisión estética, y aunque respetable rompe el corazón, pues quien ha caído enamorado, siempre quiere más.

viernes, 22 de noviembre de 2013

La canción: AJ Dávila y Terror Amor – Ohhh (No Te Encantes) (2013)

Durante los últimos años, Arnaldo José Lozada ha producido una serie de joyas de garage-rock con Dávila 666, sin embargo, ha sido difícil determinar con exactitud la cantidad de esfuerzo y emoción en la banda. Considerado como uno de los holgazanes originales, su conducta es infame lacónico hasta el punto de indiferencia, AJ Dávila ha dejado que la distorsión, el exceso de potencia, y la técnica del virtuoso lo caractericen. Pero Terror/Amor, su LP debut, es diferente.

Mediante el uso del nombre de AJ Dávila, es razonable sugerir que este álbum podría ser el más personal de Lozada, sus sentimientos de dolor, de amor, la sabiduría y nostalgia sin miedo. Junto a Terror Amor, el último sencillo Ohhh (No Te Encantes) cuenta con la colaboración de Jinmy Vitte (Los Negretes) en la guitarra y Fofe Abreau, es una balada pop romántica que le canta una chica al mejor estilo boricua, "sabes nena tu y yo aberrante / pal de buenas tu y yo y palante / tarde perra tu y yo arrogantes".

AJ Dávila y Terror Amor es sin duda uno de los discos más esperados para el próximo año (se calcula que el disco saldrá a finales de enero) y cuenta con una gama de colaboradores espectaculares que incluye Alex Anwandter, Selma Oxor, Mercedes “Meche” Oller, (Las Robertas), Juanita Calamidad de la banda española Juanita y los Feos, Cole Alexander, guitarrista y voz de Black Lips, integrantes de la banda Fantasmes, Dax Díaz, Fofe Abreau y el mexicano Juan Cirerol.


Descarga: Ohhh (No Te Encantes) (click izquierdo guardar como, vía MAP)
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jueves, 21 de noviembre de 2013

El vídeo: 424 - Gala (2013)

La humanidad desde siempre ha intentado de determinar si existe una esencia en la naturaleza. Tino de la Huerta es uno de ellos, donde trata de representar la realidad de lo tangible en el nuevo video de la banda costarricense 424 para el tema Gala, protagonizada por los mismos integrantes de la banda. La banda aprovechó para grabar el vídeo durante su gira en México donde estuvieron presentándose en el Festival Marvin y el LoudBlue Festival para promocionar su último álbum de estudio Oro, que fue grabado junto a Phill Vinal en la selva de Costa Rica.

El vídeo fue grabado en Aculco, México y ve a los integrantes del grupo interactuar con los cuatro elementos de la naturaleza los cuales representan temas muy presentes en el track y a lo largo de Oro: el deseo representado por el fuego, las emociones representadas por el agua, el pensamiento representado por el aire y la estabilidad por la tierra.


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Cancioneira - Mar Muerto (2013)

Linda Christina Sjöquist vive en Isla Dorada, una pequeña isla urbanizada de Maracaibo, rodeada de manglares y contados complejos habitacionales que cortan la brisa del mar. Se conecta con tierra firme a través de los puentes que cruzan a sus islas hermanas Sotavento y Barlovento. Isla Dorada es un punto cercano para apreciar la infinitud del mar. Es allí donde ella ha grabado su álbum titulado Mar Muerto, su reciente debut discográfico solista como Cancioneira. Allí, rodeada de un mar que fenece para ella y en el que ahora empieza a sumergirse.

No escatimo en confesar a todos que soy fan enamorado de ella. Y he llegado a la conclusión que está en mi top de artistas favoritos de todos los tiempos. Antes de que ser Cancionera, Linda Christina Sjöquist tenía un proyecto llamado ...Al cruzar la calle y con el que editó un disco homónimo a inicios del 2012, conformado por canciones que se iban escuchando por la red hacía dos años atrás, de carácter lo-fi, donde el protagonismo lo tenían su cálida voz y sus composiciones, letras con referencias literarias (quiero alguien que me abrace y me bese al despertar, que me lea poemas de Cortázar), de angustias juveniles (despertar sin ti es una razón para seguir durmiendo), cargadas de dramas (adiós inmadurez, mi vida le pertenece al mar) y desencuentros amorosos (los filósofos siempre terminan solos) pero no eran excesivas, se conjugaban con realismo (el amor es una empresa capitalista) y también sensatez y crudeza (los artistas verdaderos están todos muertos y yo no seré la excepción), canciones donde reflexionaba y nos exponía su sensibilidad (Puedo ser un cuadro, un retrato maldecido con colores fracasados) y con las que era fácil identificarse. Uno de los mejores discos de ese año. -Por agirofobia, eso diré cuando me pregunten por qué dejé la banda, me dijo alguna vez entre los jajaja de una conversación de facebook. Agirofobia es el miedo al cruzar la calle.

Una de las canciones de esa etapa, La agonizante Así era yo antes de morir fue la primera canción a la que presté oídos. Me fulminó con su convalecencia amorosa. Aquí la referencia a la muerte es angustiante. Y por ese fluido navegamos también en Mar Muerto. Estas canciones tienen mucho significado para mí y simbolizan una época tormentosa de mi vida, advierte ella en un correo para los amigos. Este álbum es en honor a la memoria de Ingemar Sjöquist y Daniel Olmos, mi padre y mi abuelo, quienes atravesaron el mar muerto mientras lo grabábamos, nos indica en el arte de los créditos del LP. Y nos da la bienvenida con el sonido del mar, que está presente en todo el disco. Si hay un protagónico acá es el sonido de las olas y los fantasmas. Mar Muerto es un testimonio diáfano en el que nos sumergiremos por su conmovedora belleza y que encuentra uno de sus momentos más intensos en Preludio, tal vez el mejor tema del disco y el que más nos acerca a su primera etapa. Las personas que amamos dejan huellas y después de eso queda su figura fantasmal en nuestras almas (y quisiera regresar a cuando fui feliz…sin tus manos en la arena, sin tus huellas, sin tu nombre, sin tu idioma, sin tu voz pero sobre todo sin mí). Sobre todo sin mí.

Pero también es un disco paisajista y la presencia del mar es todo lo contrario a lo que remite el título del disco. Es notorio, enérgico, por momentos abrupto. Las olas rompen, vienen y van, nos zambullen, nos devuelven a la orilla y nos sumergen con fuerza. Creo que ahí radica la belleza del álbum. En ese juego sonoro, que pensado o no, se enriquece la experiencia de Mar Muerto: Las canciones son las que realmente contextualizan la escena. La lírica de Cancioneira con claras referencias a la ausencia (Labios Motores, Ausencia, V), la melancolía (Hacía mí), la imposibilidad de la memoria (Lluvia, Pavimento), la necesidad de reconfigurar el pasado para salvarse del presente (Preludio) continua siendo breve y contundente, arranca suspiros y recuerdos, sensaciones y reflexiones, es una invitación a sumergirse con ella. Además la producción de Yoconvoz Discos es fundamental en el nuevo sonido de la artista, salpica de coros fantasmales y una musicalización que remite al viento que sopla en los días finales, nos guía tras los surcos que dejan los movimientos marinos y revelan las heridas, el estado de ánimo en el que hasta lo más vital ha dejado de significar algo.

El único punto débil es Labios Motores, la cual me produjo cierta desazón al iniciar la escucha del disco. Creo que los primeros segundos no poseen la sutileza vocal característica de Cancioneira; sin embargo, reconozco que es un punto muy subjetivo. Aún suena en mi la delicada entonación de la versión primaria que aún podemos escuchas a través de su soundcloud. Pero, vaya, pues que es un temón a pesar de todo. Desde el saque nos sumergimos en un estado de ánimo. En un golpe con forma de imagen que deja una tristeza inacabable como las noches polares.

Mar muerto es una producción venezolana-argentina grabada en Isla Dorada y producida en Buenos Aires que se proyecta a tener una edición en formato físico que espero se concrete y ojalá en una versión única que pueda integrar las pistas del EP lanzado por el sello venezolano Entorno Doméstico una semana antes. Los lados B de ese corta duración complementan a la perfección el conjunto del disco y nos devuelven a la Cancioneira más folk. Hay temas excelentes y desde el que se abren algunas preguntas como por qué para ella el mar es el paisaje prohibido. Necesario.

Artículo publicado originalmente en www.minuscula.pe


Descarga: Mar Muerto
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viernes, 15 de noviembre de 2013

La canción: Pato Suárez - El Mesías (y los fierros) (2013)

Un poco de Lisandro Arisimuño, Coiffeur y Pol Nada recorre el segundo disco del cantautor argentino Pato Suárez. Esta mezcla de voz familiar y formato acústico hace de este un disco digno de visitar. En momentos de tensión e insomnio, las canciones de Crimen, Fábula y Disfraz se acoplan al imaginario tétrico gracias a las letras cuidadas de Suárez, donde las concesiones electrónicas tienen un peso avasallador en el oyente.

Así, extraemos una joya diabólica en tono minimalista pero armada hasta los dientes de detalles inquietantes: El Mesías (y los fierros). A momentos es como si los beats de esta canción tomaran posesión del cuerpo mientras acudimos a una letra de cuidado que alude a temas religiosos, consumistas y de violencia: "Soy el diablo en tu oración", "A mí me encargan tu temor y vos pagás por el" y "El Mesías nunca llega pero tenemos odio y fierros" frases contundentes que nos mantienen al pie del cañón de una canción que rosa los 4 minutos de tensión.


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sábado, 9 de noviembre de 2013

La canción: Dënver - Negro es el color de su corazón

Hace unos meses, Dënver hacía grandes anuncios: el estreno de un videoclip para la canción emblemática de su último disco, Las fuerzas; por otro lado, presentaba un concurso a través de la marca Philips, en el que sus fans tenían la oportunidad de enviar un relato corto que posteriormente el dúo leería y escogería como inspiración para una nueva canción. Las buenas noticias fueron eclipsadas por un comunicado oficial que informaba su separación, acompañada de algunas declaraciones de Milton en las que se refería a Dënver como un impedimento en el desarrollo de otros proyectos, y que la despedida le representaba un alivio. Por fortuna, la noticia fue producto de un enojo momentáneo y tímidamente, la banda se retractó y regresó a los escenarios.

Ahora, su permanencia se hace más clara gracias al estreno de Negro es el color de su corazón, canción fruto del concurso mencionado. Martín Torres, un fan chileno, fue el afortunado ganador y encargado de reunir a la banda en estudio alrededor de una historia de hechicería. En una especie de entrevista, El amarillo ha hablado con él, quien muy amablemente relató la anécdota ahora hecha melodía.

Dënver nos empuja a la pista de baile con una base electrónica que cautiva desde los primeros segundos, se hace eco a los arreglos orquestales de su último álbum y se coquetea con algo del kraut que ya se ha reconocido en propuestas como Svper y La Bien Querida. Las voces de Mariana y Milton se intercalan en una letra macabra, de aquellas que tan bien van al dúo, con brujas en escobas, insectos, hogueras y gritos. Martín cuenta que la historia proviene de su infancia, cuando su madre usaba los cuentos de brujas para obligarlo a dormir a tiempo, a veces tocaba su ventana haciéndole creer que se trataba de una presencia maligna; este cuestionable método sembró en él profundos temores que su abuelo quiso contrarrestar inventando para él una mejor historia. Durante unas vacaciones en el campo, ambos hicieron un ritual que consistía en quemar un montón de maleza a la que llaman ‘bruja’ porque al arder emite un sonido parecido al grito de mujer, le dijo que durante el día, ellas se escondían bajo estas plantas. Así, con este sacrificio en la hoguera, Martín sintió que la amenaza de las brujas llegaba a su final.

Para un hermoso relato, una hermosa canción. Con ustedes, Negro es el color de su corazón:



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